FILMES NOTA 05

"Qualquer filme datado. Até aí, nenhum problema. Mas o risco de cria-se uma obra com prazo de validade surge quando, entre outros motivos, o pensamenro de uma geração é o tema principal, como em "O Reencontro". Quase 20 anos após o lançamento, ele sobrevive. Lawrence Kasdan, em um de seus melhores momentos, registra um final de semana na vida de ste amigos na ocasião do suicídio do mais promisssor da turma. Tudo sugere que, nos anos 80, os valores desses amigos, idealistas nos anos 60, estão mortos por eles mesmos. Mas a questão nem é o choque entre egocentrismo e coletivismo. A dificuldade em lidar, com um passado obsoleto, que parece grudar nas pernas, e a possibilidade do nascimento de um novo eu falam mais alto." (* Inácio Araujo *)

56*1984 Oscar / 41*1984 Globo

"Reprisou tanto na TV que acabou ganhando certo carisma e se tornando, a sua maneira, um clássico - mesmo com todos os absurdos do projeto e a canastrice de Kevin Costner." (Rodrigo Cunha)

"Kevin Costner começou os anos 1990 como rei. Dirigiu o faroeste meio sensível Dança com Lobos, que arrebatou sete prêmios Oscar, incluindo filme e direção. Mas aí emendou um projeto fracassado atrás do outro. "Waterworld" é um deles. Tremenda injustiça. Apesar de a direção ser creditada ao xará e melhor amigo Kevin Reynolds, Costner é codiretor. E também interpreta o papel principal. É praticamente um filme de super-herói. No futuro, o mundo está quase todo sob as águas. Costner é um híbrido, humano com guelras (o roteiro dispensa explicações sobre essa mutação). Ele reluta em proteger inocentes do vilão Deacon, feito por Dennis Hopper. Mas seu lado mocinho fala mais alto. O que vem daí é pura diversão." (Thales de Menezes)

68*1996 Osacar

"Sturges consegue transmitir a beleza e a poesia do texto de Hemingway, apoiado em uma bela performance de Tracy, que passa quase todo o filme sozinho. No entanto, apela demais para a narração e alguns aspectos técnicos não envelheceram muito bem." (Silvio Pilau)

31*1959 Oscar

64*1992 Oscar

''Em "O Quinto Elemento", a Terra está em perigo. É preciso juntar os quatro elementos (terra, água, fogo, ar) e ver surgir um quinto, na pessoa de Milla Jovovich, para que possamos sobreviver. Essa é a história que propõe o francês Luc Besson. Como ele faz parte daquela geração que, nos anos 80, buscou levar à Europa o que há de massificado no cinema americano, não é de estranhar que um dia acabasse na América, como aconteceu aqui. Mas o namoro não deu tão certo. O filme é muito superproduzido para estar nas mãos de um francês. E intelectual demais (quem sabe dos quatro elementos, a não ser alguns universitários) para ser americano. Nem cá nem lá, Besson é um cineasta no meio do caminho (no caso, no meio do Atlântico Norte)." (* Inácio Araujo *)

70*1998 Oscar / 1997 César

53*1999 Globo

"É bacana, tem Tom Hanks e algumas cenas super clássicas, porém, é mais um cult teen supervalorizado. Mesmo assim, vale muito a pena." (David Campos)

61*1989 Oscar / 46*1989 Globo / 1988 Lion Veneza

49*1977 Oscar / 34*1977 Globo / 1976 Palma de Cannes

"Um marasmo. Cadê a tensão, o terror? Cadê o filme?" (Alexandre Koball)

''Entre os antigos monstros do cinema, Lobisomem nunca foi páreo em popularidade para Drácula e Frankenstein. E o personagem sofreu em modernizações fracas, como O Garoto do Futuro, com Michael J. Fox.Esse contexto já basta para aplaudir "Lobisomem", versão de 2009 que se aproxima muito da trama e do clima sombrio do filme original de 1941. Benicio del Toro consegue passar a angústia do personagem, mesmo coberto de pelos. Anthony Hopkins faz o papel do pai do homem-lobo com a apatia habitual de seus trabalhos recentes, e Emily Blunt mostra o lindo rosto como a mocinha em perigo. Definitivamente calcado num modelo clássico, este novo Lobisomem não deixa de ter seu charme." (Thales de Menezes)

