MOVIES {J}

[Mov 02 IMDB 4,2/10 {Video/@@}

JASON VAI PARA O INFERNO - A ÚLTIMA SEXTA-FEIRA

(Jason Goes to Hell: The Final Friday, 1993)

''Estão vendo esta minhoca esquisita no poster? Vou te apresentar, este é Jason (!!). Ah, vocês devem ter reparado que esta parte não tem um poster padronizado e igual as sequências anteriores, né? É porque depois do fracasso de bilheteria da Parte 8, a Paramount vendeu os direitos da franquia a New Line. A história (?) é um verdadeiro primor. Ela decide esquecer completamente o filme anterior (e pelo visto, todos os outros), e mostra Jason livre, leve e solto...matando a vontade em Crystal Lake. O filme começa com a uma moça indo sozinha para a cabana, não demora muito e Jason aparece. A moça é bastante astuta e corre como o demônio da cruz. Chegando a uma clareira, várias pessoas aparecem das árvores e chão, armados até os dentes e faz Jason de picadinho. Era uma armadilha. Jason morreu (que ingenuidade), mas o problema é tudo isso acontece no começo!. Então como os roteiristas poderiam continuar brilhantemente a história? Aguarde a desenrolar dos fatos?. O corpo as partes, né do Jason chega ao necrotério e um preto legista começa a examinar. Não demora muito e o coração do Jason começa a bater sozinho e seduz o cara, que acaba comendo o coração do assassino da máscara de hóquei. Ele fica possuído por Jason e, conforme o filme vai correndo, Jason vai passando de corpo em corpo por meio de uma cobrinha que sai da boca dos possuídos. Nesta sequência, Jason está atrás de seus parentes biológicos what?. De acordo com a lenda, que eles inventaram na hora, somente um parente pode matar ou fazer Jason reviver. Brilhante, né? não. Primeiro devo perguntar: Onde diabos estava a suposta família do Jason nas milhões de sequências anteriores? E o que mais incomoda é que não faz o menor sentido. Porque a Pamela iria matar meio acampamento ao invés de cuidar do resto de sua família? E o roteiro como sempre não busca dar maiores explicações. Por outro lado temos ótimos efeitos de maquiagem, as mortes estão bem legais e destaco a cena em que um homem literalmente começa a derreter. A cena é muito bem feita e dá até para ver o maxilar inferior do cara caindo em frente aos nossos olhos. Os personagens são todos inúteis e os protagonistas são tão sem carisma que eu queria que todos fossem para o inferno junto com o Jason. O que aprendemos com a parte 9: Jason estava ganhando experiência para ser um filhote de O ataque dos vermes malditos. O roteiro nos apresenta uma safadeza oculta, com a cobra sempre passando de boca em boca. Freddy Krueger ficou entediado com a falta de crianças na Rua Elm e veio brincar em Crystal Lake. Como disse acima, Freddy faz uma pequena participação especial no final do filme. Suas garras surgem da terra e agarram a máscara do Jason, deixando a entender que Jason finalmente foi para o inferno. Será que o Krueger é o senhor do submundo? Pergunte para o Hellraiser." (Adam Marcus)

Top 200#139 Cineplayers (Bottom Usuários)

New Line Cinema
Sean S. Cunningham Films

Diretor: Adam Marcus

15.446 users / 557 face

Check-Ins 88

Date 01/11/2012 Poster - ####

[Mov 02 IMDB 4,4/10 {Video/@}

JUNIOR

(Junior, 1994)

''Dois pesquisadores, o grandalhão Dr. Hasse (Arnold Schwarzenegger) e o pequeno e malandro Dr. Arbogast (Danny DeVito), desenvolvem uma droga para auxiliar a gravidez. Impedidos de continuar o projeto, a dupla rouba um óvulo e o implanta na barriga do Dr. Hasse. E assim passam a testar a droga, a partir das reações do grandalhão durante os 9 meses de gestação." (Filmow)

67*1995 Oscar / 52*1195 Globo

Northern Lights Entertainment
Universal Pictures

Diretor: Ivan Reitman

43.933 users / 4.230 face

Soundtrack Rock = Patty Smyth + Bono

Check-Ins 91

Date 01/11/2012 Poster - #

[Mov 01 IMDB 6,9/10] {Video/@@} M/74

JOE

(Joe, 2013)

Dois mundos em desarmonia.

''David Gordon Green, após obras cômicas como Segurando as Pontas (Pinneapple Express, 2008) e Sua Alteza? (Your Highness, 2011), lança em 2013 ''Joe'', cujo personagem-título é interpretado por Nicolas Cage. Um ex-presidiário e chefe de uma equipe de lenhadores que passa seus dias entre bordéis, bares e bosques, Joe tem sua rotina alterada quando conhece Gary, um garoto que acabou de se mudar para a cidade interiorana onde vive e tem uma família problemática graças ao abusivo pai alcoólatra. Um forte sentimento de identificação une o endurecido homem e o obstinado garoto, desenvolvendo uma relação de pai e filho a ser atrapalhada tanto pelo genitor de Gary quanto por Willie, um rival de Joe que vive provocando e trocando agressões com o mesmo. Como já havia demonstrado em Segurando as Pontas, Gordon Green sabe criar uma atmosfera violenta como ninguém. Toda a primeira hora de filme é dedicada a criar um universo em particular, com seus personagens brutais, porém solitários. Em uma estrutura visível e esquemática, não muito diferente dos típicos buddy movies onde de miséria surge esperança, Green fez de Joe um personagem carismático, para dizer o mínimo, sendo tão querido quanto temido pela comunidade local devido a um temperamento tão companheiro quanto explosivo. O intérprete de Gary, o ator-mirim em ascensão Tye Sheridan, serve como contraponto; o forasteiro e o estranho, mas também a representação de vida, de energia, que insiste em crescer mesmo que o cenário degradante o impeça. É isso que resume boa parte da construção fílmica de ''Joe'', levado por seus fortes personagens por boa parte do tempo, até o momento que o filme resolve adentrar outro gênero. A tal jornada interna contrasta com os personagens coadjuvantes, que assim como acontecia em Segurando as Pontas – transformando um filme de maconheiro em filme de ação – aqui acontecem de desafiar a relação construída em confronto físico, numa dicotomia algo maniqueísta, algo caricatural; os personagens em contradição, que se esforçam para serem bons e combatem vícios e falhas de caráter com alguma integridade inerente estão de um lado; os perversos e irrecuperáveis estão de outro. Tudo isso acaba parecendo criar dois filmes dentro de um – o drama de superação e o conflito de forças a lá western, onde ambos ocupam um espaço incerto, onde a transição do íntimo para o exterior nem sempre é fluída ou justificada. Isso reforça toda a primeira metade do filme; os conflitos pontuais de Joe com o mundo são filmados em planos demorados, que privilegiam a economia formal, confiando em enquadramentos e movimentos de câmera o efeito de se criar um certo ambiente rústico, esquecido e aprisionado no tempo, ignorado pelo progresso. À medida que relações se intensificam, o filme vai ganhando em cores, luzes e na frequência perceptível de tomadas diurnas; quando os protagonistas encontram-se em problemas, adentram espaços escuros, bagunçados e com câmeras trepidantes. O clímax desenrola-se à noite, longe de tudo, em um palco de condenação ou redenção para seus problemáticos personagens que, à exceção de seu protagonista, tem uma curva pouco clara, já que antes eram basicamente arquetípicos. Tal indecisão sobre qual terreno caminhar torna Joe um tanto distante da precisão de gênero que lançou Green – Segurando as Pontas fazia uma transição sem jamais perder o espírito de piada, e fazia piada sem nunca perder o espírito de estilo necessário – ou de uma clássica medição de forças trabalhada por nomes como John Ford e Howard Hawks, basicamente escultores de algumas das grandes cenas de ação e tensão no cinema, onde a construção de tais elementos é um tanto capenga. O foco espalhado que não necessariamente cria uma subtrama, mas antes uma trama tardia, já que a mesma caminha a passos de tartaruga junto à trama principal. Tivesse se mantido antes à trama de amizade, ainda que padronizada, funcionada do que trazer de volta conflitos pouco explicados para forçosamente terminá-las, o que tornou o filme simplesmente desencontrado." Bernardo D.I. Brum)

*
''Depois de dirigir Segurando as Pontas e mais duas comédias, o diretor David Gordon Green retorna em ''Joe'' aos temas e cenários do seu começo de carreira, quando despontou no cinema independente como um dos muitos seguidores de Terrence Malick. Joe lembra bastante Contra Corrente (2004), o terceiro longa de Green; ambos tratam, em forma de fábula do Bem contra o Mal, de famílias não tradicionais que se formam sob as urgências da natureza. A diferença é que Joe tem Nicolas Cage como protagonista, e apesar de todos os elogios à atuação do ator festivais afora (suspeito que muitos frequentadores de festivais não assistam a filmes de Nicolas Cage com regularidade para saber comparar), a figura do astro se torna um fardo em Joe, um filme cujo sucesso depende de comprarmos, ou não, sua proposta naturalista. De barba comprida e fazendo sua melhor imitação de Clint Eastwood, Cage interpreta o ''Joe'' do título, capataz das 8h às 16h de um grupo de trabalhadores no campo. O serviço envolve machucar a machadadas, com uma mistura de veneno, árvores condenadas que serão substituídas futuramente por pinheiros mais robustos. Quando compreendemos o drama do coprotagonista, o adolescente Gary (Tye Sheridan, ator promissor), que procura emprego no grupo e vê em Joe uma figura paterna muito melhor do que seu pai viciado e violento, a metáfora central fica evidente: trocar árvores fracas, fundações fracas, famílias fracas, por outras mais fortes. E a família de ''Joe'', formada de negros e prostitutas, é obviamente mais interessante do que a dos caipiras alcoólatras que infestam Austin, a cidade do Texas cujos arredores serviram de cenário para ''Joe''. Para funcionar, o filme de Green depende não só da sua proposta naturalista, mas de que acreditemos, só de olhar na cara das pessoas, que elas realmente vivem naquele fim de mundo. É por isso que o grande trunfo de casting é Gary Poulter, um sem-teto que vivia pelas ruas de Austin e foi chamado a fazer um teste de elenco, para o papel do pai de Gary. Poulter, que nunca atuou e lidava com abusos de substâncias desde a adolescência, voltou para as ruas e morreu dois meses depois das filmagens. Em entrevistas, Green diz que escolheu Poulter justamente pela carga que o homem trazia ao rosto. Como as árvores marcadas na lâmina, a cara do sem-teto inequivocamente sintetiza a sua história. O diretor tenta reproduzir esse acúmulo epidérmico de experiências em alguns dos atores profissionais do elenco - a cicatriz do vilão, a barba de Cage - mas é óbvio que o resultado nunca seria o mesmo. Então é triste constatar que talvez Joe fosse um filme melhor se não fosse Nicolas Cage no papel principal, um ator que carrega no rosto um histórico, sim, mas de um camaleonismo quase esotérico - característica que atrapalha na hora de compor um personagem como ''Joe'', cuja tragédia pessoal está associada justamente à sua incapacidade de ser outra pessoa senão ele mesmo." (Marcelo Hessel)

2013 Lion Veneza

Worldview Entertainment
Dreambridge Films
Muskat Filmed Properties
Rough House Pictures

Diretor: David Gordon Green

29.050 users / 10.454 face

Check-Ins 580 36 Metacritic

Date 13/06/2014 Poster - #

[Mov 05 IMDB 7,3/10 {Video/@@@}

JULIA

(Julia, 1977)

"Julia" é uma ótima adaptação de Pentimento, as memórias da escritora Lillian Hellman, nas quais ela fala de sua amiga de infância, principalmente no que tange ao seu envolvimento com o movimento europeu de resistência ao fascismo. Realizado pelo cineasta Fred Zinnemann, a partir do excelente roteiro de Alvin Sargent, o filme é muito bem conduzido pelo diretor, no que é ajudado pelas magníficas interpretações dos principais atores, notadamente de Vanessa Redgrave, Jane Fonda, Jason Robards e Maximilian Schell. "Julia" conta ainda com uma agradável trilha sonora e com a maravilhosa fotografia de Douglas Slocombe." (70 Anos de Cinema)

50*1978 Oscar / 35*1978 Globo / 1978 César

Twentieth Century Fox Film Corporation

Diretor: Fred Zinnemann

5.365 users / 415 face

Check-Ins 231

Date 27/06/2013 Poster - ####

[Mov 06 (577-J)] IMDB 6,3/10 {Video/@@} M/51

JACK - O CAÇADOR DE GIGANTES

(Jack the Giant Slayer, 2013)

"Uma gigantesca bobagem sem qualquer personalidade, que prefere apostar em um tsunami de CGI do que na criação de uma história ou personagens minimamente decentes. Para ser esquecido." Silvio Pilau)

"Surpreende por ser melhor que a média de filmes recentes de efeitos especiais focados para a família. É bem divertido, bonito de se ver e tem momentos excitantes." (Alexandre Koball)

"Roteiro barrigudo, elenco frágil (à vontade, McGregor se salva), efeitos especiais pouco realistas, 3D sofrível... E, ainda assim, uma aventura cheia de vitalidade, que, ao contrário de outras adaptações de contos, funciona enquanto gênero e diversão." (Rodrigo Torres de Souza)

"Nascida entre redes sociais e aplicativos para celular, a Geração Z define um grupo social marcado pelo déficit de atenção e o egocentrismo. Para atender esse público jovem e exigente, com um nível de tolerância medido em frações de segundos e número de caracteres, os estúdios precisam, mais do que nunca, antecipar tendências. A primeira foi a Universal com Branca de Neve e o Caçador, seguida pela Relativity Media e seu Espelho, Espelho Meu. A Paramout pensou em João e Maria – Caçadores de Bruxas, a Disney no seu prelúdio de O Mágico de Oz, e a Warner Bros. encontrou em "Jack - O Caçador de Gigantes" (Jack the Giant Slayer) a sua oportunidade de recriar o gênero da fantasia em um universo 2.0. O projeto surgiu em 2005, de uma ideia do roteirista Darren Lemke (Shrek Para Sempre) e chegou a ter DJ Caruso como possível diretor. Foi em Bryan Singer, porém, que o estúdio encontrou o condutor ideal dessa nova tendência. Com a experiência adquirida em X-Men, Singer teria as habilidades necessárias para criar uma fantasia moderna, cheia de ação e com potencial para se tornar uma franquia, pronta para preencher o vazio de uma audiência sem imaginação. Na nova versão de João e o Pé de Feijão (que também se vale de elementos de outro conto de fadas inglês, Jack the Giant Killer), o protagonista continua a ser um rapaz pobre e sonhador que troca o único bem da família (uma vaca no original, um cavalo aqui) por um punhado de feijões. A diferença é que essas sementes, antes símbolo da inocência e da esperança, são agora partes vitais de uma conspiração pelo trono de um reino. Apesar da aparente complexidade, "Jack – O Caçador de Gigantes" foi pensado para um público que vai ao cinema com o celular em mãos. Daí os personagens mal desenvolvidos, por exemplo. É possível assistir a 20 minutos, checar se alguém curtiu a foto do seu almoço no Instagram, e voltar sem que o personagem de Ewan McGregor, o guarda real Elmont, tenha evoluído de qualquer forma. O carisma do ator é desperdiçado em um militar engraçadinho e unidimensional, que serve apenas para que Jack tenha com quem interagir durante a escalada do pé de feijão. O mesmo vale para o rei Brahmwell de Ian McShanee, que tem sua presença limitada à repressão e, consequentemente, à rebeldia da filha. Staley Tucci é quem consegue dar um pouco de corpo ao seu personagem, mas sua participação acaba desperdiçada por Singer, que tem olhos apenas para o casal protagonista (Nicholas Hoult e Eleanor Tomlinson). Mais uma vez, o mocinho precisa salvar a mocinha para chegar ao felizes para sempre. A única evolução é que essa donzela fica em perigo por querer se emancipar: foge da casa para descobrir o mundo por si mesma. Se o princípio do público desatento vale para o roteiro (afinal, as pessoas não querem pensar, querem se divertir, é a principal defesa nos comentários), a mesma coisa não cabe ao visual. Imagética, essa geração não aceita o aspecto “retrô” dos gigantes em computação gráfica, tão sem vida, textura ou carisma. O mesmo vale para o 3D, que apesar do suposto cuidado nas filmagens, não acrescenta nada em um filme cujo mote permitiria explorar criativamente a escala entre gigantes e humanos ou o vertiginoso pé de feijão. Há também um estranhamento entre os efeitos especiais e a direção de arte/figurinos, pensados para contrastar a nobreza humana dos bárbaros gigantes. A riqueza do figurino, com suas armaduras e penteados elaborados, acaba por tornar ainda mais evidente a pobreza do CGI. Essas falhas visuais talvez sejam a grande causa do fracasso de "Jack - O Caçador de Gigantes" nos cinemas norte-americanos (o filme fez apenas US$ 60, 092 milhões para um orçamento de US$ 195 milhões). O mesmo aconteceu nos EUA com João e Maria – Caçadores de Bruxas e Espelho, Espelho Meu, mas não com produtos mais elaborados ou coloridos como Branca de Neve e o Caçador ou Oz: Mágico e Poderoso. A Geração Z não exige história, mas precisa de um visual impecável (lógica que não vale, porém, com os fãs de Crepúsculo). Para fazê-la pagar o ingresso é preciso esforço e Singer e a Warner subestimaram seu público-alvo. O resultado é uma lição moralizante, como nos contos de fadas." (Natalia Bridi)

"Atualmente, quase todos os filmes de ação contam com um determinado artifício de estilo: a câmera-pássaro. Se for fantasia, para exibição em 3D, é quase certa a presença de tal expediente. Trata-se de uma câmera que voa alucinadamente por paisagens artificiais e faz com que os longas se pareçam com videogames. Temos um pouco disso em "Jack - O Caçador de Gigantes", adaptação de um antigo conto de fadas inglês cuja variação mais famosa é João e o Pé de Feijão. Jack, jovem plebeu, recebe a visita de uma princesa que foge de um casamento forçado. Por acidente, um gigantesco pé de feijão cresce no meio de sua casa, levando-os a um mundo desconhecido, em uma montanha e habitado por gigantes. Os voos rasantes aparecem aqui e ali, para aproveitar ao máximo o efeito da terceira dimensão. Por outro lado, há na aventura um senso dramatúrgico interessante. Temos arquétipos que representam um panorama histórico da narrativa fantástica. Há o vilão ganancioso, seu ajudante abobalhado, a princesa meiga e justa, o pai atencioso e durão, o rapaz pobre de caráter rico, o guerreiro das causas nobres etc. Até mesmo os gigantes reproduzem tal esquema. Esse tipo de esquematização, quando trabalhado conscientemente, rende nas mãos de um diretor hábil como Bryan Singer. Porque se apoia na construção arquetípica dos personagens para conseguir momentos de emoção genuína (algo raro atualmente em filmes para a família). Singer sabe, por exemplo, como valorizar o trabalho de um jovem ator como Nicholas Hoult (que, aliás, se parece com Christopher Reeve). Sabe também encontrar o tom ideal para a atuação de Stanley Tucci, pois seu vilão pode ser caricatural de tão maldoso, mas funciona dentro da proposta. "Jack - O Caçador de Gigantes" não é primoroso como, por exemplo, As Crônicas de Spiderwick, de Mark Waters. Tampouco tem o charme de algumas fábulas de Tim Burton. Mas é digno, um bom divertimento para uma tarde de domingo." (Sergio Alpendre)

''Transformar contos de fadas em filmes de ação se tornou uma fórmula lucrativa em Hollywood. Produções como João e Maria – Caçadores de Bruxas, Branca de Neve e o Caçador e A Garota da Capa Vermelha reinventam histórias clássicas e procuram agradar ao público jovem com visual e linguagem modernos e belos protagonistas apaixonados. ''Jack: O Caçador de Gigantes'', novo filme de Bryan Singer, usa linguagem mais infantil e cartunesca do que outros do mesmo gênero. A narrativa é baseada na Jornada do Herói e a trama segue, de forma rasa, o estilo capa e espada. Esses aspectos criam entretenimento apropriado para todas as idades, porém, com mais apelo entre as crianças. Na trama, o camponês Jack (Nicholas Hoult) e a princesa Isabelle (Eleanor Tomlinson) cresceram ouvindo histórias sobre os gigantes, seres sedentos por sangue que vivem entre o céu e a terra. Após invadirem os reinos humanos há milhares de anos, as criaturas foram vencidas por um rei em posse de um artefato criado a partir do coração de um dos monstros. Após a vitória, o monarca mandou cortar o enorme pé de feijão que ligava os dois mundos. Entretanto, a lenda vira pesadelo quando Jack troca o cavalo de seu tio por feijões mágicos e, inadvertidamente, recria a ligação entre os mundos, colocando a princesa em perigo. O longa conta demais com efeitos especiais e, considerando seu orçamento de US$ 175 milhões, o trabalho não foi bem feito. Os gigantes parecem todos iguais, com raras exceções, fazendo da legião de monstrengos uma massa cinza sem vida. Eles não são nem bizarros nem realistas o bastante, portanto, parecem deslocados no mundo à sua volta. Somente o líder dos colossos, interpretado pelo ótimo Bill Nighy, é minimamente interessante. Dito isso, os cenários criados em CGI são belíssimos, nada mais justo, afinal o dinheiro tinha que ir para algum lugar, certo? O visual dos gigantes é tão ruim quanto sua falta de personalidade e a forma ridícula como podem ser vencidos. Os grandões são tão subestimados na trama ao ponto do real vilão nem mesmo ser um deles e sim Lorde Roderick (Stanley Tucci), conselheiro real, líder do exército e noivo de Isabelle. O cara não procura esconder nem por um minuto suas intenções de usar os monstros para conquistar o mundo, em uma atuação sofrível de Stucci. Interpretações exageradas e caricatas são armadilhas das quais todo o elenco é vítima, até mesmo os experientes Ewan McGregor e Ian McShane, acentuando a linguagem infantilizada. Diálogos simples e piadas bobas, como o cozinheiro limpando o nariz antes de enrolar Elmont (McGregor) em massa de pão, além das roupas e penteados modernos (nada a ver com cenários de fantasia), deixam o filme menos atrativo para quem já passou da puberdade. O mais curioso é ver a produção cair em paradoxo ao exagerar nas cenas violentas, nas quais os gigantes comem humanos de formas grotescas e partes de corpos voam, sem sangue, pela tela. Isso sem falar nas lutas até a morte, a melhor delas lembra a de Simba e Scar em O Rei Leão. Seriam essas inconsistências fruto da indecisão dos produtores? Ou o diretor usufruindo de sua liberdade para deixar sua marca? A segunda opção parece a mais provável. Mesmo com todos esses problemas, Bryan Singer é experiente o suficiente para manter o bom ritmo, com isso ''Jack: O Caçador de Gigantes'' deixa no chinelo bombas como João e Maria - Caçadores de Bruxas. Apesar de não ter o charme das obras originais dos irmãos Grimm ou das versões da Disney, serve como mais uma opção quem gosta de contos de fadas modernos." (Daniel Reininger)

New Line Cinema
Legendary Pictures
Original Film
Big Kid Pictures
Bad Hat Harry Productions
Warner Bros.

Diretor: Bryan Singer

85.474 users / 21.509 face

Chrck-Ins 308

Date 08/09/2013 Poster - #####

[Mov 10 Favorito IMDB 7,1/10] {Video}

JOVEM E INOCENTE

(Young and Innocent, 1937)

TAG ALFRED HITCHCOCK

{nostálgico}

Sinopse

''Suspeito de ter assassinado uma mulher, Robert Tisdall, foge e vai em busca do assassino real para provar sua inocência. Recebe ajuda da bela jovem Érika".

''Repete a fórmula básica da carreira inglesa de Hitchcock, uma boa história policial, porém o roteiro tropeça em alguns momentos." (Alexandre Koball)

*****
"Durante muito tempo, "Jovem e Inocente" foi apenas um mito: o filme de Hitchcock de 1937 que não se encontrava no Brasil. Pior, era o filme que Chabrol e Rohmer, em seu livro sobre o mestre britânico, diziam ter o mais belo travelling (movimento da câmera sobre carrinho em trilhos) de avanço de todos os tempos. A história é a de um inocente acusado de um crime que tem de achar o culpado para provar sua inocência, enquanto a polícia o persegue. Mas o criminoso é escorregadio. No caso, isso é que faz o encanto da famosa cena. Ou parte dela: o encontro entre o inocente, o culpado e a polícia se dá simultaneamente. A ação vai se confundir com a imaginação: não é o que o criminoso vê, mas o que pensa ver que definirá seu destino. Em uma palavra: genial.'' (* Inácio Araujo *)

***
"Jovem e Inocente" é um filme de Hitchcock estranhamente ignorado. Não há razão para ter sido lançado no Brasil só em DVD. Ali estão elementos tradicionais do mestre: um estrangulador; um jovem confundido com ele; a necessidade de provar a inocência. Tudo bem que é o beabá do suspense hitchcockiano. Mas tudo era bem novo na época. E há coisas incríveis, como a sequência em que a polícia cerca um local, sem saber que lá está o assassino e que o jovem está a ponto de desvendar o mistério.'' (** Inácio Araujo **)

Gaumont British Picture Corporation

Diretor: Alfred Hitchcock

6.348 users / 127 face

Check-Ins 705

Date 23/09/2014 Poster - ###

[Mov 07 IMDB 7,1/10 {Video}

JUSTIÇA TARDIA

(The Verdict, 1946)

''Filme de estréia do diretor Don Siegel sobre um superintendente da Scotland Yard que é despedido e arquiteta um crime perfeito. mas algo sai errado.'' (Filmow)

Warner Bros.

Diretor: Don Siegel

1.063 users / 39 face

Check-Ins 321

Date 13/09/2013 Poster - ##

[Mov 03 IMDB 5,9/10] {Video/@@@} M/44

JOBS

(Jobs, 2013)

TAG JOSHUA MICHAEL STERN

{cansativo}

Sinopse

''A história da ascensão de Steve Jobs (Ashton Kutcher), de rejeitado no colégio até se tornar um dos mais reverenciados empresários do universo da tecnologia no século XX. A trama passa pela jornada de autodescobrimento da juventude, pelos demônios pessoais que obscureceram sua visão e, finalmente, pelos triunfos que transformaram sua vida adulta.''

''Jobs'' - o filme - falha em atingir o brilhantismo que os admiradores de Jobs - a pessoa - diziam que ele tinha. Mas é o mal das cinebiografias: muita informação para mostrar e a maioria delas fica superficializada. Um filme interessante para os geeks." (Alexandre Koball)

*****
''Um filme sobre Steve Jobs deveria nos informar sobre quem foi ele. É possível perguntar até que ponto "Jobs" chega a um resultado aceitável. Existe uma passagem entre duas eras que ele viveu: da cultura hippie à cultura yuppie. Pois Jobs começa mais próximo a esta primeira. Como empresário, posteriormente, se tornará um homem bastante duro nos negócios. No mais, seus sucessos e fracassos na área têm seu enorme carisma a unificá-los. O problema é que saímos do filme com a sensação de que nada aprendemos de essencial sobre Jobs e, pior, de que o filme parece não compreendê-lo muito. Havia mistérios em sua personalidade que passam em branco (entre outros, o de sua morte). Goste-se ou não dele, Jobs é um personagem marcante de nossa era. Falta-nos dele, ainda, um retrato menos superficial.'' (* Inácio Araujo *)

Stay hungry, stay foolish.

''Cinebiografias de figuras como Steve Jobs sempre serão armadilhas para o cinema. Pessoa de difícil personalidade, acompanhamos toda a história de um dos criadores da Apple, desde o seu tempo na faculdade até o seu retorno para a empresa após ter sido expulso, com autonomia de um CEO para tirar a Apple da enrascada financeira em que se encontrava. E, no meio desse caminho todo que durou anos, acompanhamos tanto as coisas boas quanto ruins que o biografado fez ao longo de sua vida. E aí se encontra a armadilha: todos sabem que ele não era uma pessoa tão fácil de se trabalhar. Sem qualquer limite para cobrar seus funcionários, nunca mediu palavras a suas equipes que trabalhavam dia e noite para tentar tornar realidade as loucuras que vinham da sua cabeça. Como fazer com que o público crie empatia pelo biografado? É verdade que quase nunca era o próprio Jobs que tinha as ideias, mas foi de sua visão de mercado que o mundo inteiro mudou ao integrar no dia a dia das pessoas apetrechos tecnológicos como os computadores pessoais, os ipods, smartphones e tablets da vida. Se não era genial em criar, era ao saber selecionar o que tinha poder de mercado através de uma das principais diretrizes que traçou para a Apple lá em sua criação, na garagem de seus pais: a inovação. Sempre foi contra seguir tendências, mas sim criá-las. Jobs mudou a comunicação inteira do mundo e negar isso, principalmente em frente a um computador, é negar a própria história. O Cineplayers mesmo só existe porque um dia ele resolveu inovar. Jobs não queria ser apenas uma cópia da IBM, até então dona de mainframes enormes e sinônimos de informática da época. O personal computer do amigo Woz, que até então vivia em um trabalho estável na HP e de criar geringonças como caixas que enganavam o sistema de comunicação da época para se fazer ligações grátis, foi transformado em ideia comercial por Jobs por acreditar no potencial daquilo que estava a sua frente. Os PCs não deveriam ficar restritos a inventores e demais entusiastas da tecnologia da época; eles deveriam invadir cada residência do planeta. Se Woz era o gênio da engenharia, ele não faria nada sem Jobs, o gênio do Marketing. Com um roteiro irregular do estreante Matt Whiteley, muita coisa acaba sendo apenas citada ou ficando de fora do filme, o que era de se esperar, afinal, biografias devem mesmo ser encurtadas para caber em duas horas de filme. Mas, de todas as coisas conhecidas ocorridas em sua vida, fica impossível aceitar a exclusão do caso Xerox, que nem citado é. Jobs, convidado pela empresa para conhecer uma de suas ideias descartadas, ganhou de bandeja todo o conceito de sistema operacional com interface gráfica para facilitar o usuário a mexer no computador através de um aparelho novo chamado mouse. Os executivos da Xerox acharam a ideia imbecil e ele, com sua visão, roubou-a para a Apple. No filme, o sistema já aparece pronto e funcionando como se fosse genial. E era mesmo, mas contado de maneira duvidosa, já que ele dá a entender que a Apple o criou, não citando um dos casos mais famosos da empresa. O engraçado é que o Windows, então considerado uma cópia da cópia, é citado em uma cena, com Jobs berrando ao telefone que Bill Gates jamais iria ganhar um centavo sem passar uma parte para Jobs, como se ele tivesse sido o prejudicado da história... Nem sequer mencionam que foi a Microsoft que salvou a Apple da falência, comprando 40% das ações da empresa para reestruturá-la e vendendo-as aos poucos depois. Mas não apenas isso: vários momentos chaves acabam ficando apenas subentendidos, como sua viagem para a Índia, que no filme nunca fica clara a motivação, ou então sua conturbada e complexa relação com a filha renegada, mas que ganhou um computador com o seu nome, aparecendo anos depois dormindo tranquila no sofá de Jobs, agora casado e paizão de família. As elipses são forçadas e essas passagens de tempo deveriam ser melhor exploradas. Em um momento, Jobs apresenta o Apple II em uma feira de computadores; na cena seguinte, já anda pelos corredores de uma estruturada e rica Apple, que agora tem incontáveis funcionários. Toda a parte final, por exemplo, ficou muito corrida. Parece que o filme quer mostrar tudo de sua vida, mas sem se aprofundar em nada. A criação da Next, que serviu de ponte para sua volta à Apple, é uma mera e desimportante passagem no filme, e a criação da Pixar, que tornou Jobs o maior acionista físico da Disney, sequer chega a ser citada. Isso sem falar na trilha sonora, que tenta a todo custo engrandecer uma figura que se torna interessante justamente por sua ambiguidade de caráter, que chega a enganar um amigo pessoal num negócio de 5.000 dólares mesmo com este lhe salvando a pele, e não pelos momentos em que a trilha cresce, a câmera se aproxima em um zoom e a luz atrás faz dele parecer uma pessoa quase divina - apesar da adoração de alguns fãs da Apple beirar a isso. Não que Jobs não seja importante. Ele é, e muito. Mas a partir do momento em que o filme o romantiza em excesso, perde justamente a profundidade que o deixaria interessante. Não que Ashton Kutcher, que também assina a produção do longa, não tenha tentado fazer algo digno: seu modo de andar, de se vestir, sua semelhança física são dignas de aplausos. É até estranho pensar que aquele rapaz preso e limitado poderia viver uma figura tão importante de maneira tão competente. Mas não se engane. Quando o filme exige de seu olhar, de sua expressão, ele deixa a desejar. Só que a opção do longa de começar com uma pesada maquiagem de Kutcher em 2001, durante a apresentação para funcionários da Apple do primeiro iPod, e deixá-lo praticamente idêntico a Jobs logo de cara foi uma ideia inteligente, afinal, aquilo já afasta de cara qualquer assimilação que o público poderia ter com o ator e quebra as barreiras de preconceito que alguns poderiam levantar. A partir dali, para o grande público, ele não é mais Ashton Kutcher. Um filme maior, baseado na biografia oficial escrita por Walter Isaacson e com roteiro do oscarizado Aaron Sorkin (por A Rede Social [The Social Network, 2010)], está sendo produzido, que deve ser mais fiel à história original de Jobs e da Apple e mais interessante também, mas até que para um filme barato, independente e até mesmo rápido (Jobs morreu há apenas 2 anos; fato que ficou de fora do filme também, inclusive dos créditos finais), acabou saindo um bom passatempo, principalmente para amantes de filmes sobre a história da informática como eu – toda a parte do famoso comercial de 1984 é sensacional. Porém, há melhores opções no mercado, como Piratas do Vale do Silício (Pirates of Silicon Valley, 1999), que acaba sendo mais eficiente e divertido do que esse, mesmo sendo mais simples e dividindo a história com a de Bill Gates.'' (Rodrigo Cunha)

''Há quem considere Steve Jobs um gênio, há quem o chame de profeta do apocalipse. Jobs previu, em meados dos anos 1970, que as pessoas no futuro usariam o computador como extensão de seus corpos. Mais: seriam dependentes dessa extensão, aprimorada e diminuída em formatos de celulares, tablets, aplicativos e jogos alienantes. Acertou em cheio. Uma coisa é certa. O mundo como hoje conhecemos deve muito a essa figura polêmica, competitiva, inteligente e propensa a constantes reinvenções. Se isso é bom, é uma outra história. "Jobs", o longa de Joshua Michael Stern, mostra a transformação de um garoto ambicioso e visionário em um monstro que vive unicamente de trabalho e abandona pessoas com quem cresceu (pessoal e profissionalmente). Ashton Kutcher em cena do filme ''Jobs'' O fundador da Apple vivido por Ashton Kutcher é um homem autocentrado na ideia de sucesso a qualquer preço, algo que se confunde com a ambição de revolucionar o mercado consumidor fazendo com que qualquer pessoa tenha acesso à tecnologia. Para realizar essa revolução, ele não hesita em dispensar a namorada grávida, o melhor amigo e outras pessoas que o apoiaram. Sua ideia fixa é a de que ele é o gênio, e os que o apoiam, em sua maioria, são parasitas que vivem debaixo de suas asas. Esse retrato quase unilateral, que permite apenas pequenos traços de ambiguidade em sua construção (uma lágrima contida aqui, uma voz falha ali, efeitos alcançados em grande parte pelo talento de Kutcher) poderia até resultar em um bom filme, caso Stern tivesse alguma ideia da dimensão de seu personagem e de como essa dimensão poderia ser retratada no cinema. O espectador não conhece Steve Jobs (salvo em raros momentos) fora do ambiente de trabalho. O que vemos quase sempre é algum acontecimento marcante de sua vida, ou uma consequência imediata. E os acontecimentos são mostrados da forma mais banal possível, com música melosa e movimentos de câmera indigentes. Nenhum bom filme se faz só de acontecimentos marcantes. É mais ou menos o que diz um personagem de "Assim Estava Escrito" (1952), obra-prima de Vincente Minnelli: "Se toda cena for um clímax, o filme irá se desfazer como um colar partido" . Por não vermos o lado ordinário da vida de Steve Jobs, não temos noção de como ele era, como lidava com as coisas do cotidiano, como, enfim, era esse ser humano. Stern só nos permite conhecer o monstro, ou o visionário. Você escolhe." (Sergio Alpendre)

''Steve Jobs foi um dos homens mais importantes da história contemporânea, tendo influenciado, direta ou indiretamente, todos os ramos de atuação humana, das artes ao direito, possuindo ainda uma história de vida dramaticamente rica. Some-se isso ao carisma magnético de sua figura, personalidade forte e megalomania e o resultado é um alvo irresistível para cinebiografias. A primeira a chegar aos cinemas é “Jobs”. Dirigido por Joshua Michael Stern (do interessante Promessas de um Cara de Pau) e escrito pelo estreante Matt Whiteley, o longa tenta mostrar como Jobs ascendeu de uma formação universitária incompleta ao CEO de uma titã do mundo da informática, lidando ainda com seus relacionamentos tumultuados, especialmente com seus colegas de trabalho, como o genial Steve Wozniak (Josh Gad), inventor de fato de muitas das criações da Apple Computers em seu inicio. O problema principal do longa é o texto de Whitley. O escritor acerta em cheio ao focar a história entre a fundação da Apple e a apresentação do iPod, mas seu roteiro acaba se assemelhando a um jogo de ligue os pontos. A imagem do todo está lá, mas incompleta, sendo impossível para o público vê-la por inteiro, pois o autor não conseguiu terminá-la. Muito disso provavelmente se deve ao fato do filme não poder utilizar como fonte a biografia oficial de Jobs, cujos direitos pertencem a outro estúdio. O grande prejudicado nisso foi o protagonista-título, que não evolui de maneira natural durante a projeção, mas sim através de impulsos incompreensíveis. A fita não consegue penetrar no âmago do seu protagonista e falha até mesmo em compreender as motivações para os seus atos. Um exemplo claro disso é o seu relacionamento com sua filha, Lisa. Em um primeiro momento, o adotado Jobs se pergunta como seus pais biológicos puderam abandoná-lo. Depois, ele irracionalmente expulsa de casa sua namorada grávida, gritando que a criança que ela espera não seria sua. Já no terço final da projeção, Lisa surge já moça, dormindo na sala do pai, com os dois aparentemente tendo uma boa convivência. Dentre esses três pontos, não há conexões ou sequer pistas sobre como os dois se reaproximaram, algo que, por si só, já renderia um filme. Do mesmo modo, a amizade entre os dois Steves, Jobs e Woz, não sofre nenhum aprofundamento, pecado mortal em uma história que teria como pano de fundo a fundação e crescimento da Apple. O desligamento de Woz da empresa, momento que deveria ser marcante para os parceiros de tantos anos, passa em brancas nuvens. Além disso, a elipse que marca o traumático desligamento de Jobs da Apple e sua triunfal volta à empresa é completamente inorgânica, deixando um verdadeiro buraco entre o segundo e o último ato da história. O script também ignora quase que por completo a rivalidade entre Jobs e Bill Gates, e o papel que este último teve na reviravolta que salvou a Apple da falência. Para piorar, o guião falha até mesmo em dar um motivo concreto para que aquele Jobs mereça ser o epicentro dessa trama. Nisso, chegamos à escalação de Ashton Kutcher. A semelhança física entre o ator e Steve Jobs é assombrosa, auxiliada por um belo trabalho de maquiagem que o leva através dos diferentes períodos pelos quais a trama avança. O problema é que isso não é o bastante. Kutcher claramente estudou os trejeitos de Jobs, mas seu trabalho se limita a imitá-los, jamais conseguindo torná-los seus. A interpretação jamais soa natural, lembrando mais um esquete do Saturday Night Live levada a sério. Aquela versão de ''Jobs'' nunca parece crível ou transmite realidade, sendo apenas Ashton Kutcher imitando Steve Jobs, algo que distrai o público da história que está sendo contada. Um intérprete com sérias limitações e tendo de lidar com um roteiro deficiente, Kutcher jamais consegue tirar total proveito da personalidade contraditória, forte e até pontualmente mesquinha do seu personagem, o que transforma Jobs em um uma figura unidimensional, cujo único elemento relevante é o seu mau-caratismo, o que é realmente uma pena. Os demais integrantes do elenco estão bem, com especiais menções a Josh Gad, que cria um Woz fantástico, esbanjando energia e simpatia, mais que convencendo no papel do cérebro da Apple. Matthew Modine, no papel do executivo John Sculley também tem uma boa passagem pela produção, se sobressaindo especialmente em seus confrontos com Kutcher. Chega a ser um tanto triste ver atores do calibre de J.K. Simmons e James Woods relegados a quase pontas, especialmente este último, que tem menos de dois minutos de tela, como um dos professores de Jobs na faculdade. Visualmente, graças ao trabalho de sua equipe de direção de arte, Joshua Michael Stern conseguiu trazer o mundo de Steve Jobs para a telona, mas fracassou em dar conteúdo à essa forma. Certamente, caso o visionário empreendedor assistisse a esse filme, mandaria, sem muitas cerimônias, o diretor voltar para a fase de pré-produção. Talvez a versão 2.0 tenha melhores resultados.'' (Thiago Siqueira)

Open Road Films (II)
Five Star Institute
IF Entertainment
Venture Forth
Silver Reel
Endgame Entertainment
Devoted Consultants
Digital Image Associates
Endgame Entertainment
Virgin Produced

Diretor: Joshua Michael Stern

77.055 users / 29.545 face

Soundtrack Rock

Cat Stevens / Bob Dylan / REO Speedwagon / Parish Hall / Joe Walsh / The Brymers

Check-Ins 719 35 Metacritic 2.574 Down 3

Date 06/10/2014 Poster - #####

[Mov 04 IMDB 7,2/10 {Video/@@} M/67

JOGOS VORAZES

(The Hunger Games, 2012)

"Não há qualidades negativas evidentes." (Josiane K)

"Todas as soluções fáceis de Hollywood em um só lugar. Battle Royale para pré-pré-adolescentes." (Alexandre Koball)

"O recado dado, sobre culto à violência e sensacionalismo, é sério, mas o romance ao redor é bobo e a aventura movida a resoluções fortuitas e previsíveis. Katniss jamais corre real perigo e não por adequação à classificação etária, vide Harry Potter." (Rodrigo Torres de Souza)

"A abordagem pode ter um gosto duvidoso, mas temáticas como ditadura, liberdade, sensacionalismo, apresentadas aos jovens podem gerar discussões interessantes com um ponto de partida pop." (Rodrigo Cunha)

"Unindo atributos de grandes blockbusters sem abrir mão de uma boa história, “Jogos Vorazes” se revela uma próspera surpresa, acarretando um mundo arquitetado sem belezas, mas extravagante e hostil. Jennifer Lawrence está adorável." (Marcelo Leme)

"Trata-se de Battle Royale pasteurizado por Hollywood, sem a ousadia e a mente doentia dos japoneses e com problemas de roteiro (especialmente no terceiro ato). Ainda assim, é divertido e Jennifer Lawrence cria uma personagem forte e interessante." (Silvio Pilau)

"Individualismo em um mundo de conexões necessárias, competitividade exacerbada e falta de privacidade. Problemas/valores modernos com futuro sombrio em Jogos Vorazes. Tudo para ser ótimo, até que as reviravoltas do último ato tentam botar tudo a perder." (Emilio Franco Jr)

"Competitividade exacerbada, individualismo e falta de privacidade. Não são esses valores/costumes modernos? Pena mesmo é o ato final, com reviravoltas fácies e situações fora do tom, jogar uma ducha de água fria na solidez da trama até então." (Emilio Franco Jr)

''Jogos Vorazes" é um filme estranho: mistura de futuro com Roma antiga, de Roma antiga com a Grécia do Minotauro. Pode ser uma salada mitológica cujo ápice é a estranha direção de arte que nos remete ao mundo metálico em que a jovem Katniss se apresenta como voluntária a participar dessa mistura de "reality show" com filme de gladiador. Pois bem: os Jogos (com suas várias sequências) viraram uma coqueluche adolescente. E talvez mais explicável, ou aceitável, que a recente coqueluche dos vampiros: é de um mundo sem clemência que se trata. É nesse mundo que eles se preparam para entrar. E percebem (ou mais provavelmente intuem) que o outrora chamado capitalismo selvagem hoje é, em linhas gerais, o capitalismo mesmo. À parte isso, o filme é fraco.'' (* Inácio Araujo *)

Diversão de qualidade que respeita a inteligência de seu público-alvo.

''No ano passado, foi finalizada uma bem sucedida saga do cinema adaptada dos livros adolescentes mais populares das últimas décadas, com Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte II (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part II, 2011). Neste ano se finalizará outra saga de grande sucesso comercial adaptada dos livros de Stephenie Meyer, com A Saga Crepúsculo: Amanhecer - Parte 2 (The Twilight Saga: Breaking Dawn – Part II, 2012), deixando uma sensação de vazio para tantos fãs adolescentes que gostam de ver seus livros preferidos transformados em realidade nas telonas. A verdade é que as produções adolescentes no cinema comercial se dividiram em dois caminhos perigosos atualmente: ou seguem essa tendência de adaptar literatura jovem popular, que geralmente é voltada para um público mais inocente e politicamente correto; ou vai pelo caminho do escracho, do sexo e das piadinhas infames feitas sob medida para chocar o conservadorismo americano. Cada qual tem as suas próprias características, mas o ponto em comum entre ambas é o fato de que geralmente nenhuma delas procura respeitar seu público-alvo com um material ao menos inteligente. Claro que há exceções, entre elas a própria saga Harry Potter (que, mesmo lá com seus defeitos, nunca ofendeu ninguém), mas no geral o público jovem anda tendo de se contentar com pouco. Que surpresa então é ver um filme como ''Jogos Vorazes'' (The Hunger Games, 2012) contrariando todas essas regras e nascendo como uma promessa de enfim unir entretenimento de qualidade com respeito pelo público. Para começar, os livros de Suzanne Collins nos quais a história é baseada são extremamente bem quistos pela crítica especializada, o que nos garante uma base promissora. Depois, temos um diretor completamente ciente do material que tem em mãos, sabendo aproveitar o que há de melhor nele e, melhor de tudo, dentro dos limites da faixa etária permitidos para o seu público-alvo. Gary Ross, já indicado três vezes ao Oscar como roteirista, assume a direção e adaptação do texto de Collins, e promove com seu novo trabalho o que possivelmente se tornará uma das maiores sensações dos próximos anos. A trama gira em torno de uma América futurista renomeada de Panem e dividida em doze distritos. Todo ano a capital controladora do local promove uma competição chamada de Jogos Vorazes, em que dois representantes jovens de cada distrito (um homem e uma mulher) devem se aventurar por uma arena gigante onde somente um poderá sobreviver – tudo monitorado e divulgado pela mídia. Katniss (Jennifer Lawrence) é uma pobre moça do distrito 12 que se vê obrigada a participar desta competição, ao lado de Peeta (Josh Hutcherson), um rapaz que salvou sua vida no passado. Como o distrito 12 é o mais pobre e carente, os participantes de lá quase nunca ganham, por não terem força nem treinamento como os outros jovens, o que obriga Katniss a dobrar sua atenção e sobreviver apenas de sua habilidade com o arco e flecha. Tudo se complicará ainda mais quando ela e Peeta se apaixonam, sendo que somente um dos dois poderá sair de lá vivo. Apesar do teor relativamente violento da história, em que basicamente 24 jovens têm de matar um ao outro enquanto são assistidos por todo o país, o filme de Gary Ross em momento algum é explícito. Embora o conteúdo do livro permita um filme carregado na violência, o diretor foi muito inteligente em amenizar isso e fazer da história original algo dentro dos limites de idade de seu público. Por conta disso, Jogos Vorazes se torna uma opção viável tanto para crianças como para um público mais velho. O romance poderia também servir de armadilha e se transformar no foco do trabalho, mas graças a Ross é muito equilibrado e bem dosado. O que domina, portanto, é uma bem conduzida trama de aventura, com direito a tudo o que uma saga jovem pode proporcionar, mas sem nunca se perder em excessos. Tecnicamente, não é tão primoroso como poderia ser (uma direção de arte brega, por exemplo), mas esse é um detalhe que costuma evoluir com os novos capítulos de sagas juvenis e não compromete o resultado final. Por trás de tudo reinam questões morais bastante complexas que geralmente não costumam marcar presença em filmes comerciais para adolescentes, como a decisão de Katniss em matar outros jovens para poder sobreviver, ou a sede de violência do povo – o que na verdade só serve como arma do governo para subjugá-los e manter o controle. Então embora a violência não seja explícita no filme, o conceito dela é muito discutido e questões como a indiferença da população diante de seu crescimento cada vez maior na sociedade são levantadas. Nesse meio todo, a principal discussão é a preocupação cada vez maior de uma geração jovem que cresce em meio à violência permitida e incentivada pela mídia – claro que no filme tudo toma proporções mais drásticas quando o governo de fato obriga seus jovens a serem violentos com o seu próximo. Nesse caso, como se pode notar, não se usa um moralismo americanizado pedante, como aquele encontrado em trabalhos como a Saga Crepúsculo; pelo contrário, questões morais sérias são abordadas com muita competência, garantindo assim um conteúdo aproveitável para filme e não o limitando a uma simples diversão esquecível. Outro fator positivo é a seriedade com que os sentimentos jovens são encarados, nunca como algo passageiro e bobo da idade. A atração pelo sexo oposto, a descoberta do primeiro amor e outras constantes em filmes adolescentes ganham uma roupagem séria e não banalizada ou resumida em sexo vazio, como também encontramos em tantos outros trabalhos semelhantes. Há ainda muito que precisa ser aprimorado em Jogos Vorazes, mas mesmo que um tanto cru, consegue ser mais relevante que boa parte dos trabalhos destinados ao público jovem. Sua condução é segura, a maioria dos atores são competentes, e certamente agradará aos fãs dos livros. Se seguir a tendência de ir aprimorando a técnica com os novos capítulos que estão para ser lançados futuramente, quem sabe em breve não nos deparemos com um filme ideal e respeitoso, que todo o espectador jovem merece receber." (Heitor Romero)

"Jogos Vorazes" mostra um futuro distante em que os ricos serão completamente cafonas, a publicidade mandará nas pessoas, as relações interpessoais se forjarão na frente de uma câmera e a lei do mais forte prevalecerá. Como em toda ficção científica futurista, trata-se de nada mais que uma reconstrução alegórica do presente. Nesse futuro distópico, um levante popular acabou com a América do Norte, agora reunida num regime ditatorial e dividida em 12 distritos que anualmente precisam mandar dois adolescentes para um reality show em que lutam com outros jovens até a morte. Katniss, de 16 anos, é a heroína que quase vira o jogo ao avesso. Na cena mais interessante, ela incita uma rebelião no 11*distrito após a morte de uma menina. A sociedade do espetáculo planta a semente de sua própria superação. Poderia ser uma ilustração e tanto da dialética da história, mas o filme desperdiça não apenas esta como a maioria de suas temáticas fortes, para se dedicar o lado mais videogame da narrativa, com o detalhe de nenhuma das cenas de ação é realmente exuberante. Em termos visuais, apesar de ser uma superprodução, o filme é pobre e pouco inventivo." (Luiz Carlos Oliveira Jr)

Adaptação do romance de Suzanne Collins não se desvia da contestação.