"Tenta ser um revival da famosa franquia de horror da Universal, mas é tão ruim que quase funciona como uma auto-paródia." (Rodrigo Cunha)

"Se até a maquiagem é duvidosa, o que esperar do resto? Infelizmente, história sem lógica, personagens insossos, efeitos especiais amadores e cenas de ação de dar sono. Para piorar, Del Toro e Blunt estão em seus piores momentos." (Silvio Pilau)

83*2011 Oscar

"Nem sempre o humor escrachado dos Farrelly funciona, e nesse primeiro trabalho da dupla falta ainda um pouco de experiência, que seria adquirida em trabalhos posteriores bem melhores." (Heitor Romero)

" "Meu passarinho morreu". "Meu Deus, sinto muito. O que aconteceu?". "A cabeça dele caiu"." ( Luis Henrique Boaventura)

''Revisto hoje, "Débi & Loide: Dois Idiotas em Apuros" serve, antes de mais nada, para dar valor à arte do burlesco, que os irmãos Peter e Bobby Farrelly revitalizaram, durante algum tempo, a partir deste filme justamente. Aqui também Jim Carrey apareceu como o grande comediante que poderia ter sido se não tivesse resolvido se tornar um ator sério e sem brilho. Aqui, ele faz o bocó que, na companhia de Jeff Daniels, não menos bocó, vai atrás de uma garota por quem se apaixona. O que leva a dar ainda mais valor ao filme é constatar que os Farrelly, depois de poucos anos de brilho (em que Eu, Eu Mesmo e Irene, também com Carrey), passaram a fazer filmes cada vez mais fracos. É quase uma lei do gênero." (* Inácio Araujo *)

"Que melhor dia para ver "Débi & Lóide - Dois Idiotas em Apuros" senão o domingo? E, além do mais, na matinê... Não há muito a dizer sobre a história que já não esteja no título. Exceto, talvez, que os irmãos Peter e Bobby Farrelly, autores do filme, são cineastas que não temem o grotesco. Pois não há como fazer comédia e temer o grotesco. Para quem teme o título, pode-se remeter a outras duplas famosas, como o Gordo e o Magro... Estes foram menos efêmeros, é verdade, mas o que importa é o talento ali investido em criar gags visuais e mesmo verbais a que Jim Carrey e Jeff Daniels souberam dar vida (sobretudo o primeiro). E a partir das quais pode-se, muito bem, remontar a gloriosa história da comédia burlesca.'' (** Inácio Araujo **)