"Os fãs frequentemente reclamam quando estúdios e mídia tentam vender novas franquias como a mania que vai substituir Crepúsculo, ou o próximo Harry Potter. A comparação, porém, é lógica no que diz respeito à estrutura. A máquina hollywoodiana sabe embalar apenas determinados tipos de produtos - daí certos filmes, que não se enquadram muito bem em gêneros conhecidos, terem dificuldade de execução e distribuição - e qualquer adaptação de grande orçamento de obra infanto-juvenil, como é o caso de ''Jogos Vorazes'' (Hunger Games, 2012), cairá nos processos conhecidos da indústria, desejosa do próximo grande sucesso de bilheteria. A comparação é injusta, no entanto, quando analisamos o conteúdo de obras tão distintas. De todas essas grandes franquias recentes, a primeira adaptação da trilogia literária de Suzanne Collins é a que tem conteúdo mais contestador, com inspirações em grandes obras distópicas como Admirável Mundo Novo, 1984 e, nos próximos livros, até Fahreinheit 451. Discussões sobre a autoridade, culto a celebridades, obediência, poder e controle estão em pauta na história que se passa nas ruínas futuristas da América do Norte, dividida em uma capital e 12 distritos. Na trama, depois de uma tentativa de revolução, décadas antes, a Capital passou a exigir de cada distrito um tributo na forma de dois jovens - um garoto e uma garota - entre 12 e 18 anos, para competir no reality show de sobrevivência que dá nome ao filme. Eles devem enfrentar outros 22 concorrentes até a morte, em uma arena controlada pelo governo. O vencedor garante para seu distrito um bônus em suprimentos e regalias pelo próximo ano. A trama acompanha uma dessas jovens, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), adolescente de 16 anos que se oferece para lutar no lugar da irmã, sorteada pelo distrito. Ainda que guarde semelhanças também com Battle Royale, filme hiperviolento japonês - mais especificamente a batalha entre jovens até a morte -, a adaptação de Jogos Vorazes (que, diferente do livro, abandona o foco exclusivo em Katniss e revela os bastidores do controle governamental) distancia-se de qualquer comparação recente pelos questionamentos e por não usar o espetáculo como fetiche. Afinal, não é empolgante ver o embate dos jovens na arena, mesmo que alguns deles, os mais aptos, tenham se oferecido para estar ali e desejem as glórias do combate. Os oponentes de Katniss, assim, não são os demais competidores, mas as forças por trás dos jogos. O diretor Gary Ross (Seabiscuit) opta até por um estilo de câmera e edição nas cenas de ação que se desvia elegantemente da barbárie, dando vislumbres dela, mas tirando das cenas o impacto gráfico que poderia torná-las fetichistas (e, obviamente, tornam o filme comercialmente viável em termos de classificação indicativa). No centro de tudo, Jennifer Lawrence está à altura do desafio. Depois de excelentes atuações em filmes como X-Men Primeira Classe, Inverno da Alma e Like Crazy (infelizmente ainda inédito por aqui), a atriz traz Katniss à vida com o equilíbrio perfeito de fragilidade e determinação. E ela está cercada por ótimos nomes, como Stanley Tucci, Wes Bentley, Woody Harrelson, Toby Jones, Elizabeth Banks e Donald Sutherland. A única contratação infeliz foi a do músico Lenny Kravitz, incapaz de atuar, para um dos papeis mais importantes fora do combate, o do figurinista Cinna. Até no obrigatório romance o filme vai bem, já que o interesse dos personagens dá margem a questionamentos. Estaria Peeta Mellark (Josh Hutcherson), o companheiro de distrito de Katniss nos jogos, fingindo sua afeição ou seu interesse é verdadeiro? Estaria Katniss sendo usada? Em tempos de lições de submissão professoradas por vampiros e lobisomens, ver uma personagem feminina forte - seja portando um arco e flecha ou suas ideias - protagonizando um filme de grande público jovem, faz pensar que nem tudo está perdido." (Erico Borgo)

70*2013 Globo

Lionsgate
Color Force

535.041 users / 138.753 face

Soundtrack Rock = Arcade Fire + T-Bone Burnett

Check-Ins 358

Date 11/10/2013 Poster - #####

[Mov 08 IMDB 6,3/10 {Video/@@@@}

JUAN DOS MORTOS

(Juan de los Muertos, 2011)

''Zumbis atacam nas ruas de Cuba, e as autoridades anunciam que se trata de uma epidemia de dissidentes. Com esse ponto de partida, "Juan dos Mortos" revisita a zumbilândia num modo que evoca aquele adotado pelo cineasta norte-americano George A. Romero em 1968 ao trazer ao mundo um ataque de cadáveres devoradores de vivos. Em A Noite dos Mortos-Vivos, zumbis eram alegorias, representação trôpega de subversões que o cinema americano de então só toleraria sob o disfarce do gênero. A ideia de retomar a substância política desses devoradores de carne humana atrai o interesse para a produção de Alejandro Brugués, argentino radicado em Cuba. O texto ideológico, porém, se dilui para se misturar à massa de produções que nos últimos anos tiraram os zumbis dos limites dos filmes Z e os elegeram como "tendência", com direito a produções classe AA, como a série "The Walking Dead" e o blockbuster Guerra Mundial Z. "Juan dos Mortos" repete à exaustão o tema do grupo de humanos enfrentando a multidão de monstrengos. Os esfarrapados Juan e Lazaro se reúnem a amigos para combater o mal. Em praças, becos e apartamentos quase em ruínas, os heróis atrapalhados cravam arpões, arrancam cabeças ou correm de medo. O orçamento acima dos padrões locais deixa o filme com uma aparência de superprodução de república bananeira, com um espetacular exército de extras misturado a efeitos visuais baratos. Esse humor involuntário pode satisfazer os devotos do terrir. Apesar de ter obtido prêmios de prestígio, como o Goya de filme ibero-americano, é preciso esforço para identificar algo que justifique a atenção fora do nicho." (Cassio Starling Carlos)

"Depois de décadas fazendo o papel de revoltados e excluídos da sociedade de consumo, os zumbis foram assimilados por intermédio da difusão pop, que os tornou divertidos e inócuos. "Juan dos Mortos" promete recuperar o significado político dessas criaturas do além ao imaginar um ataque em Cuba, enquanto as autoridades anunciam que se trata de uma epidemia de dessidentes. O filme, dirigido por um cineasta argentino radicado em Cuba, logo descarta a promissora premissa para se concentrar, em ritmo de paródia, na luta de um pequeno grupo contra a ameaça. Com recursos de produção acima da média, o filme alcança momentos visualmente fortes, como um avanço massivo de zumbis no Malecón e um confronto do mural que honra Che Guevara na PLaza de la Revolución. A opção exclusiva pela ação, contudo, logo cansa." (Cassio Starling Carlos)

Ideologias devoradas.

"É comum associar o mito do zumbi insaciável, se arrastando por aí faminto por carne humana, como uma metáfora ao consumismo e excessos desenfreados do estilo capitalista. É a tônica que predomina tanto em Despertar dos Mortos (Dawn of The Dead, 1978), clássico absoluto de George A. Romero, onde até depois de morto, continua-se frequentando o shopping, quanto em Zumbi 3 (Non Si deve profanare il sonno dei morti, 1974), onde os zumbis eram frutos da devastação perpetrada contra o meio-ambiente ou mesmo na comédia Todo Mundo Quase Morto (Shaun of The Dead, 2004), onde todos são zumbis no literal sentido da palavra – anestesiados e alienados por trabalho, entretenimento barato, fome e instintos primários. Mas o "Juan dos Mortos" do diretor Alejandro Brugués quebra essa tradição. Filme barato, grosseiro e apelativo no melhor dos sentidos, o primo caribenho de Shaun vê Cuba ser tomada por zumbis e logo ele e seus amigos – um cômico grupo de desajustados, folgados e atrapalhados à la Brancaleone – têm que sair no braço com o regime, com o capitalismo de Miami logo ali no horizonte e, é claro, com a nova revolução, a dos mortos-vivos, que matam, devoram e transformam tudo em seu caminho. Abordagem semelhante à de Romero em Terra dos Mortos (Land of The Dead, 2004) – onde os zumbis armavam uma inssurreição popular contra os burgueses, aqui o dedo na ferida é tão ardido quanto: Juan é um filme que avacalha o tempo todo com os debates ideológicos extremados, faz constantes críticas em formas de piada à política de seu país, mas tampouco ilude-se com a terra das oportunidades. Nascido em um país cujo lema é Pátria ou morte, o pequeno grupo sobrevivente não tem pátria alguma; seus indivíduos o tempo todo são autores de gags escatológicas e de mau gosto, são pra lá de politicamente incorretos (dizem que não aguentam Cuba, mas também não querem ir para os EUA trabalhar). E os malucos preguiçosos são, justamente os heróis da história. Não o zumbi selvagem que desestabiliza a ordem vigente, tampouco o zumbi ideológico, radical seguidor do ideário comunista moldado por décadas. Tal como Shaun, Juan é um típico slacker, um introvertido e cético com o rumo que tudo tomou, e que antes da lenga lenga política, quer saber é de salvar o próprio rabo primeiro, já que as organizações sociais que lhes são oferecidas jamais parecem satisfatórias. Brugués estava certíssimo quando disse em entrevista que poucos gêneros cinematográficos são tão propícios a oferecer uma abordagem criativa sobre temas sociais quanto o horror e a comédia. O gore grosseiro e os diálogos sacanas e histriônicos típicos de filmes de comédia que nos acostumamos nas últimas décadas combinam para, em um conjunto onde nem sempre tudo funciona organicamente, parir uma obra que esculhamba a vida cotidiana, faz troça da forma como o governo e o coletivo se relacionam mal com seus indivíduos e exige a tal transformação revolucionária de seus protagonistas caso eles queiram ficar vivos. E o cinema é a arte perfeita para que um desajustado sem grandes projetos para o mundo torne-se herói de algo. Porque como acontece em todo bom filme de terror, a ordem é abalada, mas não há nada que entre em seu lugar para substituir e os protagonistas estão como os dois amigos que pescam no início da história: à deriva, perdidos entre ideologias, tendo que se acostumar com os novos tempos queira ele ou não. Brugués mostra ter conhecimento da cartilha típica do subgênero e o filme realmente não foge a mesma; estão lá os atos introdutórios, o desenvolvimento e o final ambíguo, que minam tudo que era certo pouco a pouco e deixa o humano tendo que governar a si mesmo. O zumbi recorre e serve tão bem à temática social porque ele não é sobrenatural, único, lendário. É presente, coletivo, com necessidades bem físicas e gráficas. Ser explícito é quase inevitável e, ainda que Juan não inove muito na linguagem típica construída para o subgênero através de tantos filmes, séries, contos e jogos, diverte na readaptação dos mortos-vivos em outro contexto para tirar sarro de outro conjunto de ideias. Pode-se dizer que o filme não foge muito ao caso de ideia antiga com roupagem nova, mas veste a camisa com muito orgulho em uma obra que ainda não seja tão consistente no todo, há tensão e adrenalina ininterruptos – é sangue, sangue e mais sangue pra ninguém botar defeito e há duas ou três gags sensacionais – algumas até quebram o ritmo do filme em nome da zoeira. Juan de Los Muertos é, antes de mais nada, a recusa muita séria de levar tudo a sério. O tom quente e urgente do primeiro filme de zumbis cubano é a principal cartada, junto a temática diferente, para chamar a atenção sobre um filme que não transgride mas que nem por isso compromete. E, claro, como todo bom filme cheio de conflitos físicos, sangue e miolos espalhados e cidades devastadas, divertido como o diabo gosta." (Bernardo D.I. Brum)

O primeiro filme de zumbis de Cuba age como iconoclasta mas se encanta com a estética do império.

''Na melhor cena de ''Juan dos Mortos'', que fez gargalhar a sessão lotada do filme nesta madrugada no Festival do Rio, o tal primeiro filme de zumbis produzido em Cuba, Juan (Alexis Díaz de Villegas) e seus amigos precisam matar o primeiro morto-vivo que encontram pela frente. Tentam estacas, afinal pode ser um vampiro. Tentam exorcismo, vai que é possessão. Atirar no sujeito com balas de prata está fora de cogitação, no hay plata em Cuba. A grande sacada do filme de Alejandro Brugués, e que faz todo o sentido, é tratar os zumbis como uma novidade - afinal, na ilha não entra cultura pop, o mundo é dividido ainda entre imperialistas e revolucionários, e ninguém sabe quem é George Romero. A falta de acesso a informação, elemento imprescindível de uma boa história de zumbis (nunca se sabe como acontece a infecção, quantos mortos são, onde é seguro etc.), origina algumas das melhores piadas de Juan dos Mortos. Na televisão, o âncora do jornal estatal diz que a praga foi trazida pelos EUA e que os zumbis são "dissidentes". Os sobreviventes não descartam a possibilidade de a infecção ser provocada pelos remédios que o governo distribui depois do vencimento. Assim que se habitua às regras básicas do combate (não ser mordido, mirar na cabeça), Juan faz o que todo habanero faria no seu lugar: começa a cobrar para matar os zumbis dos outros. Magro e estropiado como um Seu Madruga cubano, com os olhos esbugalhados de um personagem de desenho animado, Villegas empresta a Juan um carisma insuspeito. ''Juan dos Mortos'' funciona muito bem enquanto aposta nessa combinação de texto sarcástico com comédia de ator. Já o miolo do filme é uma grande enrolação. E aí o que destoa, paradoxalmente, é a necessidade de parecer pop. Foi-se o tempo em que a população não tinha acesso a nada. A geração de Alejandro Brugués conhece o bullet time de Matrix e o wire-fu dos filmes de artes marciais - e é essa estética que domina Juan dos Mortos depois da primeira meia hora. Trata-se de um paradoxo porque, enquanto Juan e seu grupo matam zumbis na Velha Havana com remos e tacos de beisebol, o diretor do filme tem acesso aos clichês do cinema de ação moderno. Do orçamento de Juan dos Mortos, equivalente a US$ 2,3 milhões, pagos pelo departamento oficial de cinema de Cuba e pela produtora espanhola La Zanfona, a maioria vai para os efeitos visuais. E os cubanos, que na malandragem arrumavam jeitos de se virar, de repente podem pagar por um banho de loja - e decidem se vestir como os enlatados que tanto demonizavam. Isso não compromete o filme, mas fica a impressão de uma oportunidade mal aproveitada. Ser chamado de iconoclasta em Cuba é um xingamento - o país de Fidel e Guevara respeita os seus ícones - e por alguns instantes Juan dos Mortos age com um primor de iconoclastia, queimando e derrubando prédios para dar lugar ao horizonte ensolarado. Por que não encarar com iconoclastia também o cinema de ação americanizado, ao invés de emulá-lo?" (Marcelo Hessel)

"Filme de zumbis. Ok, nós já vimos isso antes: um vírus ou um incidente sobrenatural desperta os mortos que passam a andar pela cidade em grupos, de maneira lenta e e com fome de massa encefálica dos inocentes transeuntes de uma ilha comunista. Ilha comunista? Sim, em 2011 a praga de mortos-vivos finalmente deixa os grandes centros urbanos americanos e europeus para chegar ao fechado regime da república de Fidel Castro. “Juan dos Mortos”, uma parceria hispano-cubana com direção e roteiro do argentino Alejandro Brugués (“Personal Belongings”), acompanha Juan e seu amigo Lázaro (respectivamente Alexis Días de Villegas e Jorge Molina, com grande timing cômico), dois vagabundos ou sobreviventes, como se denomina o próprio protagonista, liderando um grupo de pessoas durante o horror que devasta la isla bonita. Ao subverter o conceito de sobrevivência, o grupo transforma a eliminação dos zumbis em um meio de vida: Eliminamos seus entes queridos, oferece o slogan da nova proposta de empresa, enquanto seus funcionários buscam melhorar sua situação. Com um tom que mistura crítica social e humor, o filme despeja inúmeras alfinetadas ao comunismo cubano permeadas de piadas e situações de gargalhar. Da justificativa ao ataque dos mortos variando de dissidência influenciada pelos americanos a produto de remédios vencidos distribuídos pelo sistema de saúde, até o design de produção que faz questão de mostrar prédios e apartamentos bastante mal acabados, cada setor da economia e política é alvo do olhar cômico e analítico do longa. Com clara influência de Todo Mundo Quase Morto, o script usa e abusa dos clichês do subgênero, como a utilização de materiais inusitados como armas para a matança das criaturas ou o diálogo em que se discute a causa da infestação. Esta última, uma cena hilária mostra Juan e Lázaro testando alhos e crucifixos como melhor alternativa de extermínio, sem a menor ideia da origem daqueles seres já enraizados na cultura pop, já que são frutos de uma mídia repressiva sem a influência de outros países. E se Villegas e Molina funcionam como contrapartes latinas de Simon Pegg e Nick Frost em ótima interação, somente o protagonista e sua filha (a lindíssima Andrea Duro) possuem desenvolvimento e profundidade como personagens e em sua relação. Apenas como apoio para piadas ou fontes de sangue para mortes não tão interessantes, o resto do elenco apresenta-se como estereótipos mal trabalhados e descartáveis ao longo da narrativa, apesar da figura da blogueira alternativa que representa outra interessante adaptação à situação atual da informação no país. Esta superficialidade e a repetição no propósito das cenas causam uma quebra de ritmo apresentando momentos desnecessários (a dança com algemas chega a provocar tédio), cujo propósito parece apenas reduzir o número de personagens. Construída com versões afro-cubanas de temas musicais genéricos de suspense, comédia e horror, a trilha sonora conduz o espectador de maneira excessivamente didática à atmosfera da sequência na qual se insere. Uma maquiagem muito bem trabalhada realmente nos faz acreditar no aspecto decrépito dos cadáveres andantes e até a evidente inexperiência da equipe de efeitos visuais se adequa à atmosfera trash da projeção e supera expectativas ao fazer referência às câmeras lentas dos filmes de ação e às incríveis coreografias com cabos dos clássicos de artes marciais. Surpreendendo dentro do curto orçamento de US$ 2,3 milhões subsidiados em parte pelo governo cubano, “Juan dos Mortos” atesta com boas piadas e crítica social a força do pouco conhecido cinema da região. Mesmo com problemas de ritmo e roteiro falho, a produção diverte e nos faz considerar o grito de uma população que ainda é orgulhosa, mas não encontra la plata para enfrentar criaturas sobrenaturais ou para sustentar sua economia. Quando George Romero representou há 40 anos a população americana culturalmente inerte em seus zumbis, não achou que seu sucesso fosse ecoar em Cuba, onde os zumbis são, na verdade, os oprimidos." (Mateus Almeida)

La Zanfoña Producciones
Producciones de la 5ta Avenida
Soundchef Studios

Diretor: Alejandro Brugués

6.468 users / 4.359 face

Check-Ins 359

Date 11/10/2013 Poster -

[Mov 02 IMDB 6,1/10 {Vedeo/@@@} M/21

JOÃO E MARIA - CAÇADORES DE BRUXAS

(Hansel and Gretel: Witch Hunters, 2013)

"O argumento mais inócuo do cinemão americano em anos. Daqui a pouco farão filme sobre o quê? Sobre Batalha Naval?" (Alexandre Koball)

"Uma ou outra rara boa ideia perdida pela história não é o suficiente para justificar a existência desse filme, que não passa de uma bobagem com personagens sem graça em cenas de ação excessivas e pessimamente conduzidas." (Silvio Pilau)

Conto de fadas sangrento tenta virar franquia, mas quem vai querer comprar um sub-Van Helsing?

''João e Maria - Caçadores de Bruxas'' (Hansel & Gretel: Witch Hunters), versão gore da fábula clássica dos irmãos Grimm, não tem mais nem menos banho de sangue do que muitos filmes de baixo orçamento ou produções direto para DVD voltadas para o mercado do terror. Para uma produção de grande estúdio que pega carona na moda dos contos de fada, porém, a sangueira até que é bem inesperada. Não convém aqui discutir se foi uma boa estratégia ou se a violência cartunesca misturada com fábula infantil vai cair num vácuo demográfico (o filme pode ser impróprio para pré-adolescentes e considerado bobo por adolescentes). A questão é que a surpresa de ver astros como Jeremy Renner e Gemma Arterton besuntados de sangue falso é a única atração deste filme - que, de resto, é um grande equívoco de concepção e execução. Na comparação, João e Maria - Caçadores de Bruxas faz Abraham Lincoln - Caçador de Vampiros parecer muito sofisticado. O parentesco mais próximo é com Van Helsing, não só porque as armas e os figurinos parecem reaproveitados do filme de 2004 (quando teremos um blockbuster sem vergonha de se assumir steampunk?), mas principalmente porque ambos tentam contar uma história medieval com uma linguagem pop e terminam num indeciso meio termo, descaracterizando tudo. Van Helsing pelo menos não tinha a intenção - que hoje Hollywood trata como obrigação - de estabelecer uma nova franquia de ação. Desde o início ''João e Maria - Caçadores de Bruxas'' é apresentado e martelado como um produto que vieram nos oferecer na nossa porta, que o vendedor diz ser irrecusável mas não se presta a explicar pra que serve ou como funciona. Quinze anos depois de sobreviverem à casa de doces, João/Hansel (Jeremy Renner) e Maria/Gretel (Gemma Arterton) ganham a vida como matadores de aluguel, indo de vila em vila atrás das tais bruxas. Produtos que são, seus diferenciais são a inovação (a vila do filme já tem um caçador de bruxas, mas incompetente e vil) e o ineditismo (ninguém da vila ouviu falar de João e Maria, embora o lugar seja perto de onde os irmãos cresceram e nos créditos iniciais a notícia dos dois tenha se espalhado). Além da inovação e do ineditismo, todo produto de franquia implica uma legião pronta de fãs (não vendida separadamente). Então depois que a fama e o talento de João e Maria são repetidos pela décima vez em meia hora de filme, surge um fanboy adolescente medieval pra afirmar tudo de novo e emendar: "I'm a fan of your work!". Depois disso, dá até pra se divertir com algumas coisas que acontecem no clímax (a galeria de bruxas é bem politicamente incorreta), se você aguentar até o fim do filme. Talvez um dia ''João e Maria - Caçadores de Bruxas'' seja visto como uma transgressora obra de arte que implode a lógica das franquias hollywoodianas ao revelar parodicamente suas entranhas, uma bomba de metalinguagem que deixa estilhaços e vísceras por todos os lados. Até lá, é só um filme com a ilusão de que pode imitar Os Vingadores (a superequipe com suas armas viradas pra câmera no final), o modelo de franquia hoje, como se ninguém fosse perceber." (Marcelo Hessel)

''Bem diferente do corre corre e tiroteio que os trailers podem sugerir, ''João e Maria: Caçadores de Bruxas'' é mais do que isso. Não que isso seja uma boa notícia. Apesar de bem sanguinolento e até ter um pouquinho, bem pouquinho de nudez (um pacote completo que já deixa bem estranho o lançamento no Brasil ganhar classificação livre), o filme é uma enxurrada de má elaboração técnica. ''João e Maria: Caçadores de Bruxas'' não poderia começar mais previsível. Sabendo-se de que o longa contaria a vida adulta dos irmãos que quando crianças foram atraídos para uma casa feita de doces para serem devorados por uma bruxa, era de se supor que toda o conto que já conhecemos fosse repassado de uma só vez na cena de abertura do longa. E o filme não fez a menor questão de imaginar alguma ideia mais criativa para não causar a primeira má impressão nos primeiros cinco minutos. A bem da verdade é que a ação, com toques de fantasia e aventura, é bem diferente da imagem que a produção possa ter passado em seu trabalho de divulgação. E isso, felizmente, é um algo positivo. O contraponto da balança está naquilo que não seria surpresa, aqueles elementos que deveriam constar para se contar uma trama que envolva bruxas e feitiçaria. Todos eles estão lá. Mas mal construídos. O desgosto evolui ao mesmo passo da narrativa. E isso se dá pela inexpressividade da produção como um todo. De fato, a ideia de duas pessoas utilizarem artilharia pesada para caçar bruxas é atraente. Mas toda a proposta perde o brilho unicamente por conta da técnica mal composta; em praticamente todos os aspectos. A fotografia é básica. Em cenas noturnas em interiores, apela para a divisão vertical de tons frios escurecidos com o iluminar de poucas velas que propõem um enorme clarão alaranjado, o que revela uma preguiça para compor um visual mais aprumado. A direção de arte se limita à repetição do básico para compor um espaço de época, assim como os figurinos que em nada acrescentam aos personagens ou sua evolução ao longo da fita. E a mecânica dos voos de vassouras, em que a realização nas filmagens achou que seria interessante que as bruxas flutuassem por mais alguns metros penduradas em cabos de aço mesmo após desmontarem dos objetos, passa uma sensação extremamente artificial e amadora. Se somar isso aos efeitos visuais e sonoros do uso das varinhas, dá para se verter lágrimas de vergonha ao se comparar com o que foi feito por uma década em Harry Potter. Nem quando está acertando o faz por completo. O design das bruxas pode ser interessante algumas vezes, mas extremamente mal executado quando até na escolha da coloração das lentes de contato deu para tropeçar. Isso sem mencionar a aplicação de próteses e produtos que gritam, por exemplo, que o que estamos vendo no rosto da bruxa de cabelo espetado, em um close feito na floresta, é uma aplicação em excesso de cores da mesma maquiagem que qualquer mulher deve ter na bolsa. Para terminar de estragar, as lutas corporais não convencem. Pode até ser um argumento verdadeiro o de que, na trama, as bruxas, por conta de seus poderes, possuem uma força ligeiramente maior do que a dos humanos. Mas não é o que o visual da grande maioria delas demonstra, tornando graficamente esquisito um embate com movimentos rápidos e certeiros entre elas e os heróis da trama – acrescentando mais usos dos cabos de aço para saltos cujo ângulo e trajetória não casam; bastante risíveis. Ao menos não há economia de violência. Tanques de sangue são derramados ao longo do filme em cenas em que membros arrancados e corpos humanos se explodindo são nítidos e bem enquadrados. A outra salvação do longa é o personagem de Maria. Da cena pré-créditos e passando por todo o desenrolar da história, Maria é a figura durona da trama e Gemma Arterton. Suas frases de efeito e respostas físicas são as mais interessantes e chegam ao ápice ao formar uma amizade improvável com um ser cujo nome é ainda mais improvável, mas uma piada pronta que remodula comicamente todo diálogo travado entre os dois. Por outro lado, o romance entre João e Mina já não surge com uma postura tão fluente quanto a amizade formada por Maria. Uma vez que os protagonistas são um casal de irmãos, o que torna o desenvolvimento amoroso impossível, Mina surge como uma figura forçada inserida apenas com o pretexto de fornecer alguma informação útil ao final, mesmo que sua participação pudesse ser descartada e substituída por algo tão mais interessante quanto o amigo de Maria e, as respostas, vindas através de outro meio. Não é o proposto pelo filme que tira severos pontos da contagem de ''João e Maria: Caçadores de Bruxas'', mas a sua realização. Com um orçamento de apenas 60 milhões de dólares – baixo para o tipo de produção que se quer realizar – o longa sofre consigo mesmo e com comparações de outras histórias populares que recentemente foram readaptadas com um tom mais maduro nos cinemas. Sejam elas feitas com o deleite estético de Branca de Neve e o Caçador (que até rendeu ao filme duas indicações em categorias de valor visual ao filme), seja com A Garota de Capa Vermelha, cuja mediocridade caminha de mãos dadas pela floresta com João e Maria." (Arthur Mello)

Paramount Pictures
Metro-Goldwyn-Mayer
MTV Films
Gary Sanchez Productions
Studio Babelsberg
Deutsche Filmförderfonds (DFFF)

Diretor: Tommy Wirkola

128.668 users / 44.605 face

Check-Ins 390

Date 04/12/2013 Poster - #####

[Mov 09 IMDB 7,5/10 {Video/@@@@@}

JUVENTUDE

(Sommarlek, 1951)

''A bailarina Marie recebe o diário de seu ex-namorado, Henrik, morto ainda jovem. A partir daí, ela se questionará sobre a morte, o amor e a juventude." (Filmow)

"Juventude", considerado por Jean-Luc Godard o filme mais bonito de Bergman, antecede e, de certo modo, prenuncia as obras-primas que o cineasta sueco faria ao longo dos anos 50: Mônica e o Desejo, Noites de Circo, O Sétimo Selo e Morangos Silvestres. O entrecho poderia ser o de um melodrama romântico: às vésperas da estréia de um grande espetáculo, a bailarina clássica Marie (a extraordinária Maj-Britt Nilsson) recebe num envelope o diário do rapaz que foi seu primeiro namorado e que morreu num acidente quando o amor entre os dois estava em botão, na adolescência. A partir daí, abre-se um longo flashback para mostrar o verão em que os jovens se conheceram, numa ilha do arquipélago de Estocolmo, e começaram a se amar. Foi no mesmo verão que o rapaz, Henrik (Birger Malmsten), sofreu o acidente. Amor intenso e fugaz, como a própria juventude, justificando o título original sueco, Sommarlek", que seria algo como "jogo de verão" ou divertimento de verão. A esse tema da fugacidade da vida, do caráter frágil e inefável da felicidade (um verão e nada mais) somam-se aqui outros temas caros a Bergman: o silêncio de Deus, evidente na cena do acidente fatal, quando a câmera sobe e contempla um céu opaco, a busca de um sentido para a existência, a emergência ocasional de epifanias de paz e aceitação. A polarização um tanto fácil entre a pureza da juventude e a corrupção da vida adulta -simbolizada no tio Erland (Georg Funkquist), ex-amante da mãe de Marie e presença nefasta na vida da moça- é amenizada no belíssimo desfecho, mas seria muito melhor trabalhada na obra posterior do diretor. Mas não é só nos temas que a arte plena de Bergman se anuncia em "Juventude". Os closes incomparáveis, o uso expressivo do silêncio, o recurso freqüente aos espelhos, o controle absoluto de uma luz levemente expressionista - está tudo ali. Irregular, tateante, ainda em busca da afirmação de um estilo, "Juventude" é uma espécie de Bergman em estado bruto, pleno de talento e frescor. Não é todo dia que temos oportunidade de presenciar a alvorada de um gênio." (José Geraldo Couto)

Top Suécia #25

Svensk Filmindustri (SF)

Diretor: Ingmar Bergman

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Date 08/12/2013 Poster - ########

[Mov 09 IMDB 6,9/10 {Video/@@@@} M/50

JACK REACHER - O ÚLTIMO TIRO

(Jack Reacher, 2012)

"Um suspense policial extremamente envolvente, tem toques de filme de ação (foi vendido assim no roteiro, erroneamente). Remete aos bons tempos de Dirty Harry." (Alexandre Koball)

"Talvez o resultado não justifique o início de uma franquia, mas é um filme competente que, apesar de alguns clichês, apresenta um bom protagonista e cenas de ação intensas e bem orquestradas. Cruise dá conta do recado, mas é Herzog quem rouba a cena." (Silvio Pilau)

''As imagens de um atirador que do alto de um prédio fuzila pessoas que se deslocam tranquilamente num passeio público de Pittsburgh trazem impacto à abertura de "Jack Reacher - O Último Tiro". Pelo menos desde o assassinato do presidente norte-americano John Kennedy, em 1963, as cenas de massacres cometidos por insanos armados tornaram-se, sobretudo nos Estados Unidos, mais reais que qualquer ficção. Antes de entrar em coma, o principal suspeito enuncia o nome de Jack Reacher como pista. Daí em diante, rouba a cena um desses heróis infalíveis que o cinema usa para nos distrair das contas a pagar e do dia a dia sem emoções tão fortes. O personagem criado originalmente pelo escritor britânico Lee Child já apareceu em mais de uma dúzia de tramas de espionagem em papel e agora surge numa possível nova franquia, seguindo os passos de James Bond, Jason Bourne e Jack Bauer, entre outros. Mas esse policial treinado em intrigas internacionais não se confunde com nenhum dos concorrentes, pois não usa terninhos justos, nem celular, além de não saber para que serve o cartão de crédito e preferir andar de ônibus. Em sua estreia no cinema, o homenzarrão de quase 2 m de altura imaginado pelo autor teve de encolher para caber no 1,70 m de Tom Cruise. De modo semelhante, as múltiplas intrigas cheias de reviravoltas de Um Tiro, livro que deu origem ao filme, foram abreviadas sem muita explicação. O efeito disso em Jack Reacher é a falta de uma boa trama típica das histórias de espionagem. No lugar, ficou uma sucessão confusa de situações de risco, de bonzinhos que mudam de lado e de gente ameaçada sem quê nem para quê. O roteirista e diretor Christopher McQuarrie, em vez de se contentar em tirar proveito de um super-herói invencível, prefere interromper a ação a cada cinco minutos para incluir diálogos esclarecedores. Para dar conta, os atores perdem o fôlego com uma conversa fiada que só interessa aos adeptos de teorias da conspiração. Os fãs, provavelmente, ficarão satisfeitos em ver Tom Cruise, agora um garotão de 50 anos, seguir os passos de Bruce Willis e Liam Neeson, madurões que nunca se cansam de correr e estraçalhar os inimigos. Se continuar nesse ritmo, até o fim da década ele deve disputar espaço com Sylvester Stallone, Jean-Claude Van Damme, Dolph Lundgren e Chuck Norris num dos próximos números da série Os Mercenários.'' (Cassio Starling Carlos)

Tom Cruise tenta criar novo Bourne, mas acaba em um filme oitentista.

''Jack Reacher - O Último Tiro'' (Jack Reacher, 2012) começa com um homem chegando a um estacionamento, se preparando e atirando em cinco pessoas. Com todas elas mortas, começam as investigações, que em poucas horas levam à prisão do atirador de elite James Barr (Joseph Sikora). Depois de um interrogatório em que tudo o que ele diz é "me traga Jack Reacher", Barr leva uma "lição" dos policiais da cidade e entra em coma. Para o principal detetive e o promotor, o caso está praticamente encerrado. Até que entra em cena o tal Jack Reacher (Tom Cruise), um misterioso ex-militar, que vive à sombra da sociedade, impossível de ser localizado - a menos que ele queira.Reacher, criado na série de livros escrita por Lee Child, é um soldado de elite. Sabe atirar como ninguém. Luta com a rapidez e a brutalidade necessárias para acabar em poucos segundos com um grupo de valentões em uma briga de bar. Estrategista, está sempre dois passos à frente de seus oponentes. Detalhista, saca na hora o que está errado. E na hora que precisa fugir pelas ruas de Pittsburgh, Reacher acelera, derrapa e despista seus perseguidores, a polícia da cidade, como se fosse um local. A única paulada que ele leva no filme inteiro é quando é pego desprevenido. Mas tudo bem, porque os oponentes que o encurralaram são mais atrapalhados do que Joe, Moe e Larry juntos. Se você pensou em Jason Bourne, pensou certo. Com a diferença de que o desmemoriado ex-agente da CIA tinha carisma, enquanto Reacher é a antipatia em pessoa. Sai de cena o sorriso de propaganda de creme dental que Tom Cruise desfila pelos tapetes vermelhos de Hollywood para entrar em campo o sujeito focado e de cara fechada - papel até certo modo parecido com o que ele já havia feito em Colateral, mas agora do lado dos bonzinhos. Cruise, 50 anos recém-completados, mostra que ainda está longe de se aposentar dos filmes de ação. Acerta nas coreografias e na hora de fazer cara de mau. Há um pequeno excesso de pausas dramáticas, mas nada que diminua o seu esforço. O problema é que seus antagonistas são muito ruins. Nem o cineasta Werner Herzog convence com o sua versão de Jigsaw que preferiu ganhar dinheiro a dar lição nas pessoas. O pior é que a trama toda, que poderia criar um suspense sobre a suposta inocência de Barr, não deixa dúvidas do tipo de armação criada para cima do sniper em coma. Sobra, assim, apenas a ação. A sede de vingança, o tom cartunesco dos vilões e a própria forma como eles acabam mostram que o roteirista e diretor Christopher McQuarrie queria fazer um filme oitentista com o visual e a tecnologia que temos hoje em dia. O plano era bom. Pena que o público que curtiria este tipo de filme já tenha um outro foco, Os Mercenários. Com a a diferença que Stallone e companhia sabem se divertir enquanto Tom Cruise se leva muito a serio." (Marcelo Forlani)

"Tudo indica que Tom Cruise trocou de vez os dramas mais ambiciosos pelas franquias de ação. O resultado é bom, a julgar pelas ótimas bilheterias que garantiram um quinto longa de Missão: Impossível. Isso avaliza sua escalação em Jack Reacher, baseado nos livros de Lee Child. Apesar de o autor best-seller ter criado um herói de cem quilos e 1,95 m, um pouco maior do que o 1,68 m de Cruise. Questões físicas à parte, ele vai bem como ex-investigador militar que encara o assassino de cinco pessoas escolhidas sem razão aparente. Seu maior mérito é cunhar uma personalidade própria e irônica para Reacher, bem longe de seu Ethan Hunt, em "Missão: Impossível", e do agente desmemoriado de Matt Damon na Trilogia Bourne. Com Cruise, o herói de ação evolui. Hora de aposentar Stallone, Schawarzenegger e Seagal." (Thales de Menezes)

Mutual Film Company
Paramount Pictures
Skydance Productions
TC Productions

Diretor: Christopher McQuarrie

178.222 users / 36.166 face

Soundtrack Rock = House of Pain + David Bowie + Gregg Allman

Check-Ins 420

Date 19/12/2013 Poster - ###

[Mov 09IMDB 6,9/10 {Video/@@@@@} M/63

JOVEM E BELA

(Jeune et Jolie, 2013)

''Juventude e beleza formam um par tão indissociável para a maioria que indagar seus mistérios pode parecer anomalia (ou necessidade de gente velha e feia). Sem recusar encantos, o diretor François Ozon espia pelo buraco da fechadura para apreciar o que a perfeição mostra e esconde. "Jovem e Bela" mostra a transformação de Isabelle, uma garota de 17 anos, ao longo de quatro estações. No verão, ela transa na praia pela primeira vez com um garoto alemão, mas a experiência parece banal e pouco prazerosa. Nos meses seguintes, a vemos em encontros com homens mais velhos, com quem se prostitui sem nenhum motivo aparente, financeiro ou outro. Desde a primeira imagem, o filme assume ser um jogo de sedução. No formato de binóculo, espiamos uma garota de topless na praia. Quando se revela o dono do olhar, descobrimos ter caído numa armadilha em que se combinam ingenuidade e perversão. Como no formidável Dentro da Casa, longa anterior de Ozon, o personagem adolescente conduz a trama como um reflexo dessa idade, em que corpo, sexualidade e identidade encontram-se no ponto máximo das ambiguidades. Não se trata, porém, de mais uma Bela da Tarde, nem de outra Dama do Lotação, filmes em que o impulso da entrega a estranhos simbolizava a contraposição ao machismo ou a vontade de transgredir a visão conservadora dos papéis femininos. Sem se perder em justificativas psicológicas ou sociológicas, Ozon filma as experiências de Isabelle como algo virtual, sem envolvimento. O perfil sem rosto na internet, as roupas que a fazem parecer adulta e a atitude profissional com clientes são como um paralelo que ela incorpora, mas do qual se desfaz ao chegar em casa e tomar banho. Essa desconexão torna-se ainda mais evidente com a opacidade que a modelo Marine Vacth empresta ao personagem, uma não atuação que reforça a opção do filme em não dar respostas. Nessa ausência intencional de profundidade, Ozon contempla a adolescência sem julgar nem tentar explicar. Na cena final, porém, a aparição de Charlotte Rampling impõe ao espectador o sentimento que, finda a juventude, a beleza guarda seu absoluto mistério." (Carlos Starling Carlos)

"Filme bem qualquer coisa de Ozon, que derrapa depois do excelente Dentro da Casa. Essa trama que ele já abordou anteriormente não só parece requentada, como também desinteressante, apesar de bem filmada e interpretada." (Francisco Carbone)

''O cinema francês sabe criar um filme em torno de uma bela atriz, de preferência com ousadia de roteiro e muita sensualidade naturalista.No Festival de Cannes do ano passado, a imprensa teve de parar de ficar boquiaberta diante da beleza de Marine Vacth para que a proposta dramática de François Ozon pudesse ser discutida.
Mostrando Isabelle, 17, que se torna prostituta sem ser pressionada a fazer isso por motivos financeiros, o diretor cria um jogo de sedução. A interpretação de Marine é o grande trunfo de Ozon para evitar uma trama de culpas e julgamentos morais. Com seu rosto lindo e vazio, a garota é incapaz de agregar emoção ao sexo. Há, sim, paralelo com Ninfomaníaca, mas sem transgredir. O filme não busca respostas." (Thales de Menezes)

"Ozon - subindo exponencialmente no meu conceito - mistura "A Bela da Tarde" e "Lolita" para falar sobre ciclos de descobertas, o vazio da adolescência e o poder (em vez do prazer) exercido pelo sexo. A enigmática Marine Vacth domina a cena. Belo filme." (Régis Trigo)

As estações de Ozon.

''Em Jeune et Jolie (2013), François Ozon se debruça sobre a delicada idade dos 17 anos, por meio da história de Isabelle. Sua beleza é tematizada tanto no título do filme (jolie poderia ser traduzido como bonita) quanto no seu nome próprio (Isabelle contém em si o adjetivo belle – bela em francês) e nas falas dos personagens. Essa reiteração aponta para como a beleza de Isabelle é importante na sua relação com o mundo. Nós a acompanhamos atravessar quatro estações, a começar pelo verão, em que sua família passa uma temporada de férias na praia. O restante do filme vai se desenrolar em Paris, e termina com a chegada da primavera. Estamos diante de um ciclo, onde as estações não só mostram a passagem do tempo, mas ajudam a configurar sentidos para a história. Não por acaso o inverno é marcado pela morte de um personagem e a primavera por um novo amor. Ao final deste percurso, entrevemos a chegada de um novo ciclo, da possibilidade redentora de um recomeço. A trajetória de Isabelle é permeada de descobertas, aventuras, conflitos, e seu fio condutor será a sexualidade da jovem e seus desdobramentos. O topless, a masturbação, a perda da virgindade e a prostituição vão conduzindo a narrativa. Desde o primeiro plano, Ozon nos coloca numa posição voyeurista: vemos Isabelle na praia através de um binóculo. De modo semelhante, vamos assistir, ao longo do filme, às transformações, experiências e escolhas de Isabelle sem ter exatamente acesso a suas motivações. Isso ajuda a criar um mistério em torno da adolescente – seus olhares intensos e silêncios profundos, sua frieza e surpreendente falta de inocência. Aos poucos, vamos entendendo que o marido de sua mãe é seu padrasto. Seu pai não tem lugar no filme, mal sabemos seu nome, onde mora, com o que trabalha. Uma análise apressada estabeleceria relações diretas entre a ausência do pai e os relacionamentos de Isabelle com homens mais velhos, ainda que pela via da prostituição. A entrada do psicólogo parece comentar essa busca por sentidos com alguma ironia. Pois Isabelle traz algo de imprevisível que nos escapa – a nós espectadores e, talvez, à psicanálise. Isabelle está profundamente deslocada no mundo. Os jovens não lhe interessam, ela não se abre para eles, não se mistura e quase não constrói relações na sua escola. Os adultos também são distantes, têm dificuldade de compreender a menina. Há algo de entediante e patético em suas falas e posições, que coincide com um olhar tipicamente adolescente para os adultos, os pais, as figuras de autoridade. O mais interessante no filme parece ser mesmo a construção da protagonista e seu gosto íntimo pela aventura – que, sem que calcule ou perceba, a coloca em situações de perigo. Isabelle (ou Léa, seu pseudônimo usado para se prostituir) é uma “Belle de Jour” contemporânea que, não satisfeita com a ambiguidade da fantasia, passa para a concretude das ações e nelas se alimenta de prazer." (Lygia Santos)

O desejo latente disseminado entre as estações.