''Fazer rir não é fácil. Em primeiro lugar, o estado de espírito da pessoa pode influenciar bastante na maneira como ela recebe uma piada. Em certos dias, podemos rir de qualquer coisa, por mais simples que seja, mas em outros, parece que sorrir é uma tarefa hercúlea. Além disto, o tipo de humor que agrada ao espectador varia bastante. Existem aqueles (como eu) que gostam de um humor mais sarcástico, mais sutil e menos físico. Já outros preferem um humor pastelão, bem mais espalhafatoso – e não vejo nada de errado nisto, é bom dizer. E como isto não é uma regra imutável, qualquer tipo de humor pode agradar a qualquer pessoa, dependendo da forma como a piada (ou cena, ou filme) é contada. Este é o segredo deste excelente Debi & Lóide, um filme que faz piada idiota, mas que respeita a inteligência do espectador e não o trata como tal. Lloyd Christmas (Jim Carrey) é um motorista frustrado que vê sua vida mudar completamente quando resgata uma mala deixada pela bela Mary Swanson (Lauren Holly) no saguão de um aeroporto, antes dela seguir viagem para Aspen. Ao lado de seu grande amigo Harry Dunne (Jeff Daniels), ele parte numa viagem que cruzará o país na tentativa de devolver o objeto para a moça, provocando muitas confusões pelas estradas norte-americanas. Pra piorar a situação, a mala continha o dinheiro do pagamento de um resgate e os seqüestradores partem em busca da dupla. Escrito pelos irmãos Peter e Bobby Farrelly, auxiliados por Bennett Yelin, Debi & Lóide conta a história de dois verdadeiros idiotas, que decidem cruzar os Estados Unidos somente para devolver uma mala para uma desconhecida, que tentava fazer o pagamento de um resgate (descobriríamos depois que, como acontece na maioria dos casos, o seqüestro é organizado por alguém próximo da família). Partindo desta premissa simples, o criativo roteiro nos apresenta a uma série de situações inusitadas e divertidas desde a apresentação dos personagens principais que, nos dois casos, enfrentam problemas no trabalho antes de voltar para casa. Além disso, o roteiro é repleto de humor negro, como fica claro desde a ida ao aeroporto, quando Lloyd provoca diversos acidentes enquanto conversa com Mary, chegando ao auge do politicamente incorreto quando a dupla provoca a morte de um dos seqüestradores no restaurante “Dante’s Inferno”, dando pimentas para quem sofre com úlcera e, na tentativa de ajudá-lo, medicando-o acidentalmente com veneno pra ratos. Finalmente, vale destacar que o roteiro faz ainda uma interessante referência ao clássico O Silêncio dos Inocentes, quando Lloyd e Harry dizem que comeriam o fígado de uma mulher com Chianti e fazem um gesto com a boca similar ao de Hannibal Lecter. Além de escrever o criativo roteiro, Peter Farrelly demonstra competência na condução da narrativa, mantendo o ritmo sempre dinâmico e a atmosfera alegre na maior parte do tempo. Inteligente, ele sabe que o sentimentalismo não combina com o clima do filme e, por isso, evita as cenas melodramáticas na maior parte do tempo – e mesmo quando elas aparecem, como quando Lloyd reclama da vida antes de partir pra Aspen, são sempre interrompidas por alguma piada. Além disso, Farrelly se sai bem na condução das cenas mais divertidas, como na genial seqüência da lanchonete, quando Lloyd consegue sair sem pagar e deixa tudo na conta do grandalhão Sea Bass (Cam Neely). O diretor conta ainda com a montagem de Christopher Greenbury para criar muitos momentos engraçados, como quando Lloyd pede para uma velhinha cuidar de suas coisas e, em seguida, entra em casa gritando Fui roubado! Por uma velinha sentada numa cadeira de rodas!. E até mesmo na criação de planos simbólicos Peter se sai bem, como quando diminui Harry na tela quando ele volta pra casa, ilustrando seu sentimento de solidão na estrada, ou quando Mary está deitada entre os amigos na cama, simbolizando que aquela amizade estava novamente dividida por uma mulher, ainda que temporariamente – sem falar no engraçado sonho de Lloyd, quando as asas dos pombos atrás de Mary simbolizam que ela é um anjo