"François Ozon vem retratar a juventude num filme de descobertas sexuais, de experiências, do reconhecimento do prazer. A forma com a qual narra difere do que geralmente vemos em obras análogas por imprimir um realismo e naturalismo nas relações dispostas, com a protagonista se prostituindo, saindo com homens mais velhos. Ela faz por prazer, pela oportunidade de enfrentar o desconhecido, como num jogo – assim ela explica em determinado momento. Implica-se nessa dinâmica questões sociais, psicológicas e filosóficas relativas ao seu desejo e recompensa, já que em uma transa ganha 300 euros e guarda o dinheiro numa carteira para ser usado no futuro carente de objetivo. O que ela faz é errado? Ozon nos mostra as circunstâncias sem responder, encarregando o público de testemunhar e julgar como este achar conveniente. A trama se inicia no calor do verão numa casa de veraneio quando a jovem e bela Isabelle (Marine Vacth) toma sol fazendo topless. Nada de errado. Seu irmão a contempla – e nós juntamente através de um binóculo. Ele é um adolescente percebendo o crescimento da irmã, interessado pela beleza da figura feminina que vem lhe despertando interesse na escola. Há quem possa contemplar a cena como uma incitação incestuosa. Bobagem, essa não passa de um vislumbre curioso com relação a corpos em formação. Julgar a sexualidade alheia desencadeia uma entonação repressora a qual o filme se mantém distate. Nesse verão estilizado no litoral, a garota conhece um rapaz e com ele perde a virgindade. Uma contingência passageira. A relação desencadeia renovados desejos e novos ciclos inauguram distintas fases e interesses. O diretor salienta os olhares e o distanciamento. Quando as férias terminam, vemos Isabelle indo embora observando seu primeiro amante ficando para trás. Tal plano constata toda uma profundidade de núcleos de relacionamentos desfeitos por conjunturas. Nada será a mesma coisa. Elas podem melhorar! E chegam novas estações, o filme é acompanhado por elas como episódios da vida da protagonista que de perto acompanhamos. Ozon é ótimo em evidenciar sua estrela sempre frente a câmera, explanando sua beleza em vários atos, seja quando está de biquíni na praia – numa tomada semelhante a realizada em Swimming Pool - À Beira da Piscina (Swimming Pool, 2003) com Ludivine Sagnier sob o sol –, nas que evidenciam explorações sexuais – masturbações – ou com os clientes, esses que geralmente são muito mais velhos. Essa proposta de explanar a juventude e sua beleza passageira culminará numa cena final excepcional, quando Marine Vacth divide a cama com Charlotte Rampling. Passando o tempo, alcançamos todas as estações, percebemos as várias experiências de Isabelle, e notamos suas frustrações. Algo sério acontece e sua vida privada chega aos ouvidos da mãe e da polícia. Tudo inevitavelmente muda, exceto o desejo. Canções acompanham a narrativa, as letras trazem um pouco da percepção da protagonista que poderia ecoá-las traduzindo seu cotidiano. São composições de seus sentimentos. A intenção por trás do que conferimos em cena a partir das ações de Isabelle é retratar a sociedade julgando o que está perto, ao passo que aceita quando distante: a filha se prostituir não é legal, mas não há problema em existir prostituição. Tantas outras coisas sem encaixariam perfeitamente nessa ótica. A série de acontecimentos que perpassam as 4 estações ficam em suspensão na trama graças ao roteiro linear, tudo é episódico e acentuado por algo simbólico, dialogando diretamente com a estação vivenciada. A primavera finda como renascimento, um novo brotamento diante a vivência do passado recente. Coisas demais aconteceram em pouco tempo e isso se arrastará pelo resto da vida, não só de Isabelle como também de sua mãe, irmão e padrasto. Recorrências no cotidiano, experiências precisas e a inclinação para o sexo numa abordagem semelhante ao clássico A Bela da Tarde (Belle de Jour, 1967). O sexo, aqui, também ocorre no período diurno. E esse sexo não vem como necessidade para uma protagonista que precisa dele para a vida, mas por gostar, ou para ocupar o tempo com algo que lhe dê estímulo, uma pulsão de vida que lhe desperte interesse e funcione como compensação da apatia contemporânea." (Marcelo Leme)

2013 Palma de Cannes / 2014 César

Mandarin Films
Mars Distribution
France 2 Cinéma
FOZ
Canal+
Ciné+
France Télévisions
La Banque Postale Image 6
Cofimage 24
Sofica Manon 3
Cofinova 9
Palatine Étoile 10
Région Ile-de-France

Diretor: François Ozon

15.341 users / 3.334 face

Check-Ins 504

Date 02/04/2014 Poster - ##########

[Mov 05 IMDB 7,6/10] {Video}

JAMES DEAN - O MITO SOBREVIVE

(Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, 1982)

''1975, McCarthy, uma pequena cidade do Texas. Na única loja da cidade há uma reunião de membros de um fã-clube de James Dean, que ocorria devido aos 20 anos da morte do astro. Logo chegam algumas mulheres, que carregam segredos. Através de flashbacks é mostrado como elas eram quando o ator estava vivo, ficando claro que com o passar do tempo elas perderam a inocência. Entre as mulheres que foram para a reunião está a perturbada Mona (Sandy Dennis), que foi figurante em Assim Caminha a Humanidade e, 9 meses depois, teve um filho que ela alega que o pai é James Dean. Também estão na reunião uma extrovertida garçonete, Sissy (Cher), e Joanne (Karen Black), uma desconhecida. Mona sente que algo em Joanne não lhe é estranho e logo todas saberão que ela carrega um chocante segredo." (Filmow)

40*1983 Globo

Sandcastle 5 Productions
Viacom Enterprises

Diretor: Robert Altman

2.684 users / 398 face

Check-Ins 535

Date 17/04/2014 Poster - ######

[Mov 03 IMDB 7,1/10] {Video/@@@} M/54

JERSEY BOYS - EM BUSCA DA MÚSICA

(Jersey Boys, 2014)

"Eastwood entrega-se ao convencionalismo das cinebiografias e não consegue impor qualidades individuais relevantes, mas as músicas têm vida própria aqui, e são o ponto alto." (Alexandre Koball)

"Não precisa ficar nos colocando legenda para mostrar o passar dos anos: a música, os personagens e tudo o que os envolve fazem esse papel perfeitamente. É o cinema encontrando a história da música com o domínio invejável da narrativa de Eastwood." (Rodrigo Cunha)

"Em tom de fábula e ao melhor estilo scorseseano, Clint Eastwood abraça os clichês do gênero para recriar a vida de Frankie Valli (com "i"!) e retratar uma América idílica, sem guerras, e que supera os seus traumas através do poder da música. Belo filme!" (Régis Trigo)

"Eastwood filma com a classe de sempre, mas o resultado é uma biografia completamente tradicional, tanto em termos de estrutura quanto do próprio roteiro. Para piorar, o protagonista é fraco e nem mesmo as sequências musicais empolgam (ao menos a mim)." (Silvio Pilau)

"Eastwood é, provavelmente, o melhor cineasta americano da sua geração ainda na ativa. Jersey Boys é seu melhor filme desde Gran Torino e, por que não?, um dos melhores de toda sua carreira. É bom saber que ele ainda tem muito o que oferecer." (Heitor Romero)

"Eastwood cava fundo no coração do sonho - ou da grande ilusão - da América." (Guilherme Bakunin0

****
''Clint Eastwood já provou ser um bom diretor por vezes. Mas não se acerta sempre, afinal. Não, ''Jersey Boys – Em Busca da Música'' (ô, subtítulo infeliz) não é ruim. É agradável e tal. Mas o resultado dessa adaptação de um musical de sucesso na Broadway ficou bem abaixo do esperado. O filme é um melodrama desarmônico, um tanto blasé, que tem dificuldade em explorar a emoção atávica de sua história, apesar de contar com alguns bons momentos pontuais. O fato é que falta euforia e arrebatamento ao que foi colocado na frente da câmera. Eastwood perdeu a mão neste filme num nível bastante considerável, embora o longa seja muito bem produzido, com ótima ambientação de época. Mas não vamos ignorar a realidade: Jersey Boys, a despeito de falar de música e músicos, é um filme com claros problemas de ritmo. A produção é uma deferência à carreira de uma das bandas norte-americanas de maior sucesso nos anos 1960: Frankie Valli e The Four Seasons, que conquistou o público da época com um sem-número de hits, como Sherry, Big Girls Don't Cry e Walk Like a Man. E é esta a melhor parte do filme, os números musicais, com belas canções que atravessaram gerações e são facilmente identificáveis. A trama começa no ano de 1951, quando Tommy DeVito (Vincent Piazza), Nick Massi (Michael Lomenda), Bob Gaudio (Erich Bergen) e Frankie Valli (John Lloyd Young) são ainda jovens moradores de uma Nova Jersey sob forte influência da máfia. O filme segue até 1990, vinte anos após o fim da formação original, quando os quatro são homenageados pelo Rock and Roll Hall of Fame. Aqui o filme dá outra derrapada: o trabalho de envelhecimento dos atores é amador. Christopher Walken, ator que gosto, faz uma participação especial no longa vivendo... Christopher Walken. O mafioso que interpreta, nada ameaçador, parece sobrar na trama. Não se consegue levar muito a sério a temeridade que impõe. Personagem se não descartável, mal aproveitado. Jersey Boys também peca, principalmente, em não fazer o público perceber que valeu a pena. A banda, e Frankie Valli particularmente, alcançam o sucesso, desfrutam dele, mas passam alguns maus bocados. Mas Eastwood e os roteiristas Marshall Brickman e Rick Elice não conseguem nos fazer achar que foi válido. Chega-se ao final do filme com uma dúvida: Será que Valli foi mais feliz como cantor do que como barbeiro - profissão a qual estava destinado? Difícil dizer." (Roberto Guerra)

Seja bem-vindo de volta, tio Clint!

**
"Estranhezas positivas cercam essa nova obra do tio Clint Eastwood. A mais óbvia tem a ver com o retorno do fôlego desse "jovem" de 84 anos, que há alguns anos (e filmes) se encontrava desaparecido, perdido entre escolhas equivocadas e uma não-percepção de qual eram seus reais motes, em cada projeto em particular e na sua carreira como um todo. Lógico que hoje tudo isso parece menor tendo em visto o retrospecto de acertos constantes; ainda bem, ficou pra trás. Uma segunda estranheza se faz pelo fato de Eastwood sempre ter abordado entre seus temas os laços de afeto, amizade, companheirismo, pessoais e/ou profissionais, e ainda não ter tocado de forma efetiva num filme de máfia. Pois bem, isso também ficou pra trás: ''Jersey Boys: Em Busca da Música" é um 'mob movie' com a cara e o coração de Eastwood. Além desses dois aspectos importantes, ainda causa o mesmo sentimento quando se atenta que seu novo filme é isso tudo, mas também é uma adaptação de um musical (nível consagrado com Tonys!). Mas é assistir ao filme e constatar como o diretor e o roteiro dos mesmos dramaturgos resolvem bem esse problema - além disso, não podemos esquecer a bela trajetória de Charlie Parker que ele já tinha entregue há 25 anos atrás, como o premiado Bird (idem, 1988). Talvez Jersey Boys represente mesmo um Eastwood que parecia esquecido no meio das últimas equivocadas biografias e 'retratos sobre a velhice' (outro tema recorrente e caro a ele); um Eastwood de reconexão com uma simplicidade (vejam só, isso num musical - em tese) e um coração que pareciam esquecidos, quase descartados desde Gran Torino (idem, 2008). Aqui ele parece de novo à vontade e relaxado, no comando real de seus signos e suas raízes, essas então como talvez muito tempo não estivesse. A juventude e suas parcerias que desembocam num futuro pela qual somos tragados e nada consultados; é isso e acabou, aceite - parece dizer a vida, muitas vezes. Eastwood respeita e acata essa decisão aqui, através do ótimo roteiro na qual o eficiente elenco mantido da adaptação teatral contribui e nele reverbera, com a experiência de atores que já conhecem aqueles personagens de cor e salteado (atenção na adição de Christopher Walken entre eles, em momentos de puro brilho). As decisões de narração múltipla também são um achado bacana e que tira da mesmice um filme que fácil poderia beirá-la, dando vigor e agilidade a um gênero por si só. Tecnicamente um filme discreto e muito eficaz, diria até preciso, Jersey Boys talvez traduza essa fase crepuscular de seu diretor da maneira mais perfeita possível, retirando o peso de suas produções recentes e assumindo uma bem-vinda leveza. Ao ler ironias e sacadas de roteiro com jovialidade (além de um real e sutil amadurecimento com questões que pareciam tabus, como a homossexualidade), Clint parece observar o futuro finalmente. Mesmo que ainda com os pés na nostalgia." (Francisco Carbone)

*****
''No futuro, o filme "Jersey Boys - Em Busca da Música" será lembrado, possivelmente, como um ponto fora da curva dentro da obra do cineasta Clint Eastwood. Para quem acompanha a carreira do cineasta, não há nada de estranho no fato de ele dirigir uma adaptação de um musical de sucesso da Broadway. Porque Clint é, entre outras coisas, um apaixonado por música. Em relação a outros filmes do cineasta, o que há de estranho aqui é uma frouxidão do resultado final, uma incapacidade de definir o que é essencial para a história, de impor um olhar sobre o material, sem impor um estilo. Jersey Boys mostra uma alternância entre os estilos filme de máfia sobre pequenos gângsteres de Nova Jersey, Sessão da Tarde sobre a ascensão do grupo Four Seasons ao estrelato e drama familiar sobre a relação entre o vocalista do grupo, Frankie Valli, e a sua mulher alcoólatra e a sua filha drogada. O problema é que esses três filmes não se comunicam e, por vezes, até se sabotam (o melodrama, superficial, é engolido pela música, que é irresistível). Mais grave, os três estilos soam genéricos, dominados pelos seus clichês, com cara de telefilme - e, no caso do entrecho sobre a máfia, nos pegamos secretamente desejando que o diretor fosse Martin Scorsese. Outra questão problemática é a escolha dos atores do musical para protagonizar o filme. Sem dúvida, eles sabem cantar, mas não seguram um close em um momento de emoção, o que vale sobretudo para John Lloyd Young no papel de Frankie Valli. Ao final, resta ao filme o prazer da música. O que é muito, em se tratando do pop perfeito dos Four Seasons. Mas pouquíssimo para Clint Eastwood." (Ricardo Calil)

Top Biografia #44
Top Musical #47

Four Seasons Partnership
GK Films
Malpaso Productions
RatPac Entertainment
RatPac-Dune Entertainment
Warner Bros.

Diretor: Clint Eastwood

18.235 users / 14.517 face

Soundtrack Rock = Frankie Valli & The Four Seasons

44 Metacritic

Date 06/04/2015 Poster - #

[Mov 02 IMDB 7,2/10] {Video/@} M/59

JURASSIC WORLD - O MUNDO DOS DINOSSAUROS

(Jurassic World, 2015)

TAG COLIN TREVORROW

{esquecivel}

Sinopse

''Na Ilha Nublar dos dias atuais, o Parque dos Dinossauros foi inaugurado, seguindo os planos originais de John Hammond no primeiro filme. O parque temático recebe 10 milhões de visitantes todos os anos e é completamente seguro. A ameaça da vez é um dinossauro geneticamente modificado.''

"É tanto carinho e boas recordações com o original que, mesmo sabendo da artificialidade e falta de originalidade, é difícil resistir a esse pipocão assumido e sobrecarregado. Não chega perto do de Spielberg, mas faz jus à fama da série, definitivamente." (Alexandre Koball)

"A história custa a engrenar, a rivalidade do casal central é clichê, a heroína é incoerente, o roteiro abusa de piadinhas "espertas" e de plots inúteis (o divórcio dos pais), e as cenas de ação são genéricas e impessoais. Spielberg, meu filho, cadê você?" (Régis Trigo)

"Mais um exemplar da leva atual dos blockbusters, com roteiro preguiçoso e crença de que o CGI vai salvar tudo. É uma pena, pois o ponto de partida do parque em funcionamento é interessante, mas só. Caricato, previsível e genérico - bem longe do original." (Silvio Pilau)

"Por praticamente refilmar o original, JW é, no fim das contas, o bom e velho cinema pipoca, ainda que reciclado e sem brilho próprio. Bryce Dallas Howard fugindo do T-Rex de salto agulha compensa o roteiro clichê, o suspense fraco e o excesso de CGI." (Heitor Romero)

"A luta feroz entre os dois dinossauros é um momento histórico: belíssimo ao mesmo tempo que vazio; é completamente imbecil, na verdade, mas extremamente grandioso. A mim, o impacto foi fatal, como se estivesse vendo o trem chegar à estação pela 1ª vez. (Guilherme Bakunin0

"O subtexto sobre nostalgia, que opõe o antigo e o atual, é incapaz de tornar relevante uma orgia de efeitos irregulares com ação tediosa. As boas ideias do roteiro não compensam a corja de personagens indefensáveis. Serve como comédia não intencional." (Pedro Costa De Biasi)

*****
''O mais interessante na séquencia iniciada com Jurassic Park é a tensão entre o máximo arcaico e o máximo moderno. Desde o início temos a tecnologia, uma tecnologia meio enloquecida, diga-se, dando vida a dinossauros, um pouco como o velho Dr. Frankestein. O tempo passa e chegamos a "Jurassic World: O Mundo dos Dinoddauros". A insânia agora não é privilégio de cientistas e gente gananciosa, generalizou-se. As pessoas vão ao parque dos dinosauros como quem vai a Disney World (a referência é direto). Como no cinema ou em outras atividades, os frequentadores exigem o novo, algo diferente. Aos cientistas cabe contatá-los. Ao filme, perguntar quem são realmente os monstros: eles ou nós homens. Isso, claro, enquanto alimenta o seu público (talvez o mesmo, aliás) com mais e novos efeitos.'' (* Inácio Araujo *)

''Na onda atual de retomadas, como Mad Max e Poltergeist, fica evidente que "Jurassic World", estreando nesta quinta no Brasil, é o mais inteligente. Não apenas porque desta vez os dinossauros ameaçadores ganharam dose extra de raciocínio. Sim, os bichões estão mais espertos e conseguem uma comunicação fluente entre eles - o roteiro reserva uma explicação para isso. Já a esperteza dos produtores, com Steven Spielberg à frente, foi criar um ambiente que, apesar das criaturas pré-históricas, é muito familiar aos espectadores. A ação se passa em um gigantesco celeiro de dinossauros que lembra muito os parques de diversão temáticos do sul dos Estados Unidos. Basta trocar as orcas do Sea World por um absurdamente grande sauro aquático ou substituir o leão do Animal Kingdom por um Velociraptor. O clima de diversão familiar é quebrado com a fuga de um superdino modificado geneticamente. Ele e outros bichos caçam as pessoas, em um pandemônio que tem como personagens centrais o mocinho intrépido (Chris Pratt, quase um jovem Harrison Ford), a mocinha gata (Bryce Dallas Howard) e um bom e velho Tyrannosaurus rex. O primeiro filme, Jurassic Park, de 1993 e dirigido por Spielberg, encantou as plateias. A tecnologia visual que juntava humanos e dinossauros era fantástica e o longa trazia cenas de tirar o fôlego. Os filmes seguintes, de 1997 e 2001, já não tinham a surpresa estética, então dependiam mais de seus roteiros. E estes eram bem fraquinhos - o terceiro é sofrível. Agora, os efeitos visuais à disposição do diretor Colin Trevorrow são mais primorosos e a trama funciona bem demais. A franquia renasceu." (Thales de Menezes)

"Jurassic World" é o nome do filme e de um parque de diversão cheio de dinisauros. O clima de diversão familiar é quebrado com afugade um superdino modificado geneticamente. Ele ee outros bichos caçam as pessoas, em um pandmônio qque tem como personagens centrais o mocinho intrépido (Cheris Pratt, quase um Harrison Ford), amocinha gata (Bryce Dallas Howard) e um bom e velho Tyrannosaurusrex. O primeiro filme Jurassic Psark de 1993 é dirigido por Steven Spielberg, encantou as plateias. Os filmes seguintes, de 1997 e 2001 - dirigidos por Spielberg e Joe Johnston, respctivamente - já não tinham a surpresa e sética, então dependiam mais de seus roteiros. E estes eram bem fraquinhos - o terceiro é sofrível. Agora, os efeitos visuais a disposição do diretor são mais incríveis, e a trama funciona bem demais. A franquia renasceu." (Thales de Menezes)

Um igual diferente.

''Não deve ser fácil para nenhum filme ser sequência de uma obra-prima como Jurassic Park - Parque dos Dinossauros, e toda a história do cinema já serve para provar isso. Depois de dois filmes fracos (o terceiro é muito pior do que eu lembrava), não é a toa que o mundo olhou torto para este Jurassic World. Quando o primeiro trailer foi lançado, trouxe dinossauros modificados geneticamente, um parque imenso e situações familiares, além de um protagonista pilotando uma moto floresta a dentro com raptors o acompanhando como mascotes. Mas que porra era aquela? De alguma maneira, o filme foi lançado e já é um sucesso comercial até o momento em que este texto é escrito; já bateu os 200 milhões de dólares apenas nos EUA. Mais uma vez, não ao acaso: diferente e ao mesmo tempo uma cópia do original (isso será desenvolvido), Jurassic World é um filme bastante competente e bom, mas de ação. Esqueça o status quo de arte que o primeiro alcançou. O que interessa em Jurassic World é a ação pura e desenfreada, sem perder tempo com nuances ou desenvolvimento mais aprofundado. Isso acaba sendo um reflexo de sua geração, ansiosa, direto ao ponto, que mal respira ou pensa antes de agir, e também funcionando como uma apresentação da franquia a este novo público. Se antes os filmes começavam com um acidente, esse já começa com o nascimento de raptors – famosa sequência do primeiro filme, mas sem o mesmo esmero. Não há tempo a perder. Como o próprio plot diz, as pessoas não se impressionam mais por dinossauros e o parque precisa de algo novo e maior para continuar atraindo público; assim como o cinema e suas continuações. Ficção e realidade andam lado a lado e, quando lançado, em 1993, Jurassic Park impressionou pela sua tecnologia e pelo realismo dos dinossauros. Ainda que a técnica usada continue funcionando (simplesmente não envelhece!), dinossauros há muitos anos deixaram de ser bonecos em stop motion mal feitos de filme B e se tornaram comuns para uma geração difícil de impressionar. Com isso, vieram os “modificados geneticamente”, ainda mais perigosos e letais do que os seus irmãos naturais (os originais já utilizavam DNAs de terceiros). É óbvio que um bicho tão inteligente e de instinto tão assassino assim criado em laboratório ficará solto e mais uma vez aterrorizará um parque que vinha funcionando normalmente e muito bem (no filme, desde 2005), senão não haveria história. Mas não acredito que seja apenas isso que está agradando o público em geral. Jurassic World decidiu abandonar os convencionalismos de uma Hollywood politicamente correta, que abusava da censura para deixar os filmes (cada vez mais caros) acessíveis a um público maior (baixando os PGs e teoricamente faturando mais), trazendo a violência, ainda que não exagerada, muito mais palpável e visível ao público. O sangue escorre mesmo, espirra em vidros, os bichos aparecem devorando com vontade suas vítimas e até mesmo mulheres podem morrer (primeira vez na série) diante de feras que apenas seguem seus instintos pré-históricos. O resultado? Este enorme sucesso, o que certamente influenciará demais blockbusters daqui para frente. Isso me lembra mais ou menos a época da contra cultura americana, com filmes crus e experimentais que surgiram em meados dos anos 70 e salvaram Hollywood de seu elitismo previsível. Para afirmar essa decisão acertada de deixar tudo mais visceral (e errar ao apressar tudo), temos uma história recontada. É impossível não notar como o filme é praticamente uma refilmagem do original contada de maneira mais moderna, com atrações atualizadas e demais apetrechos futuristas para agradar a um público fanático por tecnologia. Há os dois irmãos em perigo, há a recriação da cena deles expostos ao maior perigo do parque em um veículo fechado e teoricamente seguro, há a tensão constante entre um casal, há o excesso de confiança da organização do parque, o funcionário que acaba ajudando o caos e até mesmo uma atualização na história, com pessoas interessadas de forma militar nos dinos. É coisa para caramba. Ou seja, a história que funcionou em 1993 continua funcionando apenas com uma repaginada que muita gente não vai nem perceber, ainda que a narrativa seja totalmente posta de lado nesse meio do caminho. Há uma subtrama totalmente desnecessária dos pais dos meninos, o relacionamento com a tia é mal desenvolvido e até mesmo o T-Rex é sub aproveitado. Só que a ação é de primeira, conseguimos entender tudo o que está em tela (algo raro) e a química entre os personagens funciona. Os dinossauros realmente impõem medo, a tensão é constante e isso é um acerto em cheio com o público em geral que vai ao cinema buscando uma experiência. Filmes de ação precisam de vilões fortes para funcionar e isso Jurassic World tem de sobra. É natural que os clássicos protagonistas dos filmes anteriores não estejam nesse, afinal, apesar de ser um reboot e isso necessariamente implicar em um elenco novo, o filme respeita – e muito – a obra original, sendo uma sequência direta dele e, considerando tudo o que foi visto até aqui na franquia, é óbvio que eles não pisariam de novo nessa ilha por nada nesse mundo. Claro que poderiam ir forçados, mas isso já foi o plot de Jurassic Park III, então eles não poderiam repetir. O único personagem que está de volta é o Dr. Henry Wu, que faz o link tecnológico e científico entre as obras. Pequenas e pontuais homenagens acontecem a todo o momento (e farão quem é fã da obra clássica se emocionar, principalmente com as citações a John Hammond, personagem de Richard Attenborough, falecido em 2014), mas não dá para negar que esse elenco novo, mesmo que não tenha a mesma química, funciona muito bem. Chris Pratt é o nome do momento e um belo representante dos carros chefes de filmes de ação, que de uns anos para cá estavam com poucos nomes de peso para substituir The Rock e Jason Statham, que começam a envelhecer depois de representarem o gênero nos anos 2000. O cara é carismático, bom ator, divertido e daqui para frente o veremos bastante em tela. Já Bryce Dallas Howard é outra a representar uma nova geração de mulheres mais fortes, de cabelos ruivos cortados de forma simetricamente perfeita, disposta a correr de dinossauros em cima de salto alto sem perder a pose – símbolo da mistureba louca e sem freio de mão que é esse Jurassic World, um filme que assume o espetáculo e se orgulha disso. Deixando uma óbvia ponta para sequências, não tem o mesmo requinte que o original, mas ao ser extremamente divertido e dialogar tão bem com sua geração, este Jurassic World traz a franquia de volta à evidência e os holofotes para animais que tinham sido extintos mais uma vez." (Rodrigo Cunha)

Universal Pictures
Amblin Entertainment
Legendary Pictures
China Film Co.

Diretor: Colin Trevorrow

288.984 users / 141.285 face

49 Metacritic

Date 13/10/2015 Poster - ###

[Mov 08 IMDB 5,1/10] {Video}

JADE

(Jade, 1995)

TAG WILLIAM FRIEDKIN

{excitante}

Sinopse
''Quando o milionário Kyle Medford (Ron Ulstad) é morto o promotor David Corelli (David Caruso), a psicóloga Trina Gavin (Linda Fiorentino) e o advogado Matt Gavin (Chazz Palminteri) se vêem presos numa teia de poder, paixão e mentiras. A principal suspeita, Trina, já se envolvera com Corelli e se casou com Matt, o melhor amigo dele. Para evitar que a verdade surja outras mortes ocorrem num curto espaço de tempo, pois até o governador Lew Edwards (Richard Crenna) foi fotografado fazendo sexo com Patrice Jacinto (Angie Everhart), uma prostituta. As fotos estavam no cofre de Kyle, mas talvez a solução esteja numa coleção de pêlos pubianos que ele tinha, mais exatamente numa parte desta coleção guardada num recipiente de prata, com pêlos pubianos e um caracter chinês cujo significado era Jade.''

Paramount Pictures

Diretor: William Friedkin

8.848 users / 344 face

Date 31/10/2015 Poster - ########

[Mov 07 IMDB 5,6/10] {Video/@@@@@} M/66

JIMI - TUDO AO MEU FAVOR (unofficial)

(Jimi - All Is By My Side, 2013)

TAG JOHN RIDLEY

{simpático}

Sinopse

''O filme foca no período em que Jimi Hendrix (Andre Benjamin) iniciou sua carreira como guitarrista de apoio em clubes de Nova York. Ele é descoberto por Linda Keith (Imogen Poots), uma modelo apaixonada por música que na época namorava o guitarrista Keith Richards (Ashley Charles). Ela acredita no potencial de Hendrix e o convence a se mudar para Londres e gravar um disco, que seria o clássico “Are you Experienced”, com a banda Jimi Hendrix Experience.''

"Uma exposição sobre Jimi Hendrix, com roupas, guitarras, manuscritos e outros trecos ligados ao maior guitarrista da história do rock. A mostra no Shopping JK é uma bela homenagem. Não é possível dizer o mesmo dessa biografia que traz no papel de Hendrix o cantor Andre Benjamin, o Andre 3000 do grupo rap pop Outkast. Centrada na passagem do guitarrista por Londres, quando despontou para a fama, é um filme apenas correto, para quem ainda não conhece Hendrix." (Thales de Menezes)

Darko Entertainment
Freeman Film
Subotica Entertainment
Irish Film Board
Matador Pictures
AIBMS

Diretor: John Ridley

3.351 users / 5.472 face

Soundtrack Rock

Yellowbirds / The Seeds / Steve Winwood / The Creation / The Small Faces / Pentangle / Savoy Brown / The Yardbirds / Bob Dylan / The Animals / The Shadows of Knight /
Bob Dylan

27 metacritic

Date 01/11/2015 Poster - ##########

[Mov 04 IMDB 6,6/10] {Video/@@} M/56

JOY - O NOME DO SUCESSO

(Joy, 2015)

TAG DAVID O RUSSELL

{esquecível}

Sinopse

''A inventora Joy Mangano (Jennifer Lawrence) é uma mãe solteira com 3 filhos, cheia de ideias criativas na cabeça. A sua primeira criação revoluciona o mercado com o Miracle Mop, um esfregão feito com um tecido propício para ser torcido, sem a pessoa molhar as mãos. A partir dessa invenção, ela constrói seu negócio milionário.''

"Joy é uma evidência forte da regularidade de Russell. Seus filmes começam a parecer todos iguais, inclusive elenco, mas Lawrence simplesmente "funciona" com esse diretor. Aqui consegue-se extrair uma linda história a partir da ideia de um esfregão (!!!)." (Alexandre Koball)

"Curioso que a melhor performance de Lawrence em sua fiel parceria com o diretor David O. Russell seja também seu trabalho menos consistente: caricato, meio liberto demais em sua narrativa e simplesmente desinteressante. Vale pela personalidade feminina." (Rodrigo Cunha)

"O. Russell constrói um filme irregular em seu tom, com personagens caricatos e certa inconsistência narrativa (personagens mudam e coisas acontecem sem base para isso). Tem seus momentos, e Lawrence é sempre ótima, mas deixa muito a desejar." (Silvio Pilau)

"Dois encantos que pareciam impossíveis são desfeitos: Russell entrega um filme pior que 'Trapaça', e Jennifer Lawrence entrega enfim uma interpretação a altura da revelação 'Inverno da Alma', o que não ajuda muito esse samba desandado." (Francisco Carbone

"Um pouquinho de Capra, um pouquinho de Welles, uma mistureba de O. Russel... honestamente, gostei desse filme mais do que gostaria de admitir." (Guilherme Spada)

{Você é como um vazamento de gás. Ninguém te vê, ninguém sente o seu cheiro, mas você está silenciosamente matando todos nós} (ESKS)

***
"O time é o mesmo do grande estouro O Lado Bom da Vida: o diretor David O. Russell e os atores Bradley Cooper, Robert De Nero e Jennifer Lawrence (que levou um Oscar de melhor atriz naquele ano. "Joy - O Nome do Sucesso" pode não ter repetido o mesmo sucesso, mas pernde o espectador no sofá ao contar a improvável história de uma garota tentando vencer no mundo dos negócios, contra o ceticismo de todos, inclusive sua família. O filme tem diversão, inteligência e a sempre ótima Jennifer. Já basta.'' (Thales de Menezes)

''Joy - O Nome do Sucesso" parece uma versão modernizada da história da Cinderela, em que no lugar de um príncipe encantado a mocinha vai atrás de seu próprio negócio. O subtítulo em português (O Nome do Sucesso) não procura disfarçar isso. A trama é baseada na vida real da inventora de um esfregão que saiu do nada, passou por algumas dificuldades e triunfou no final. Mais esquemático impossível. Quem a interpreta é Jennifer Lawrence, e o papel já lhe rendeu o Globo de Ouro e sua quarta indicação ao Oscar. A direção é de David O. Russell, o mesmo dos dois melhores filmes recentes da atriz, O Lado Bom da Vida e Trapaça, ambos com Bradley Cooper, que também está em "Joy", como Robert De Niro, que fez parte do elenco de "O Lado Bom da Vida". Completam o time duas atrizes de peso, que estão muito bem: Isabella Rossellini e Virginia Madsen. Atriz Jennifer Lawrence como a protagonista de Joy, inventora de um esfregão que se torna dona de um grande negócio. Mas o parágrafo inicial é um resumo muito mal-humorado. "Joy" é mais do que isso. Como nos filmes anteriores de Russell, traz uma mistura de estilos que desafia os gêneros clássicos do cinema, além de algumas de suas marcas: uma família confusa, barulhenta e que mais puxa o tapete do que traz conforto aos seus membros; músicas bem escolhidas; cenas surpreendentes; e ótimos diálogos. Uma das minhas falas favoritas é do pai da mocinha, personagem de De Niro: ele volta para casa, devolvido por sua nova mulher, e é criticado pela ex, interpretada por Virginia Madsen, que vive na cama assistindo a telenovelas. Retruca, irritado: Você é como um vazamento de gás. Ninguém te vê, ninguém sente o seu cheiro, mas você está silenciosamente matando todos nós. Joy é a filha mais nova e mora na casa da família depois que seu próprio casamento acabou. Tem dois filhos pequenos, seu ex-marido é um cantor sem trabalho que mora no porão, lugar que passa a dividir com o ex-sogro. Tem uma meia-irmã que a odeia, e sua avó, que a adorava e acreditava nela, já morreu. Ela teve que abandonar a faculdade para ajudar na contabilidade do negócio do pai quando ele e sua mãe se divorciaram. Dentro de casa ela já é uma matriarca, é quem conserta, limpa, cozinha e organiza a vida de um bando de crianças narcisistas – sejam elas crianças de verdade, caso de seus dois filhos pequenos, sejam seus pais, seu ex-marido e sua irmã. Assim como explora Joy, a única com a cabeça no lugar, a família espera que ela tenha uma ideia brilhante de como melhorar a vida. E, quando acontece de ela criar o tal esfregão revolucionário, todo mundo entra no negócio. E recruta amigos. No caminho, Joy se associa a uma empresa de trapaceiros que quer roubar seu modelo, vai à falência e se ergue com trabalho e esperteza. O sonho americano, sem tirar nem por. Deve ter poucas versões de Cinderela menos sexy do que essa. O único beijo do filme é do pai dela com a namorada que ele conhece na internet. Ela é uma viúva milionária, excêntrica e divertida vivida por Isabella Rossellini. Nem a chegada de Bradley Cooper, como um executivo que coloca Joy para vender seu produto na TV, faz gerar uma faísca para a protagonista. Mas não importa se essa gata borralheira não quer romance, o filme é bom de ver, ainda que fique em último lugar se comparado com os dois anteriores desse trio." (Tete Ribeiro)

O (problemático) filme motivacional da vez.

''Hollywood se consolidou através de mais de um século de cinema se valendo não só de uma diversidade de modalidades e ambientações para explorar narrativas - com a ideia do filme de gênero sendo cultivada desde a mais tenra idade da indústria cinematográfica -, mas também se especializando em contar histórias que dialogassem com as novas relações sociais que surgiram ao longo do século vinte.
Uma das principais modalidades que atraíram o grande público que se formava à época - a população de grandes metrópoles, predominantemente industrial, fidelizada a partir das feiras de atrações - foi o melodrama de pioneiros de D. W. Griffith, tirando do romance burguês a ideia de organizar as histórias centradas no desenvolvimento de conflitos pessoais de seus protagonistas, utilizando de progressão psicológica e emocional em suas narrativas individualistas. As temáticas invariavelmente abordam costumes e contextos sociais que afetam diretamente seus protagonistas, que têm de enfrentar um calvário para atingir a catarse. ''Joy: O Nome do Sucesso'', novo fruto da parceria entre o cineasta David O. Rusell e a atriz Jeniffer Lawrence, serve de maneira quase didática para mostrar como o melodrama atravessou os tempos como um formato tão popular de se contar uma história e a força da “cartilha” do melodrama norte-americano, um conjunto de construções dramatúrgicas e imagéticas típicas. É o que define o gênero cinematográfico como um horizonte de expectativas - as possibilidades já esperadas por quem já viu mais de uma obra destinada ao mesmo filão. E a história da empreendedora de sucesso Joy Mangano tem todos essas possibilidades esperadas para se narrar algo nesse modelo - mãe, trabalhadora, dona de casa, divorciada, cheia de sonhos e vinda de uma família disfuncional - que ironicamente o próprio Russell inicia seu filme recriando uma típica novela soap opera dos EUA. Vemos três atores em preto e branco conversando em tom exagerando, declamando revelações bombásticas acompanhadas de música dramática. Esse início paródico que poderia ser quase um comentário não só à televisão americana, mas também aos próprios estúdios de cinema que encomendam muitos filmes do tipo todos os anos - a maioria fadada a parecer demais entre si - parece logo se desfazer. A paródia do início é quase um prenúncio (ou como é nomeado tal mecanismo narrativo, foreshadowing) do que está por vir. Sim, porque a cinebiografia em questão frequentemente é exagerada, sofrendo de um drama de mão pesada, frequentemente fora de controle - os personagens constantemente gritam, choram, esperneiam e têm suas cenas guiadas por música, reconstruindo frequentemente o que vimos nos primeiros minutos, sob a perspectiva da classe média-baixa americana. Pouco sutil, a execução do filme também enche seus personagens de diálogos explicativos e pouco naturais, além de administrar de maneira artificial os desenlaces da trama. Alguns recursos e momentos podem exemplificar o que foi afirmado acima. O filme é narrado pela avó de Joy, que sempre vê a neta com bons olhos e deposita a confiança na protagonista quando a mesma tem a ideia que mudaria tudo: pedindo dinheiro emprestado da namorada do pai, desenvolve um esfregão que torce sozinho - com a maior dificuldade sendo vender o produto na televisão. A narradora em voz off sempre ressalta as características positivas da protagonista, podendo ser vista dentro de quadro frequentemente ao fundo da cena, reagindo às vitórias e derrotas da figura central. E há o contraponto a essa figura, o pai de Joy, interpretado por Robert de Niro, homem amargo e explosivo conformado com a pequena oficina que possui e que vive de encontro às cegas com mulheres de sua idade. Frequentemente arrasando com a filha na frente de outros, completa com a avó os dois personagens que mais exercem a clássica figura do coadjuvante no melodrama: o observador. O melodrama forma o tempo todo triângulos de protagonista, antagonista e a figura de fora, que sempre sentencia o julgamento do espectador sobre o conflito e as ações, comenta sobre o que a cena se trata, e como é um personagem menos desenvolvido, é nossa forma mais fácil de imergir na história, já que temos um ponto de referência e identificação. Mas da forma como é dirigida no filme, os personagens parecem mais simples mecanismos de narrativa do que elementos integrantes de uma narração. Usados como mecanismos narrativos, as ações (tanto ativas como passivas) desses personagens são os caminhos ou as muletas para fazer render a saga de Joy em levar o seu produto à televisão. Quando Joy não consegue algo, uma alma caridosa estará lá para tomar uma atitude empática e construtiva. Quando consegue, os vampiros emocionais de sua família irão surgir para inserir mais obstáculos no caminho. Preso nisso, o filme pouco consegue aproveitar seus momentos positivos - o personagem da mãe, fonte de comicidade, tinha grande potencial para tornar o filme um grande comentário sobre a cultura de massa e sua relação com desejo de uma vida emponderada e a concretude de ter que lutar por isso (quando o faz em pouquíssimas vezes, o filme tende a crescer). Além da filha, a mãe de início caricatural é uma das poucas com missões e questões próprias, além do produtor televisivo que mostra a verdade para a protagonista por trás da vida de sonhos vendida na televisão - como um espelho da mãe, mostra como é difícil vender uma vida fácil para pessoas que nem a genitora de Joy, que aprende aos poucos a desligar-se da ilusão de realidade para lidar com questões pessoais. Mas fora isso, todos os outros orbitam e são subordinados à personagem de Lawrence. Em um terceiro ato especialmente ruim, Joy se alonga de forma desnecessária; a questão dos manufaturadores dos esfregões volta de forma abrupta onde o filme já se encaminhava para um desenlace, esquecida há dezenas de minutos pelo roteiro - que então se preocupava com o início da carreira de vendedora televisiva de Joy Mangano, interrompendo esse arco para voltar a uma questão antiga, imputar de forma inesperada o maior desafio do filme e finalmente, resolver de maneira apressada e descomplicada o que seria o clímax. Não há nada de Deus ex machina, a tal solução mirabolante que resolve os filmes; da maneira tão simplista que surge, o filme parece precisar acabar sem poder - ou fazer questão - de aprofundar a luta de seu terceiro ato. Ele surge e se resolve, e é basicamente isso. Mas Joy não deixa de ter questões interessantes, ainda que mal aproveitadas. A mídia que consumimos como um mecanismo tanto de alienação quanto de libertação da vida cotidiana é abordada de maneira problemática, na velha história do underdog, ou azarão, personagem típico de muitas histórias que aprendemos a gostar de ver sofrer para que então possa ascender, acompanhado de muita música que dá o tom do que devemos sentir - feliz, triste, perigosa - e composições visuais que aprendemos a reconhecer tão bem quanto a música - as imagens de arquivo com câmera manual, os flashbacks com fotografia suave, os travellings deslizantes em sequências musicadas… Sempre com um efeito específico intentado, nos sugerindo de maneira pouco criativa o afeto que criaremos com o momento em si. Essa abordagem é problemática por ser esquemática, de conceder a noção de anteceder os fatos de uma maneira que soa repetitiva, pouco vigorosa, dando o nó final de maneira bastante sem fôlego, basicamente parando de contar em cima do ponto onde tudo se resolve. Sim, muitos outros filmes tentaram isso, e aí que o filme pouco faz para elevar-se acima dos outros. Não trazer novidades, como se o espectador funcionasse quase como “programado” por uma estratégia que sempre o levará ao mesmo caminho. Nós já vimos Joy antes, com outros nomes, outras caras, outros motes - e esse é o problema: já vimos até demais.'' (Bernardo D.I. Brum)

''Joy, novo filme do cineasta David O. Russell, começa com uma cena de novela - uma daquelas produzidas pela tevê norte-americana e que, exibidas durante o dia, conseguem ser mais artificiais e absurdas do que suas primas mexicanas. E é assim, exibindo atores sem talento claramente lendo suas falas em cartazes fora de quadro, que o diretor indica ao espectador a abordagem narrativa que adotará no longa: a de uma fábula novelesca. Tangencialmente baseado na vida da empresária Joy Mangano (produtora executiva do projeto, diga-se de passagem), o roteiro do próprio realizador se concentra na vida da personagem-título (Lawrence), que, pobre e responsável por cuidar da mãe (Madsen), de dois filhos pequenos, do ex-marido (Ramírez), do pai (De Niro) e da avó (Ladd), acaba por inventar um novo tipo de esfregão, tornando-se sucesso em um canal de televendas. Não é, obviamente, a mais promissora das histórias, mas qualquer artista talentoso pode encontrar drama na mais tola das premissas – e é provavelmente por saber que precisaria conferir interesse a uma trama rasa que O. Russell faz uma aposta malsucedida ao adotar estrutura, tom e ritmo completamente equivocados. Para começar, há a auto importância do projeto, que abre com uma dedicatória às inúmeras mulheres que triunfaram diante de grandes adversidades. Ora, num ano marcado por uma importante valorização das causas feministas na política, na sociedade e nas artes, a promessa de um longa inspirado por uma mulher forte e sua natureza perseverante é admirável – o que apenas torna a realidade do filme em si ainda mais decepcionante, já que não só se concentra na comercialização de um símbolo da submissão feminina ao patriarcado (o esfregão) como emprega, como estratégia narrativa, a emulação das mesmas novelas que ao longo das décadas se tornaram (até mesmo por preconceito e elitismo) símbolos do entretenimento raso concebido primordialmente para mulheres. Em outras palavras: Joy pode ter boas intenções, mas não a sensibilidade necessária para realizá-las. Habitado por caricaturas criadas exclusivamente para transformar em pesadelo a vida da heroína, o longa prende a garota a uma mãe que praticamente não se levanta da cama, passando todo o dia assistindo a (claro) novelas; a um pai pouco sensível às suas necessidades e ambições; a um ex-marido que, mesmo amável, exibe uma dependência pouco saudável e a uma meia-irmã (Röhm) repleta de ressentimentos e inveja. De forma similar, a estética perseguida pelo cineasta e pelo diretor de fotografia Linus Sandgren remete propositalmente à artificialidade das novelas, apelando para zooms ridiculamente dramáticos, grandes angulares que distorcem o universo da protagonista e cortes que revelam, em close, os rostos dos personagens que a reprimem. Neste sentido, a lógica e a construção cuidadosa dos eventos é o que menos importa: de um momento para outro, o ex-marido de Joy surge com uma namorada antipática que imediatamente a humilha; uma encomenda de 50 mil esfregões para a semana seguinte é fabricada sem que compreendamos como uma empresa minúscula daria conta de uma demanda súbita tão grande; e personagens que num instante parecem apoiar a personagem-título subitamente passam a hostilizá-la ou a sabotá-la. Sutileza, claro, é o que menos importa, culminando num diálogo do pai interpretado por Robert De Niro que soa embaraçoso de tão artificial em seu propósito de inspirar a compaixão do espectador pela filha: Eu dei a ela confiança para achar que era mais do que uma dona de casa desempregada vendendo bagulhos de plástico para outras donas de casa desempregadas num canal a cabo barato. (...) Eu a fiz pensar que ela era mais do que era na verdade. Faltaram apenas a risada maligna e a torcida no bigode. (E que De Niro tente vender o momento como um esforço de empatia por parte de seu personagem é prova de seu brilhantismo como ator, mesmo falhando.) Aliás, ainda que a lógica narrativa do diretor funcionasse (e repito: não funciona), a falta de coesão ao aplicá-la acabaria por comprometê-la. Percebam, por exemplo, como O. Russell constrói o longa visualmente para representar o ponto de vista de Joy (os momentos dramáticos são levemente distorcidos pelas grandes angulares e o posicionamento da câmera frequentemente chega quase à subjetividade total), abandonando esta abordagem subitamente quando o personagem de Bradley Cooper é apresentado, quando, então, o cineasta demora a enfocar seu rosto (já visto por Joy) apenas para aumentar o impacto da “revelação” de que se trata do ator que já viveu pares românticos com Jennifer Lawrence em outras ocasiões. Como se não bastasse, a narração em off feita pela avó vivida por Diane Ladd não só é dispensável como acaba se estabelecendo como um truque barato para provocar um draminha que a relação mal construída entre avó e neta não conseguiria evocar. Por outro lado, a sequência que introduz os bastidores do canal de televendas dirigido por Neil Walker (Cooper) é dinâmica e interessante, estabelecendo-se como o único momento de energia da projeção. Impossibilitada pelo péssimo roteiro de construir uma personagem minimamente coerente, Jennifer Lawrence – que, de imediato, já seria jovem demais para o papel (equívoco similar ao cometido em Trapaça) – fica presa às necessidades imediatas de cada cena, mudando sua composição bruscamente de um momento para outro: aqui, é uma jovem insegura; ali, uma adulta capaz de enfrentar qualquer um (e não, não há transição orgânica que sugira amadurecimento). Assim, ela salta do papel de mulher perdida e derrotada ao de advogada autodidata praticamente entre duas cenas, surgindo inexplicavelmente com óculos que não usara até então e que supostamente servem apenas para conferir ar de inteligência à jovem. E se isto já seria suficientemente sexista (além de envolver um estereótipo ridículo), a coisa se torna ainda pior quando Joy, seguindo o maior dos clichês, ilustra sua decisão de enfrentar os problemas ao cortar o próprio cabelo diante do espelho, como se a eliminação das longas - e femininas - madeixas a tornasse mais forte. No entanto, talvez o tropeço mais irritante de Joy seja incluir uma sequência de pesadelo na qual a protagonista se enxerga dentro das novelas que a mãe costuma acompanhar, quando não só vê os parentes sob luz ameaçadora como ainda visita o velório de sua versão infantil (Simbolizando o sacrifício da promessa que representava quando criança, entenderam?, parece gritar o diretor). Ora, se o propósito de iniciar o longa com uma cena de novela era justamente o de indicar para o público a intenção do próprio longa de se apresentar como uma, o pesadelo – que obviamente busca ressaltar ainda mais a ideia – acaba anulando a estratégia: afinal, se o sonho é uma representação fabulesca da vida de Joy, isto transforma o filme em si... em quê? Numa representação novelesca que contém outras, como bonecas russas construídas por um autor que não compreende a própria intenção? Vindo de um realizador experiente como David O. Russell, isto é no mínimo decepcionante. Não, estou sendo caridoso demais: é um desastre completo." (Pablo Villaça)

88*2016 Oscar / 73*2016 Globo

Annapurna Pictures
Davis Entertainment
Fox 2000 Pictures
TSG Entertainment

Diretor: David O. Russell

44.346 users / 19.889 face

Soundtrack Rock

The Rolling Stones / Buffalo Springfield / Elvis Presley / Bruce Springsteen / The Bee Gees / Alabama Shakes / Cream

48 Metacritic 75 Down 23

Date 16/02/2016 Poster - ####

[Mov 07 IMDB 7,4/10] {Video/@@@} M/64

JUVENTUDE

(Youth, 2015)

TAG PAOLO SORRENTINO

{poético}

Sinopse

"Fred (Michael Caine) e Mick (Harvey Keitel), dois velhos amigos com quase 80 anos de idade cada, estão passando as férias em um luxuoso hotel. Fred é um compositor e maestro aposentado e Mick é um cineasta em atividade. Juntos, os dois passam a se recordar de suas paixões da infância e juventude. Enquanto Mick luta para finalizar o roteiro daquele que ele acha que será seu último grande filme, Fred não tem a mínima vontade de voltar à música. Entretanto, muita coisa pode mudar."

"Ainda que seja mais suportável que A Grande Beleza, Sorrentino entrega outro filme pretencioso cheio de manías bregas e irritantes que só é salvo pelo elenco que apesar de ser bom, não é muito bem aproveitado. Tem seus momentos interessantes, mas só." (Guilherme Spada)

Menos erudição e mais cinema.