na vida dele. Pra completar, a fotografia de Mark Irwin utiliza cores vivas e muitas cenas diurnas, reforçando a atmosfera leve da narrativa. A coleção de cenas engraçadas é tão grande que fica difícil citar apenas algumas. Basta dizer que a narrativa apresenta uma sucessão quase ininterrupta de boas piadas, graças ao trabalho do montador Greenbury, em conjunto com a direção eficiente de Farrelly, que emprega um ritmo acelerado à narrativa, além, é claro, de contar também com o talento da dupla principal de atores. Ainda assim, vale destacar a divertida cena em que um policial para a dupla na estrada para multá-los, tomando a cerveja em seguida, numa das piadas escatológicas do longa – a outra piada deste tipo que também é sensacional acontece na casa de Mary, após um plano cruel de Lloyd. Todas estas excelentes cenas ficam ainda melhores graças ao inspirado desempenho do ótimo Jim Carrey, que provou ao longo da carreira que é um ator não apenas talentoso, mas também versátil. É incrível como Carrey tem enorme facilidade para provocar o riso, seja através de suas expressões faciais, seja através de seu excelente timing cômico, como, por exemplo, na cena em que Lloyd conta para Harry que vendeu um pássaro morto para um menino cego (repare a tossida que o ator dá tentando disfarçar a revelação trágica). Aliás, a casa simples e bagunçada indica muito sobre a personalidade atrapalhada de Lloyd e Harry, o que evidencia o bom trabalho de direção de arte de Arlan Jay Vetter. Que tipo de idiota criaria minhocas na sala?, questiona uma das seqüestradoras ao invadir o local. Pra ajudar, seu cabelo (que remete a Jerry Lewis) e o dente quebrado dão um upgrade no visual cômico. Jeff Daniels também está muito bem, conseguindo sucesso na difícil missão de contracenar com um comediante tão talentoso como Carrey, além de protagonizar muitas das cenas marcantes de Debi & Lóide com competência, como quando prende a língua num teleférico e quando a privada quebra na casa de Mary. Demonstrando excelente química em cena, a dupla parece se conhecer a muito tempo, tamanho o entrosamento que apresentam. Repare, por exemplo, a alegria de Harry quando Lloyd troca o carro por uma moto, após os dois se perderem na estrada (Achei que as rochosas eram mais rochosas, diz Harry, após voltar metade do caminho). Eles se completam. E se sem dinheiro a dupla consegue se divertir tanto na viagem, imagine o que acontece quando eles descobrem o que tem dentro da mala, já na cidade de Aspen? Embalados pela excelente trilha sonora de Todd Rundgren, repleta de músicas agitadas que colaboram com o clima leve da narrativa, a dupla parte para comprar novas roupas (sob o som de Pretty Woman), pois a noite haveria uma festa de gala, onde estariam presentes Mary e os seqüestradores (obviamente, eles não sabiam disto). E assim como a casa deles, as roupas escolhidas (figurinos de Mary Zophres) ilustram uma característica de Lloyd e Harry: a alegria. E após a hilária e surreal cena em que Lloyd mata uma coruja rara, os seqüestradores afirmam: Foi um recado puro e simples. Matamos o pássaro deles e eles mataram o nosso. Mas eles não eram bandidos e, acertadamente, se sairão bem de toda esta enrascada, ainda que voltem sem dinheiro, sem Mary e, pior que isto, a pé pra casa. Pra completar, o longa termina com uma piada perfeita, quando um ônibus lotado de mulheres de biquíni para na estrada a procura de dois rapazes para passar bronzeador nelas. Enquanto os créditos sobem na tela e os amigos se divertem na estrada, o espectador mantém o sorriso no rosto, o que é sinal de que o filme atingiu seu objetivo. Leve e descontraído, Debi & Lóide é uma comédia eficiente, que conta com uma direção correta e duas atuações inspiradas para nos divertir. Misturando o humor pastelão com piadas que desafiam o limite do politicamente correto, o longa se transformou num dos símbolos da comédia nos anos 90. De quebra, lançou a consistente carreira dos irmãos Farrelly e consolidou a ascensão do ótimo Jim Carrey. Não é pouca coisa." (Roberto Siqueira)

"Michael O'Hara (Orson Welles) é um personagem muitíssimo bem construído, e mesmo os exageros dramáticos de Elsa Bannister (Rita Hayworth), este é um noir de primeira linha." (ALexandre Koball)

"A trama é uma mera desculpa para, mais uma vez, Welles demonstrar seu impressionante talento como diretor, em outra obra visionária no trabalho de câmera e apoiada em uma rigorosa mise-en-scène. Um verdadeiro deleite para cinéfilos, com momentos geniais." (Silvio Pilau)

"Quem se apegar ao conteúdo vai achar "A Dama de Shanghai" uma maluquice pura e simples. Estamos em um iate. Há Orson Welles e Rita Hayworth. O marido de Rita, um associado dele e Welles empenham-se o tempo todo em aplicar golpes baixos (mas ela, saberemos, não é nenhuma santa). Em resumo, mal compreendemos a intriga. E o que importa? Ela desemboca num maravilhoso labirinto de espelhos, o mais belo que já se viu, em que as imagens se multiplicam e nunca sabemos onde os personagens verdadeiramente estão. Esse delirante labirinto resume as idéias de Welles sobre um mundo onde tudo é ilusão. Em particular, aquilo que se quer mais verdadeiro, a imagem." (* Inácio Araujo *)

''2015 foi o ano do centenário de Orson Welles e também aquele em que a Versátil demonstrou que, em tempos de crise, investir em cultura é um poderoso antídoto à falta de sentido. Depois de o selo colocar no mercado diversas caixas com obras de cineastas inéditos ou maltratados, além de gêneros ainda vistos como subcultura, o lançamento de nove filmes de Welles às vésperas do Natal pode nos convencer de que Papai Noel existe. As caixas O Cinema de Orson Welles e Shakespeare por Welles trazem versões restauradas das peças que faltam para montar o formidável quebra-cabeça desse ator-diretor que chegou a Hollywood tratado a pão-de-ló e saiu de lá tratado a pontapés. Para o bem e para o mal, a permanência por mais de meio século de Cidadão Kane, primeiro longa dirigido por Welles, no posto de maior filme de todos os tempos provocou distorções na recepção dos trabalhos que o cineasta conseguiu finalizar nas décadas seguintes. Soberba e É Tudo Verdade, ambos de 1942, estão na origem do mito de Welles como artista genial aniquilado pelo sistema. Apesar de a versão remanescente de Soberba ser amputada e incompleta em relação à concepção original do realizador, é difícil não terminar de assistir ao filme assombrado pela riqueza formal e moral desse retrato da decadência de uma família burguesa, que é também painel nostálgico de um mundo regulado por lutas humanas que desaparece para dar lugar a outro movido por forças mecânicas. O projeto de É Tudo Verdade foi tão turbulento que resumi-lo em duas linhas seria desonesto. As filmagens que Welles fez no Brasil no pacote da política de boa vizinhança adotada pelo governo Roosevelt para impedir a ditadura de Vargas de ceder à tentação fascista foram reencontradas e deram origem a uma reconstrução primorosa. A dimensão eisensteiniana que Welles conseguiu dar ao registro de uma comunidade de pescadores no litoral do Ceará funde homem e natureza numa imagem que não tem nada de turística e que assombra não só pela beleza plástica. ''A Dama de Shanghai'' foi o último esforço de Welles para se reintegrar ao regime hollywoodiano, mas o resultado é um filme até mais negro, pessimista e anticlássico que os anteriores. O duelo final numa sala de espelhos, com a imagem estilhaçada de Rita Hayworth, e a partida solitária do personagem interpretado por Welles projetam a vontade de inserir fissuras no mundo perfeito que Hollywood inventara e o rumo incerto que a carreira do diretor tomaria na Europa nas décadas seguintes. Grilhões do Passado retoma o tema da identidade esfacelada de Cidadão Kane. Nessa investigação existencialista, Welles aproveita a relativa independência financeira para experimentar os tempos da narrativa num filme labiríntico, além de manifestar seu gosto pela ambivalência entre verdade e mentira, heróis e canalhas. Em O Processo, Welles arranca Kafka da prisão kafkiana a que tantas leituras o condenaram. O humor que ele enfatiza ao adaptar o maior clássico do escritor tcheco renova a originalidade da visão de Kafka sobre o absurdo da condição humana, sempre sufocada pela vitimização de suas anônimas criaturas. No longa-testamento Verdades e Mentiras, Welles adota o formato do falso documentário para questionar o status do artista-gênio ao traçar o percurso de um falsificador com talento para fazer igual ou até melhor que os originais. Em Macbeth, Othello e Falstaff, ele retoma seu idolatrado Shakespeare sem se curvar à ideia de clássico. Os cortes, colagens e remontagens dos textos que fez desagradaram os puristas, que preferiam a fidelidade das versões filmadas por Laurence Olivier. O Shakespeare de Welles, no entanto, afirma o cinema como arte-irmã do teatro. Ambas se constroem a partir da palavra, mas estas só significam quando alguém as reinventa numa forma, numa mise-en-scène que as torna mais do que letras mortas." (Cassio Starlig Carlos)

68*1996 Oscar /53*1996 Globo / 1995 Urso de Ouro

1982 Lion Veneza

59*1987 Oscar / 44*1997 Globo /1986 Urso de Ouro

52*1980 Oscar / 37*1980 Globo /1979 Palma de Cannes

UM JANTAR PARA TODOS