''Mesmo com um carreira relativamente curta e, por enquanto, de apenas 6 longas-metragens, o nome de Paolo Sorrentino raramente deixou de constar nas mostras competitivas dos grandes festivais internacionais de cinema da última década. Ainda assim, foi apenas a partir do sucesso de A Grande Beleza que ele adquiriu o status artístico e o cacife financeiro suficiente para fazer o filme que lhe desse na telha. Toda esta liberdade criativa é materializada em imagens com ''A Juventude'', projeto que parte da história de dois idosos, um maestro aposentado e um cineasta em bloqueio criativo, para abordar, entre vários outros, o tema do envelhecimento e da proximidade da morte. Se de um lado a opção de Sorrentino pode parecer estranha e fácil demais (o roteiro guarda mais semelhanças com A Grande Beleza do que o recomendado e sua estrutura, ainda que sob o verniz de filme de arte, se serve da fórmula já conhecida do buddy-movie), de outro, há muita coisa a se admirar neste seu novo trabalho. Assim como fez nos últimos 20 anos, o maestro e compositor Fred Ballinger (Michael Caine) está passando suas férias num suntuoso spa aos pés dos alpes suíços. Já aposentado do seu ofício, mas ainda lembrado por seu legado musical, ele alterna seus dias entre a leitura do The Guardian, sessões de massagens, e passeios pelas alamedas e jardins locais. Mesmo com todas as pressões em sentido contrário, Ballinger nunca voltou atrás na sua decisão de se afastar do mundo das artes. A mais recente tentativa de convencê-lo a erguer novamente batuta vem de ninguém menos que a própria Rainha da Inglaterra, que, em homenagem ao marido aniversariante, pretende contar com Ballinger na condução e apresentação da sua composição mais conhecida, Simples Songs. Ao lado de Ballinger gravitam outros personagens, como sua filha e assistente Lena (Rachel Weisz), que acaba de ser trocada pelo noivo por uma cantora pop; seu amigo e cineasta Mick Boyle (Harvey Keitel), que, ao lado de outros jovens roteiristas, finaliza seu filme-testamento que será dedicado à sua musa Brenda More (Jane Fonda); e o ator Jimmy Tree (Paul Dano), que usa a paz proporcionada pelo spa como preparação para o seu próximo trabalho. Co-habitam o mesmo espaço outras figuras, como um guru espiritual que jura ser capaz de levitar, um ex-jogador de futebol (uma óbvia referência a Maradona), um casal que não troca nenhuma palavra durante o jantar, a miss universo, e um alpinista com feição de lenhador. É desse universo, ao mesmo tempo real e simbólico, que A Juventude extrai sua força – e também sua fraqueza. Talvez o que mais prejudique o resultado final seja a necessidade constante, quase obsessiva, de Sorrentino querer parecer mais erudito ou mais profundo do que realmente é. Já era possível notar nas suas obras anteriores esta busca pelo “grande tema” e pelo posicionamento com um homem afeito às “grandes artes”: As Conseqüências do Amor e O Amigo de Família eram comédias de costumes que apresentavam uma visão bastante irônica da sociedade italiana da primeira década do anos 2000, mas não deixavam de ser vôos rasantes. A partir de O Divo a coisa ficou mais séria, tanto na temática (a Itália passou a ser vista não a partir de crônicas inofensivas, mas sim pelo ponto de vista do crime organizado), quanto no estilo de filmagem (sua câmera se tornou muito mais inquieta, e travellings, panorâmicas, e outros recursos técnicos voltados a extrair o máximo de cada plano, viraram uma marca do diretor), o que lhe conferiu comparações com Martin Scorsese (de fato, a semelhança de O Divo com Os Bons Companheiros não é ao acaso). Para Sorrentino, no entanto, a aproximação com Scorsese não bastava e, em busca de algo mais “artístico”, ele encontrou no nome de Wim Wenders o que procurava. Daí surgiu Aqui é o Meu Lugar, seu primeiro longa falado em inglês, e claramente inspirado em Paris, Texas. Mas Wim Wenders ainda era insuficiente e Sorrentino se serviu das lições de Fellini, especialmente A Doce Vida e Roma de Fellini, para realizar A Grande Beleza, certamente seu trabalho de maior repercussão internacional e que o tornou conhecido além dos limites da Bota. Finalmente, A Juventude ainda bebe na fonte de Fellini (desta vez em 8 ½), mas suas referências vão além, em particular na escrita de Thomas Mann (a ambientação no spa remete a A Montanha Mágica e Morte em Veneza) e no cinema de Luchino Visconti (o tema da decadência e da busca pelo belo). Toda esta influência de Sorrentino na alta cultura é bem vinda. É evidente que ela enriquece e acrescenta novas camadas aos seus filmes, que revelam novos tesouros a cada revisão. Mas quando esta erudição se excede e atravanca o ritmo e proposta geral da obra, o caldo começa a entornar. Esse sintoma já era perceptível em A Grande Beleza, que parecia querer alçar vôos mais altos do que a obra era capaz de sustentar. No final das contas, o saldo era positivo muito por causa do seu protagonista Jep Gambardella, cujo visão cínica e desesperançada da vida contribui para atenuar o peso e as pretensões do filme. Já em ''A Juventude'', essas referências mais atrapalham do que ajudam. Sorrentino constrói cada cena como se fosse um clímax. Há uma busca constante pela epifania. Os diálogos trazem verdades absolutas sobre a vida, amor, relacionamento entre pais e filhos, envelhecimento, arrependimento e tantos outros temas. A rigidez e o desânimo de Ballinger e Mick perante à vida, que se contrapõe à acidez de Gambardella, acentua o tom de auto-ajuda e de lição de moral. Além disso, os assuntos não são costurados de forma orgânica dentro da narrativa, o que, a certa altura, torna o filme episódico e esquemático. Além de não dar conta de tanta ambição, Sorrentino perde um tempo precioso com subtramas que, a rigor, não levam a lugar nenhum ou não são devidamente exploradas. Um exemplo é a figura do guru que passa o filme inteiro em busca da elevação espiritual. A desconfiança que Ballinger demonstra com a efetividade daquela reza indica que o roteiro guarda uma função para aquele personagem, mas que ao final não se confirma. Por sua vez, a referência a Maradona, não se conecta à história em nenhum momento. Há também o ressentimento de Lena com pai, acusado de sempre priorizar a música em detrimento da família, que é esquecido tão logo vem à tona. Outro pequeno plot que não atinge todo o seu potencial é a recordação de uma disputa amorosa ocorrida na adolescência dos protagonistas. Mesmo as críticas ao mundo das celebridades, simbolizado nos clipes da cantora Paloma Faith, que interpreta a si própria, e ao cinema, cada vez menos inteligente que a televisão, parecem pertencer a outro filme. Apesar dos pesares, ''A Juventude'' funciona em vários outros aspectos. De cara, já se percebe a fina ironia do título. Sorrentino aborda o envelhecimento e a proximidade da morte justamente pelo caminho inverso: a busca pela juventude, entendida esta não como um valor necessariamente atrelado à idade cronológica dos personagens, mas sim de entusiasmo pela vida. Mais que sessões de massagem, horas a fio em saunas a vapor, e refeições saudáveis, os hóspedes do spa querem reencontrar a alegria de viver perdida em algum momento do passado e por circunstâncias variadas. Em certo sentido, todos ali são mortos-vivos, zumbis em vida, que anseiam pelo fim do estado vegetativo invisível e inconsciente que impedem seus movimentos de soltura. Ballinger, por exemplo, não encontra mais motivação para voltar ao mundo da música, e nem um convite da Rainha é capaz de demovê-lo desta decisão. Sua apatia é visível. A interação com outras pessoas é menos interessante do que com os animais do spa, com quem ele simula uma regência imaginária. Mick, por sua vez, enquanto procura o final perfeito para o seu mais recente filme, lamenta o amor não correspondido por sua musa das telas. Lena vaga aos prantos pelo hotel em busca de uma resposta para o inesperado e abruto fim do seu noivado. E Jimmy Tree, um verdadeiro poço de ressentimento por não ser reconhecido pelos fãs por seus papeis mais importantes, se vê num dilema ético em relação ao seu próximo personagem. A redenção destes personagens virá da percepção individual de que um movimento precisa ser feito, de dentro para fora (como o médico de Ballinger diz: Sabe o que você encontrará fora do spa? A juventude!), literalmente um pulo no vazio, até mesmo sem corda se necessário. O excesso de temas que o filme pretende abraçar, de fato, joga contra o filme, mas essa rica camada psicológica equilibra as coisas, e A Juventude fica com crédito na praça. Sorrentino costuma ser chamado por seus críticos mais ferozes de maneirista e exibicionista, tal a sofisticação (frescura para alguns) dos seus planos. Não compartilho desta opinião. Ante disso, vejo um estilo bastante pessoal, uma plasticidade, e um aproveitamento do espaço cinematográfico bastante raro nos dias de hoje. Há várias belas cenas para se admirar: o primeiro diálogo entre Ballinger e o oficial de cerimônias do palácio real, em que Sorrentino vai expandindo o ângulo dos planos e a geografia da sequência revela outros participantes passivos até ocultos da conversa); a contraposição das mesas de massagem, que simbolizam o desequilíbrio da relação entre pai e filha logo após algumas delicadas revelações do passado virem à tona; a longa e interessante troca de idéias entre Ballinger e Jimmy, que se encerra no exato momento em que os atores desaparecem por trás das árvores; a confrontação imaginária entre Mick e os personagens femininos que ele mesmo criou. ''A Juventude'' pode até não dar conta de todas as idéias tratadas nestas passagens, mas a beleza e a elegância da encenação não deixam dúvidas. Sorrentino é, sim, um cineasta diferenciado. O elenco é dos mais afiados. Michael Caine volta a ter um personagem à sua altura e, com um atuação calculadamente minimalista, ele nos lembra o quanto é bom. Harvey Keitel encara um papel mais próximo de O Piano do que as parcerias com Scorsese ou Ferrara, e se sai muito bem, no mesmo nível de Caine. Weisz defende um personagem ingrato, mas o seu belo monólogo na sala de massagem mostra que ela também é fera. Paul Dano, numa pegada mais indie, prova que precisa ser mais reconhecido do grande público. E a felliniana Jane Fonda, mesmo com pouco mais de 5 minutos em cena, como sempre deixa sua marca (chegou a ser indicada ao Globo de Ouro de Melhor Atriz Coadjuvante pelo papel). De certa forma, ''A Juventude'' pode ser visto como uma extensão de A Grande Beleza, já que os pontos de contato, temáticos e estilísticos, são muitos. Ainda que a sensação de deja vu incomode um pouco, esse não é o grande problema da obra de Sorrentino. A Juventude sofre, sim, de uma obsessão de querer parecer importante, de ditar regras e frases feitas, de explicar os grandes segredos da humanidade, enfim, de tentar ser mais profundo do que realmente é. Tivesse focado apenas no cinema, o resultado certamente seria mais satisfatório. Às vezes, menos é mais." (Régis Trigo)

{Você aprende algo, fica feliz e esquece de frear} (ESKS)

''A reação do público das premières mundiais em Cannes nunca serve de parâmetro para a Palma de Ouro, concedida por um júri neste ano liderado pelos irmãos Joel e Ethan Coen. Mas a intensidade da recepção a "Juventude", novo filme do italiano Paolo Sorrentino, indica que este será o filme "amo ou odeio" da 68ª edição do festival: aplausos e gritos de bravo foram rebatidos com a mesma intensidade por sonoras vaias ao drama. Mas não conte com o longa fora da disputa. Sorrentino está acostumado a reviravoltas. Há dois anos, o ganhador do prêmio do júri por Il Divo apresentou em Cannes seu A Grande Beleza. Apesar de ser uma aposta para a Palma de Ouro, não levou nada em 2013. Meses depois, o diretor deu o troco ao ganhar o Oscar de filme estrangeiro. Mas "Juventude" tem uma tarefa complicada pela frente. Faltando três dias para o fim do festival, cinco filmes são candidatos sérios ao prêmio em Cannes: o chinês Mountains May Depart, de Jia Zhangke; o húngaro Saul Fia, de László Nemes; Carol, do americano Todd Haynes; o grego The Lobster, de Yorgos Lanthimos; e o norueguês Louder Than Bombs, de Joachim Trier. E não seria nenhuma surpresa se "Juventude" levasse o prêmio de melhor ator. Michael Caine entrega uma interpretação fragilizada como poucos vimos em sua carreira no papel de Fred Ballinger, velho e genial maestro que se aposentou e passa os dias em um retiro na Suíça, supostamente fazendo um check-up. Na minha idade, ficar em forma é um desperdício de tempo", diz ele, traduzindo a melhor ideia do filme: lidar com a chegada da velhice inevitável sem perder a energia. A única alternativa a interpretar idosos é fazer o papel de pessoas mortas", brincou Caine após a exibição do filme. Prefiro os idosos. O ator de 83 anos, galã nos anos 1960 e ganhador de dois Oscar de ator coadjuvante por Hannah e Suas Irmão e Regras da Vida, diz que notou sua nova condição quando um executivo mandou um roteiro, anos atrás, e Caine recusou achando que o papel era pequeno. O produtor falou: Não quero que você leia o amante e, sim, o pai. Então, percebi que não conquistaria mais a garota [nos filmes], disse. Acompanhando Caine em sua recuperação suíça, Harvey Keitel (Cães de Aluguel) faz um diretor de cinema que tenta se manter na ativa – mesmo quando leva um choque de realidade de uma diva interpretada por Jane Fonda. A passagem do tempo é uma das poucas coisas que me interessam. Quero entender se podemos manter a mesma paixão da juventude com o passar da idade, por isso é um filme bastante otimista, disse Paolo Sorrentino. O problema de "Juventude" é o mesmo que transformou "A Grande Beleza" em um grande filme: a extravagância barroca do cineasta, que desvia muitas vezes da discussão sobre decadência mental e física acaba atropelando o lado emocional do filme. O protagonista se nega a conduzir uma orquestra, mesmo a pedido da rainha da Inglaterra, enquanto lida com a filha insegura (Rachel Weisz). Mas os satélites que orbitam essa trama são inúmeros e caóticos: Paul Dano (Sangue Negro) faz um ator repleto de cinismo; há um ex-jogador de futebol gordo tentando recuperar a saúde (uma nova homenagem a Maradona, ídolo do diretor); e números musicais que parecem ensaios de moda para a Vogue, além de dezenas de jogos de câmera espertos. No fim, Caine e Keitel se deslumbram com uma Miss Universo (Madalina Ghenea) pelada na piscina. A imagem virou o pôster de "Juventude", mas não teve o efeito esperado no protagonista. "Nós dois velhos olhando para aquela linda garota sem roupas? Estamos olhando para algo que perdemos e nunca recuperaremos", divagou Caine. "É um pôster triste. Me fez chorar." (Rodrigo Salem)

****
''Começando pelo começo: é constrangedor, para não dizer vergonhoso, que uma distribuidora se disponha a lançar um filme, qualquer filme, em São Paulo sem promover uma projeção para a imprensa. Tanto pior se o filme for de Paolo Sorrentino, talvez o mais relevante diretor de sua geração na Itália, e se "Juventude" concorreu à Palma de Ouro e ao Oscar de filme em língua estrangeira. Em troca, o que recebemos foi a duvidosa honra de assistir ao filme via link da internet. O filme, em Cinemascope, não é visto em sua dimensão original, pois cortado nas laterais (há momentos em que dois personagens que conversam estão fora de quadro). O corte também atinge a dimensão vertical, de modo que temos um filme onde as cabeças estão não raro cortadas. Dito isto, aquilo que se consegue ver, estamos diante de um filme pelo menos decente, onde se trata de um maestro aposentado, Fred Ballinger (Michael Caine), atualmente retirado num hotel dos Alpes suíços, que recebe uma oferta da rainha da Inglaterra para reger uma música sua numa ocasião solene. Ballinger se nega. Diante da insistência dos emissários, alega motivos pessoais. Próximo dele estão sua filha Lena (Rachel Weisz) e o velho cineasta Mick Boyle (Harvey Keitel). Este, acompanhado por um grupo de roteiristas, escreve o roteiro daquele que pretende que seja seu testamento artístico. Um incidente: a separação de Lena, abandonada pelo filho de Mick. A relação entre os dois amigos não se altera, mas algo se define a partir de então: do lado de Fred os sentimentos parecem estar enterrados há muito tempo. Talvez desde sempre. É essa separação que despertará a necessidade do maestro de juntar as pontas de sua existência. É a essa operação que o filme, de certa forma, vai se dedicar, a partir de uma narrativa fragmentária (dividida entre os três personagens centrais). Seu mérito maior será remontar a vida e os problemas do velho maestro sem recorrer ao recurso um tanto covarde do flashback. É no presente que buscará suas respostas. É o presente, no mais, que revelará a superficialidade quase completa da longa amizade com o cineasta. Um dos aspectos que desequilibram o filme é o pouco interesse do personagem de Keitel, na maior parte do tempo apenas apoio para o maestro. Mesmo o fora que leva de sua estrela favorita, Brenda Morel (Jane Fonda), não tem rendimento dramático. A partir desses desequilíbrios, e até onde foi possível ver, esse filme que, de resto, aproveita-se muito bem da paisagem, pode-se entender bem a atual crise de público do chamado filme de arte.'' (* Inácio Araujo *)

''Em 2014, o italiano Paolo Sorentino surpreendeu o mundo ao conquistar os prêmios de melhor filme estrangeiro no Óscar, no Globo de Ouro e no BAFTA, por A Grande Beleza. Pois em 2015 o diretor volta a abordar a passagem do tempo em "Juventude", seu segundo filme em língua inglesa, que conta com um elenco cheio de bons veteranos. Ambientado em um Spa localizado nos Alpes Suíços, o longa acompanha dois amigos de longa data que ali estão hospedados: Fred (Michael Caine), um compositor e maestro, lembrado eternamente por uma série de composições consideradas obras-primas, e Mick (Harvey Keitel), um cineasta que está acompanhado de um grupo de jovens escritores na tentativa de fazer seu último filme. Durante a hospedagem no lugar, os dois conversam e dissertam sobre diversos assuntos, como as lembranças da infância, o medo da morte, os planos que deixaram para trás, o legado que vão deixar para as futuras gerações e os modos de vida da sociedade atual. São diálogos sublimes, que combinam com a beleza estética do lugar e nos fazem refletir sobre as nuances da vida humana. Fred recebe o convite para voltar ao palco numa apresentação especial para a Rainha da Inglaterra, mas não aceita por um motivo bem particular: ele não quer ver ninguém interpretando as músicas que antes eram interpretadas por sua mulher, que hoje vive em um asilo vitimada pelo Alzheimer. Já Mick sofre por não conseguir encontrar o final perfeito para seu filme, e vive na esperança de ter Brenda (Jane Fonda), uma antiga companheira de filmes, no papel principal. Ao redor dos dois, uma série de outros personagens curiosos também ganham voz, como Jimmy (Paul Dano), um ator que está se preparando para seu novo papel e odeia ser sempre lembrado por um papel específico em um filme de super-herói. Além dele tem ainda um astro argentino de futebol, aposentado e decadente (a semelhança com Maradona não é mera coincidência), uma miss universo (Madalina Ghenea) que põe a imaginação de todos para funcionar e Leda (Rachel Weisz), filha de Fred que vive um momento complicado de seu relacionamento com Julian (Ed Stoppard). Na parte técnica, a fotografia é sem dúvida o que mais chama a atenção, com belas tomadas. A trilha sonora também é belíssima e dá um toque especial à trama, além das boas atuações de Michael Caine e Harvey Keitel. A Juventude é um filme bastante reflexivo, sobretudo a repeito da passagem do tempo e de suas irreparáveis consequências. Dividiu opiniões em Cannes, tendo sido vaiado e aplaudido de pé ao mesmo tempo, e é um dos fortes nomes para a corrida do próximo Óscar." (Rafael Menegon)

88*2016 Oscar / 73*2016 Globo / 2015 Palma de Cannes / 2016 César

Top Suíça #23

Indigo Film
Barbar bFilms
Pathé
France 2 Cinéma
Number 9 Films
C-Films AG
Medusa Film
Film4
Canal+
Ciné+
France Télévisions
RSI-Radiotelevisione Svizzera
SRG SSR idée suisse
Téléclub
Mediaset Premium
Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC)
Regione del Veneto
Regione Lazio
Bundesamt für Kultur (EDI)
Fonds Eurimages du Conseil de l'Europe

Diretor:Paolo Sorrentino

32.595 users / 21.897 face

Soundtrack Rock

David Byrne

41 Metacritic 192 Down 31

Date 13/03/2016 Poster - ######

[Mov 03 IMDB 5,4/10] {Video/@@} M/37

JESSABELLE - O PASSADO NUNCA MORRE

(Jessabelle, 2014)

TAG KEVIN GREUTERT

{esquecível}

Sinopse

''Mulher tem que voltar a morar com o pai na Louisiana, depois que um acidente a deixa imobilizada. Mas ela descobre um mistério a respeito de seu passado que põe sua vida em risco.''

''O público-alvo do cinema de horror contemporâneo é formado por adolescentes e jovens adultos, gente para quem A Bruxa de Blair é antigo e que não conhece clássicos como O Exorcista ou Carrie. Cada vez mais, os filmes novos se limitam a empilhar referências, copiando filmes anteriores. A falta de imaginação é absoluta. Veja o caso de Jessabelle: qualquer um com o mínimo conhecimento da história do cinema de horror pode achar pelo menos meia dúzia de cenas ou situações claramente copiadas de outros filmes. Não há um único elemento novo ou imaginativo. Vamos lá: Jessabelle é uma moça traumatizada pela recente morte do noivo (clichê!), que muda para a velha casa do pai (clichê!) depois de ficar confinada a uma cadeira de rodas (clichê!). A casa é antiga e decrépita (clichê!) e fica num pântano (clichê!). Na casa, Jessabelle começa a ter visões de crianças (clichê!) e acha uma caixa de fitas VHS com gravações de sua mãe (clichê!) em que ela revela um segredo terrível que vai afetar a vida de Jessabelle (clichê!). E por aí vai. O cinema de horror sempre viveu de arquétipos: a mansão mal-assombrada, os segredos de família escondidos no passado, caixinhas misteriosas que escondem objetos amaldiçoados etc. O negócio é como o cineasta trabalha dentro desses arquétipos para criar algo novo. Mas Jessabelle não tem nada de surpreendente. É um filme preguiçoso, mal escrito e banal, que até causa uns sustos de vez em quando, mas põe o espectador na posição incômoda de perceber que já viu aquilo antes em um filme melhor." (Andre Barsinski)

Blumhouse Productions
Lionsgate

Diretor: Kevin Greutert

17.413 users / 5.912 face

14 Metacritic

Date 09/12/2016 Poster - ###

[Mov 08 IMDB 7,1/10] {Video/@@@@@} M/83

JOVENS, LOUCOS E MAIS REBELDES

(Everybody Wants Some!!, 2016)

TAG RICHARD LINKLATER

{divertido}

Sinopse
''Jake está chegando em sua nova faculdade, já trazendo uma certa fama de bom arremessador. Ele logo faz amizade cm seus colegas de faculdade, um grupo de jogadores de beisebol que constrói seu caminho através das liberdades e responsabilidades da vida adulta sem supervisão.''

"Linklater constroi blocos potentes e salta por cenários e situações imaginativas que vão interligando diferentes personagens, dramas, vibes, gêneros musicais e elementos culturais da época. É um filme que naturalmente faz o que Boyhood tentou na marra." (Daniel Dalpizzolo)

"Linklater mais uma vez usa o cotidiano como retrato e representa mais uma geração, dessa vez a dos anos 80, de maneira brilhante. Será que iremos para os 90?" Rodrigo Cunha)

"Assim como fez em outros filmes, Linklater não se atém a um enredo, preferindo capturar o sentimento da época e as relações entre os personagens. O resultado é um filme divertido, sincero e até tocante, mais um de sua carreira destinado a virar cult." (Silvio Pilau)

"Novamente Linklater faz do tempo o seu personagem principal e única matéria-prima, mas agora numa vibe muito mais descontraída e irreverente. Everybody Wants Some escapa lindo da autoindulgência e se mostra um retrato sincero e completo de uma geração." (Heitor Romero)

"É realmente um upgrade de Dazed and Confused, com um clima descontraído e muita bebida, drogas, sexo e rock'n roll. Prefiro Linklater discursando sobre uma geração de uma maneira bem liberal, descompromissada e com muito o que falar nas entrelinhas." (Francisco Bandeira)

''Richard Linklater é um diretor que se sai melhor em filmes despretensiosos, em que os detalhes ganham peso e oferecem o tipo de beleza que se esconde nas pequenas coisas, nos gestos mais econômicos dos atores, nas variações das inflexões de voz. É assim com a trilogia formada por Antes do Amanhecer, Antes do Pôr-do-Sol e Antes da Meia Noite, em "Escola de Rock" (2003), e também no seu primeiro filme de sucesso crítico, Jovens Loucos e Rebeldes. Este último ganha, 23 anos depois, uma continuação: "Jovens, Loucos e Mais Rebeldes!!". Linklater andou dizendo que é também uma continuação de Boyhood. Pode ser, mas este se ancora na pretensão, enquanto, no tom, o mais recente lembra mesmo o de 1993. Agora, em vez de se voltar aos anos 1970 de Led Zeppelin e do glam-rock, ele capta o ano de 1980, o desbunde da disco music e a energia do punk. Vemos jovens universitários com as preocupações que nos afligem nessa fase da vida: festas, paqueras e zoeiras sem fim. Até que a corda aperta e temos de estudar como doidos para não ficarmos para trás. Seja nos EUA, no Brasil ou na Turquia, jovens são sempre iguais: cheios de energia e vazios de foco. Existem as exceções, claro, e elas hoje dominam o mundo por meio da informática e dos games. Naquela época, quem se concentrava nos estudos tinha papelzinho grudado nas costas e levava pontapés no traseiro. Não há exatamente uma história. Vemos episódios levemente conectados dos jovens em meio a um mundo de possibilidades e descobertas. A câmera é leve, atenta, pronta para flagrar vacilos ou flertes. A montagem imprime o ritmo da disco, quebrando-se, por vezes, quando energizada pela música agressiva dos punks. É o retrato de uma época gostosa. Não os anos 80 propriamente, mas a época em que somos, geralmente, jovens irresponsáveis e bobões. O filme nunca faz uma crítica dessa juventude. Tampouco busca um tom nostálgico. É apenas um divertimento leve, delicioso de se ver, do qual saímos com um inevitável sorriso no rosto." (Sergio Alpendre)

''Richard Linklater já era conhecido do público indie desde que Jovens, Loucos e Rebeldes foi lançado e rapidamente alçado ao patamar de cult, sendo listado por Quentin Tarantino como o melhor filme dos anos 1990 e seu décimo filme favorito de todos os tempos, em lista publicada pela Sight and Sound de 2002. O retrato da juventude em seu último dia de aula no ano de 1976, recheado de rock and roll, bebida e carros, ganha uma espécie de sequência com Jovens, Loucos e Mais Rebeldes!!, cujo título brasileiro se aproveita do legado deixado pelo longa original. As semelhanças vão se amontoando ao longo da trama, como o elenco recheado de nomes e rostos até então pouco conhecidos, ótima trilha sonora e o excesso de hormônios típicos da idade. Ao contrário de Dazed, que mostrava um garoto contestador que ia para seu último ano do colégio como o principal atleta do time de futebol americano, o novo filme mostra um jovem calouro, Jake (Blake Jenner) chegando à cidade onde cursará faculdade e jogará em um dos melhores times de baseball universitário do país. Chegando à casa dos atletas, ele logo é confrontado pelos veteranos, que já têm suas tradições, regras e uma única motivação: conseguir o máximo de mulheres possível. Mas apesar de ser ambientado no início do ano letivo de 1980, não há aqui traços fortes de sexismo. O que se vê é mais um retrato fiel ao ambiente retratado: rapazes que usarão de todas as formas para conseguir atingir seu objetivo (fazendo valer até mesmo discursos sobre astrologia e o tamanho mediano de seu pênis) e garotas que sabem bem o que querem e onde estão se metendo.
Avançando no tempo musical em relação a Dazed, Mais Rebeldes!! já se mostra mais eclético, mantendo o Rock como estilo principal, mas também trazendo momentos de Disco e Country. A forma como cada um destes gêneros entra em cena é emblemática e reflete o estilo camaleônico com que os colegas de Jake interagem com o ambiente para tentar se dar bem ao final da noite. A forma como Linklater escreve seus diálogos e dirige seus atores mais uma vez chama muito a atenção. Tudo é muito verdadeiro, real, parecendo muito mais um documentário do que uma ficção. Não é à toa que Dazed and Confused é tido como o retrato da juventude americana de meados dos anos 70, status que Jovens, Loucos e Mais Rebeldes!! deve ganhar para o início da década seguinte." (Marcelo Forlani)

Annapurna Pictures
Detour Filmproduction
Paramount Pictures

Diretor: Richard Linklater

32.613 users / 7.778 face

Soundtrack Rock

The Cars / Dire Straits / Brian Eno / The Bus Boys / Gary Numan / M / Pete Townshend / Devo / Bruce Springsteen / Pat Benatar / Van Halen / The Riverboat Gamblers / Stiff Little Fingers / Queen / Pink Floyd / Hot Chocolate / Chic / Donna Summer / Kool & The Gang / Foreigner / Blondie / Frank Zappa / Joe Walsh / Parliament / The Knack / John Stewart / Stevie Nicks / Sniff 'n The Tears / The S.O.S. Band / Peaches & Herb

50 Metacritic 460 Up 75

Date 13/02/2017 Poster - #######

[Mov 05 IMDB 7,1/10] {Video/@@@} M/73

JULIETA

(Julieta, 2016)

TAG PEDRO ALMODÓVAR

{esquecível}

Sinopse
''Julieta (Emma Suárez/Adriana Ugarte) é uma mulher de meia idade que está prestes a se mudar de Madri para Portugal, para acompanhar seu namorado Lorenzo (Dario Grandinetti). Entretanto, um encontro fortuito na rua com Beatriz (Michelle Jenner), uma antiga amiga de sua filha Antía (Blanca Parés), faz com que Julieta repentinamente desista da mudança. Ela resolve se mudar para o antigo prédio em que vivia, também em Madri, e lá começa a escrever uma carta para a filha relembrando o passado entre as duas.''

''Um filme super leve de Almodóvar, quase um novelão na tela do cinema, com suas reviravoltas um tanto quanto artificiais e até na montagem. Carece de personagens marcantes, mas a trama é divertida e tem a classe costumeira do espanhol, claro." (Alexandre Koball)

''É um bom filme e também é muito bom ver Almodóvar retornar ao melodrama de maneira eficiente em um filme sempre interessante; pena que falte um grande momento, um ápice, um grande clímax, para deixar o filme mais completo." Rodrigo Cunha

''A maturidade de Almodóvar como diretor é clara, conduzindo a história sem excessos ou afetações. O problema são os deslizes do roteiro, como o excesso de conveniências e o final abrupto. Se não é seu melhor, também está longe de ser o seu pior." (Silvio Pilau)

''A intenção de partir da relação mãe/filha pra falar dos efeitos da culpa, da ausência e do silêncio nas nossas vidas, é válida, mas a estranha estrutura em flash-back e a contenção de estilo, deixam o saldo morno demais para os padrões de Almodovar.'' (Régis Trigo)

''Um Almodóvar tão contido quanto sagaz no absurdo controle do melodrama numa obra de nuances e elipses delicadas e com um toque de pessoalidade ímpar do diretor. Belo filme.'' (Rafael W. Oliveira)

''Almodóvar em melodrama slow burn. No, gracias.'' (Daniel Dalpizzolo)

''Ainda que às vezes inconsistente, o novo filme de Almodóvar mostra como ele refinou a sua 'caricatura séria' do melodrama, promovendo um pastiche sombrio sobre a memória e a ausência com um controle impressionante de mise-en-scène.|'' (Daniel D.I. Brum)

''O cineasta espanhol Pedro Almodóvar está longe de ser uma unanimidade no mundo do cinema. Alternando erros e acertos, como um Robert Altman latino, o diretor ganhou inúmeros detratores, tão fervorosos quanto os seus fãs –o que de certo modo é injusto, pois talento ele tem. Após o belíssimo "Fale Com Ela", realizou o frouxo "Má Educação". E, então, o tocante Volver, que é seguido por Abraços Partidos, medíocre diluição de sua poética. Já o filme seguinte, A Pele que Habito, está entre os mais fortes que realizou. Ou seja, temos aí o indesejável efeito gangorra. Com "Julieta", adaptação de três contos da escritora canadense Alice Munro, o diretor emenda seu segundo filme-problema consecutivo, o que não acontecia desde a dobradinha infeliz "De Salto Alto" e "Kika", nos anos 1990. Claro que perto do terrível "Amantes Passageiros", o penúltimo de Almodóvar, "Julieta" parece ajeitado. Mas não podemos fechar os olhos para o que tem de problemático. Não é o caso de invocar a política dos autores: um mau filme de Almodóvar continua sendo um mau filme, apesar de sua assinatura, assim como o mediano "Julieta" não fica melhor debaixo desse suspeito verniz autoral. As primeiras são um piloto automático com estética televisiva de quinta categoria, com excesso de luzes, closes e cortes nada inspirados. Julieta (Emma Suárez, musa dos filmes de Julio Medem nos anos 1990) é uma mulher de meia-idade que está prestes a se mudar para Portugal com o namorado Lorenzo (Darío Grandinetti). Mas um passado misterioso, que ela mantém em segredo, volta subitamente, fazendo com que ela resolva continuar em Madri, abandonando o compreensivo Lorenzo. Nesse passado, entenderemos logo, existe uma filha, com quem Julieta perdeu o contato há 12 anos. Por que esconder isso? Bem à maneira de Almodóvar, somos transportados para a juventude da protagonista, no exato momento em que ela se envolve com um homem em um trem noturno. O flashback traz certa invenção formal, mas apenas parcialmente. A jovem Julieta (Adriana Ugarte) nos conquista mais pela forma como é filmada do que pelo carisma da atriz. A aparição de um animal silvestre que corre ao lado do trem, por exemplo, é mágica, digna dos melhores filmes do diretor. Mas é filmada de modo ambíguo, e pode até lembrar um comercial de TV. A verdade é que Almodóvar está contido demais nesse filme. Em "Má Educação" torcemos para ele sossegar no maneirismo. Em "Julieta" ocorre o contrário: sentimos falta de um estilo mais marcante, algo cabível em um melodrama. Faltou o que normalmente lhe sobra: ousadia estética. Essa crise criativa está refletida na crise da protagonista, dividida entre um presente de arrependimentos e a possibilidade de recuperar algo do passado para, então, organizar seu futuro. Por isso a personagem, como o filme, é incapaz de alcançar uma plenitude.'' (Sergio Alpendre)

"Julieta", de Pedro Almodóvar, confirmou que os mais sólidos concorrentes à Palma de Ouro 2016 se estruturam em narrativas minimalistas. Foi assim com Paterson, de Jim Jarmusch e, pela primeira vez, o é para o espanhol. Da extravagância que acompanha a assinatura almodovariana, resta aqui quase nada, além de um papel secundário de governanta para Rossy de Palma, e sobretudo da exuberância de sua paleta de cores nas roupas e nos cenários, azul e vermelho dominando nos enquadramentos. "Julieta" talvez seja o mais sóbrio título de sua filmografia, trazendo de volta o registro de um díptico maior: "Tudo Sobre Minha Mãe" (1999) e "Fale Com Ela. A maior sobriedade não é contudo acompanhada em "Julieta" pelo rigor daquelas duas obras-primas. Aqui e ali, escorregadelas para o didatismo nos diálogos e nas opções no enredo abrem brechas na inteligência tradicional do melhor Almodóvar. Mas, reconheça-se, ei-lo plenamente recuperado do embaraço de seu filme anterior, Os Amantes Passageiros Baseado em três contos de A Fugitiva, de Alice Munro, "Julieta" faz Almodóvar retornar ao universo quase exclusivamente feminino que o celebrizou. Três encontros com o trágico desviam o destino da personagem-título, uma professora de literatura vivida em idades distintas por Emma Suárez e Adriana Ugarte. Ao centro de tudo gira o mistério do desaparecimento voluntário aos 18 anos de sua filha Antía. Uma das leituras possíveis de "Julieta" é como o mais crispado ensaio de Almodóvar sobre seu recorrente tema da maternidade. Não à toa ele renuncia provisoriamente ao humor e abraça a tragédia. Talvez porém o tenha feito com um grau a mais de explicitude. Mas não seria o exagero, em qualquer tom, a marca por excelência de Almodóvar? (Almir Labaki)

O perdão no meio de todas as coisas simples.

''Julieta está de viagem marcada. Amanhã abandonará Barcelona para acompanhar o namorado a uma temporada portuguesa, deixando para trás a segurança da vida em seu país. E o passado. Depois de um passeio e de um encontro inesperado, Julieta toma uma decisão e escolhe o passado. A partir desse momento, Julieta mergulha num acerto de contas não somente com a sua história e com quem fez parte dela, mas principalmente numa jornada de perdão pessoal que ela mesma não sabe onde vai chegar, nem se vai chegar a algum lugar. O que ela sabe é que precisa disso. Mas essa é somente a história de Julieta? Cada vez mais Pedro Almodóvar nos impregna de si mesmo, de sua cultura, de sua linguagem. Para alguém submerso em sua atmosfera pessoal ou que apenas tenha bebido muito de sua fonte desde os anos 80, fica cada vez mais difícil observar seus filmes e não vê-lo inteiro, praticamente desnudo. Por mais que digam o contrário, não vejo 'Julieta' como uma zona de conforto, mesmo que o melodrama tenha voltado à cena; após Amantes Passageiros, algo precisava ser feito e deveria ser radical. Hoje, escrevendo esse texto mais de uma semana após a sessão, todas as impressões parecem assentadas. O cineasta espanhol mais importante da atualidade estava numa espiral do lugar comum. Volver havia sido seu último grande filme, mas lá já tinha uma espécie de certeza nas colocações e nas intenções; era excelente, mas não era novo definitivamente. Ainda assim, foi um baque assistir a Abraços Partidos, um filme onde muita coisa estava repetida e também errada, num roteiro confuso e desequilibrado, repleto de pontas soltas. O nível voltaria a subir em A Pele que Habito, mas do anterior ele herdou o gosto pelo rocambolesco da narrativa, melhor acertado, mas numa posição ligeiramente preguiçosa, apoiado em homenagens demais e viradas de roteiro idem. Ao chegar na comédia rasgada anterior, um festival de excessos e da mais absoluta falta do que dizer. Era preciso um choque de realidade, e é aí que percebo uma bem-vinda ruptura. De posse dos direitos de três contos da vencedora do Nobel Alice Munro, Almodóvar passou anos pensando que finalmente estrearia na língua inglesa com eles, mas era hora de se voltar pro básico. E básico se tratando dele significava encontrar um novo tipo de roupagem, assumir uma identidade ainda mais simples e primal. Voltar ao melodrama pura e simplesmente era o mais fácil, esperado e desejado, mas como na ruptura anterior (entre Kika e A Flor do Meu Segredo), Almodóvar precisava achar um novo lugar para fazer ninho e voltar a criar. Hoje é fácil olhar pra trás e observar o que ele construiu, não temos como prever o futuro e saber o que vem após Julieta. O que temos a saber de imediato é que 'Julieta' é uma vertente nova sim, um Almodóvar tragado de possibilidades melodramáticas embora dentro das cercanias do gênero. Imagine o cineasta drenado das lágrimas que tantos admiradores lhe rendeu, restando somente suas cores, paixão e verdade. Talvez seja fácil posicionar 'Julieta' como sendo seu trabalho mais maduro e centrado, de pegada naturalista ao extremo e uma figura central tão humana. De refinada edição, o filme tem nas elipses do belo roteiro uma jogada poderosa de matiz cinematográfica. No habitual grande trabalho de direção, Almodóvar não deixa escapar todas as oportunidades onde pode brilhar, da forma mais sutil possível. E Adriana Ugarte e Emma Suarez dividem a protagonista com muita elegância e unidade, um acerto de escalação e de sinergia entre elas. O senão do filme vai para uma meia dúzia de diálogos durante a projeção, que emulam a personalidade do seu criador para além da necessidade, dando um aspecto meio que uniformizado a esses momentos, como se Almodóvar estivesse literalmente falando com a boca de seus personagens; que eles sejam completamente diferentes entre si é o grande problema. Mas a cadência de ritmo plácido, a intensa observação e leitura do ser humano, a investigação aguçada sobre a devastação de segredos por sobre o passado e eventualmente o futuro, a carga emocional interior e o desfecho mais milimetricamente acertado do ano fazem de Julieta mais do que um excelente Almodóvar, mas especialmente uma ambiciosa e bem sucedida aula magna sobre o perdão particular.'' (Francisco Carbone)

2016 Palma de Cannes

Echo Lake Entertainment
Canal+ France
Ciné +
El Deseo
FilmNation Entertainment
Televisión Española (TVE)

Diretor: Pedro Almodóvar

25.181 users / 21.182 face

32 Metascore 485 Down 67

Date 29/04/2017 Poster - ***

[Mov 07 IMDB 6,7/10] {Video/@@@@} M/58

JASON BOURNE

(Jason Bourne, 2016)

TAG PAUL GREENGRASS

{intenso}

Sinopse
''Fora do radar como lutator de rua, Jason Bourne (Matt Damon) é surpreendido por Nicky Parsons (Julia Stiles), que o procura oferecendo novas informações sobre seu passado. Inicialmente resistente, ele acaba voltando aos Estados Unidos para continuar a investigação e entra na mira do ex-chefe Robert Dewey (Tommy Lee Jones), que teme mais um vazamento de dados. Dentro na CIA, no entanto, a novata Heather Lee (Alicia Vikander) acredita que tentar recrutar Bourne para a agência seja a melhor solução.''

"Bourne está cansado. Hollywood, dê sossego a Bourne, ele não aguenta mais se defender de tanta coisa. Como thriller, é ágil mas esquecível, um passo abaixo da trilogia original." (Alexandre Koball)

"É implausível e nada traz de original à série, mas isso não seria problema se Greengrass e sua equipe lembrassem que o grande diferencial de Bourne sempre foi a inteligência, e não sua capacidade de destruição. Entretém, mas é o mais fraco de todos." (Silvio Pilau)

A câmera nervosa de Greengrass, que mais irrita do que gera tensão, a trama genérica, que lembra muito "O Fugitivo" (a presença de Jones favorece), e os personagens que se limitam a correr uns dos outros, fazem de "Jason Bourne" o pior episódio da série." (Régis Trigo)

''Depois de nove anos de hiato na franquia (O Legado Bourne, de 2012, não contou com o personagem de Matt Damon), Jason Bourne chega aos cinemas em clima de em time que está ganhando não se mexe. Não espere novidades estéticas ou temáticas neste quarto filme em relação à trilogia original. Mas pode esperar outra exibição de virtuosismo técnico e domínio narrativo de Paul Greengrass (diretor do segundo e do terceiro episódios). O cineasta criou um modelo de produção de adrenalina: câmera na mão, cortes rápidos, trilha sonora em crescendo, estilo que emula o documental. Os efeitos colaterais no espectador são evidentes: taquicardia, unhas roídas, pernas balançando freneticamente. Em seus filmes que dependem mais do drama humano, como Voo United 93 e Capitão Phillips, fica evidente que o modelo virou fórmula. Já na série Bourne – que não tem a pretensão de ganhar o Oscar de melhor filme, mas quer elevar o gênero de ação a um estado de arte –, funciona que é uma beleza. Nove anos após os acontecimentos de "O Ultimato Bourne" (2007), o agente Jason Bourne (Matt Damon, sólido como de hábito na franquia) é encontrado na Grécia por sua antiga parceira, Nicky Parsons (Julia Stiles). Ela conseguiu acesso a documentos que podem explicar o envolvimento do seu pai no treinamento que o transformou em um assassino amnésico a serviço da CIA. Isso desagrada o atual diretor da agência (Tommy Lee Jones) e um agente que se sentiu traído por Bourne (Vincent Cassel). Eles passam a persegui-lo pelo mundo para tentar assassiná-lo antes que novos segredos venham à tona. Mas Bourne recebe uma ajuda inesperada de uma carreirista chefe de tecnologia da CIA (Alicia Vikander). "Jason Bourne" é mais do mesmo. Mas o mesmo, no caso, continua sendo o melhor que o cinema de ação hollywoodiano consegue produzir hoje sem recorrer maciçamente a efeitos especiais." (Sergio Alpendre)

''Matt Damon tem um total de 25 falas em Jason Bourne, retorno à franquia tanto do ator quanto do diretor Paul Greengrass, quase dez anos depois de O Ultimato Bourne. Quem fez a conta é o próprio Greengrass numa entrevista ao Guardian. O diretor diz que já tinha consciência desse silêncio nos filmes anteriores; para ele o que define Bourne é a violência e as situações de ação. A inabilidade do personagem de botar para fora seus traumas, porém (de uma forma que não seja só quebrando tudo), contamina todo este quinto filme da série. É o primeiro que não se baseia diretamente em um livro de Robert Ludlum, e Greengrass, co-autor do roteiro, esboça fazer uma discussão sobre segurança nacional que passe por temas de anarcoativismo, excessos de vigilância e invasão de privacidade institucionalizada. O problema é que o diretor, assim como seu herói, não parece muito disposto a verbalizar essa discussão além de clichês de liberdade e patriotismo. Embora as duas principais sequências de ação entreguem o que promete - a primeira, na Grécia, joga com a ideia de vigilância total e empolga quando nos sonega informação visual com fogo e fumaça, e a segunda, no clímax em Las Vegas, é válvula de escape pura e simples de cinema de destruição - falta a Jason Bourne justamente mais substância. Já sabemos do que Greengrass é capaz com sua câmera nervosa, e não há nada aqui em termos de ação ou narrativa que sirva de evolução, em relação à trilogia original. A evolução estaria justamente na atualização da discussão política, que o filme é incapaz de articular. O diretor faz parecer que está realizando um suspense político complexo: seus personagens se comportam com a frieza e os movimentos calculados daqueles personagens que povoavam a Casa Branca do The West Wing de Aaron Sorkin. Basta uma cena mais robusta de embate filosófico ou mesmo de resolução de conflitos (como o almoço do chefe da CIA com o midas do Vale do Silício, ou o encontro de Bourne com o Julian Assange fictício do filme), para que as coisas se reduzam aos maniqueísmos. O clímax com o duelo entre Bourne e o chefão é o maior exemplo, com aquelas falas estereotípicas de filme de ação de macho, tipo "você sabia que terminaria assim" e faça o que veio fazer. Até o Assange sabe dar seus golpes. Bourne pode ser o tipo de poucas palavras, mas num filme que se propõe discutir atualidades de forma frontal, falta colocar o dedo na ferida de verdade, ou pelo menos ter bons coadjuvantes que consigam verbalizar a discussão direito. Na verdade, o melhor de Jason Bourne é outra coisa, é a participação de Alicia Vikander como a profissional da CIA que nos faz crer que é uma grande patriota mas se revela uma perfeita self-made woman, ambiciosa e determinada. Filmes como A Hora mais Escura sabem tocar bem nessa questão da guerra como uma questão de tecnocracia, e agora é Bourne que precisa correr atrás." (Marcelo Hessel)

''Depois de nove anos de hiato na franquia (O Legado Bourne, de 2012, não contou com o personagem de Matt Damon), Jason Bourne chega aos cinemas em clima de em time que está ganhando não se mexe. Não espere novidades estéticas ou temáticas neste quarto filme em relação à trilogia original. Mas pode esperar outra exibição de virtuosismo técnico e domínio narrativo de Paul Greengrass (diretor do segundo e do terceiro episódios). O cineasta criou um modelo de produção de adrenalina: câmera na mão, cortes rápidos, trilha sonora em crescendo, estilo que emula o documental. Os efeitos colaterais no espectador são evidentes: taquicardia, unhas roídas, pernas balançando freneticamente. Em seus filmes que dependem mais do drama humano, como Voo United 93 e Capitão Phillips, fica evidente que o modelo virou fórmula. Já na série Bourne – que não tem a pretensão de ganhar o Oscar de melhor filme, mas quer elevar o gênero de ação a um estado de arte –, funciona que é uma beleza. Nove anos após os acontecimentos de "O Ultimato Bourne" (2007), o agente Jason Bourne (Matt Damon, sólido como de hábito na franquia) é encontrado na Grécia por sua antiga parceira, Nicky Parsons (Julia Stiles). Ela conseguiu acesso a documentos que podem explicar o envolvimento do seu pai no treinamento que o transformou em um assassino amnésico a serviço da CIA. Isso desagrada o atual diretor da agência (Tommy Lee Jones) e um agente que se sentiu traído por Bourne (Vincent Cassel). Eles passam a persegui-lo pelo mundo para tentar assassiná-lo antes que novos segredos venham à tona. Mas Bourne recebe uma ajuda inesperada de uma carreirista chefe de tecnologia da CIA (Alicia Vikander). "Jason Bourne" é mais do mesmo. Mas o mesmo, no caso, continua sendo o melhor que o cinema de ação hollywoodiano consegue produzir hoje sem recorrer maciçamente a efeitos especiais." (Ricardo Calil)

Captivate Entertainment
Double Negative
Kennedy/Marshall Company, The
Lidar Lounge
Pearl Street Films
Perfect World Pictures

Diretor: Paul Greengrass

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Soundtrack Rock
Moby

50 Metacritic 605 Down 3

Date 04/06/2017 Poster - #####